RESEÑA: Los Miserables, Teatro Queens ✭✭✭✭

Los Miserables - One Day More. Foto: Johan Perrson Los Miserables

Queen’s Theatre

16 de diciembre de 2014

4 estrellas

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El hombre dos butacas más allá parece estar sufriendo algún problema médico. Se incorpora con dificultad y se dirige hacia el pasillo, pero, a unas cuantas personas de distancia a lo largo de la fila, se desploma. De inmediato hay ayuda a mano: la gente se levanta y asiste, llegan los acomodadores. El hombre y su acompañante desaparecen hacia el vestíbulo. Las personas sobre las que cayó, visitantes de tierras germánicas, están muy alteradas: de pie, en cuclillas, encendiendo linternas y móviles, buscando algo tan importante que debe encontrarse allí mismo y en ese instante; ¿quizá un reloj Rolex o un billete dorado?

Mientras se arma este jaleo, la pequeña Cosette canta, realmente precioso, Castle On A Cloud, y luego la acción pasa a Master of the House y la escena en la que Valjean se enfrenta a los espantosos Thénardier para rescatar a la pequeña Cosette. Sí, fue un jaleo largo, irritante y ruidoso. Pero no pudo ni rozar la alquimia teatral que estaba ocurriendo en el escenario del Queen’s Theatre, donde el éxito arrollador de 1985 de Alain Boublil y Claude-Michel Schönberg, Les Miserables, está en su 29.º año y, tal y como se interpreta actualmente, rebosa vigor, talento y musicalidad. La última vez que la vi, hace unos dos años, la producción estaba en muy mal estado, con varios repartos desacertados y, tristemente, carente de detalle, textura, brillo vocal o caracterización.

Ahora es muy diferente.

En su producción original, bajo la batuta de Sir Trevor Nunn y John Caird, con la icónica escenografía de John Napier, el impecable diseño de iluminación de David Hersey, el vestuario de Andreane Neofitou y la dirección musical escénica de Kate Flatt, Les Miserables dependía de la fortaleza del amplio conjunto, de la capacidad de intérpretes veteranos y jóvenes para crear un festín casi incesantemente cambiante de situaciones y personajes. Trabajar con el sólido y bien entrenado elenco de la RSC lo hacía más sencillo, pero fue una parte clave del éxito de aquella producción original en Londres y, después, en Broadway y en Sídney,

Australia. Les Miserables no es un musical que “funcione” sin más; exige trabajo duro y requiere versatilidad y destreza de cada miembro del reparto, el compromiso de hacer que cada instante funcione tan bien como cualquier otro y un equilibrio perfecto entre la orquesta y el elenco. Lo que Les Miserables no puede soportar —como demuestra sobradamente la actual producción de Broadway (no esta producción, sino el “lavado de cara”)— es un enfoque del estilo X Factor aplicado a la partitura. Cuando el espectáculo se estrenó, ninguna de I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home o Empty Chairs And Empty Tables era un estándar; nadie las había cantado una y otra y otra vez, desde Barbra Streisand hasta Susan Boyle. La verdad es que ninguna de ellas, en el contexto de Les Miserables como espectáculo teatral, es más que un momento de iluminación para un personaje en particular. Sí, bien interpretada, cualquiera puede parar la función; pero parar la función no es el objetivo de ninguna de ellas.

Por eso resulta refrescante y, de verdad, emocionante descubrir que el reparto de 2014, en líneas generales, aborda el musical a la manera original. Es un conjunto de primer nivel, trabajador, de todas las edades y perfiles, que crea sin fisuras los diferentes y dispares grupos de franceses con los que Valjean se cruza en su camino: convictos, guardias, campesinos, obreros de fábrica, prostitutas, monjas, clientes de taberna, estudiantes, mendigos, ladrones y aristócratas. No hay sensación de similitud entre los múltiples papeles que se interpretan aquí: casi cada actor compone una persona completamente nueva en cada escena en la que aparece con un rol distinto. Eso hace que el detalle, la trama compleja y el hilo emocional —ese caminar por la cuerda floja— vibren con sinceridad, inventiva y claridad.

Si nunca has visto Les Miserables, este es un buen año para verla; si ya la has visto, este reparto aporta enfoques frescos y matices interesantes a escenas que crees conocer al dedillo y a personajes que piensas que ya no pueden sorprenderte. Esto se aprecia con especial nitidez en el caso de la familia Thénardier y sus compinches. Es esencial que los Thénardier adultos puedan ser cómicos y monstruosos a la vez; no pueden ser caricaturas, pero sí vampiros carnosos, pasados de punto, capaces de chuparle la vida a una losa de mármol. El humor de Master of the House debe ser auténtico, para romper la letanía de tristeza y horror que caracteriza los primeros cuarenta y pico minutos del espectáculo, pero también para ofrecer una yuxtaposición fascinante con la crueldad y el regateo flemático por Cosette que viene después.

Tom Edden es, con diferencia, el mejor Thénardier que he visto desde la gloriosa interpretación de Peter Carroll hace ya algunas décadas. Aporta una jovialidad renovada al papel, pero no teme ser implacablemente malvado y cruel cuando hace falta. Sus ojos irradian el don del oportunista eterno para sacar ventaja al vuelo, y su figura larga se dobla y retuerce con un gran efecto cómico mientras roba a sus desprevenidos clientes. Sus escenas en las alcantarillas son supremamente incómodas.

Como un volcán de potencia vocal, sentido del tempo cómico y una presencia física contundente, Helen Walsh compone una Madame Thénardier sorprendente, provocadora y enormemente disfrutable (Wendy Ferguson no actuó). Las rutinas con Edden en ambas apariciones de Master of the House estuvieron perfectamente interpretadas; parecía que estuvieran ocurriendo por primera vez, tal era la sincronía de la pareja. Ninguno de los dos desperdició un segundo de tiempo escénico; cada uno encontró todo lo que había que encontrar —y más— en su trabajo. Estupendo. Con este sólido apoyo, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher no actuó) ofreció una Eponine excelente. Su repulsión ante el comportamiento de su propia familia es totalmente comprensible, al igual que su atracción por el apuesto Marius de Rob Houchen. Es elocuente en sus silencios y no teme cantar en voz baja con un gran efecto. Como el personaje está tan bien asentado, su On My Own resulta muy conmovedora y totalmente coherente con el personaje. Ningún momento de diva aquí, por suerte. Pero se guarda lo mejor para el final: sus últimos instantes en los brazos de Houchen estuvieron medidos con belleza y cargados de tensión. Solo el corazón más duro podría no emocionarse con su interpretación. Houchen es, sin duda, uno de los mejores intérpretes que he visto abordar a Marius, un papel que, en malas manos, puede resultar soso y desangelado. Aquí no. Houchen convence por completo como el idealista que de pronto, inesperadamente, se enamora y cuya vida queda cambiada para siempre por ese amor. Tiene una presencia escénica natural, un barítono excelente y sabe actuar. Empty Chairs at Empty Tables está finamente calibrada y hermosamente cantada, y consigue que las escenas finales con Valjean y Cosette funcionen porque es absolutamente creíble. Su amistad y lealtad a Enjolras también quedan firmemente establecidas, como es de esperar, pero, de forma algo inusual, Houchen se toma el tiempo de hacer reales también sus relaciones con los otros estudiantes, especialmente con el Grantaire de Christian Edwards.

Como Enjolras, Michael Colbourne ofrece una figura adecuadamente gallarda y no cabe duda de su convicción sobre la necesidad de la revolución. Pero, vocalmente, estuvo algo desajustado en varias secciones y necesita trabajar el apoyo para asegurar líneas claras y afinadas de potencia vocal. Tiene carisma y estilo de sobra, y me gustó particularmente su relación con Gavroche y la sinceridad con la que afronta la realidad que anuncia la muerte de Eponine.

El conjunto está repleto de intérpretes sobresalientes, actores dotados con grandes voces. Especialmente bien estuvieron Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase y Jade Davies. Algo desentonados con el resto del reparto estuvieron el Bamatabois excesivamente recargado de Adam Pearce y el insulso obispo de Digne de Adam Linstead.

Los tres niños del reparto —Freya Griffiths, Phoebe Lyons y Aaron Gelkoff— estuvieron muy bien, con un Gavroche de Gelkoff excepcional dada su tierna edad (¡8!). Cada uno estuvo interpretado con sencillez y tanto la pequeña Cosette como Gavroche cantaron como auténticos profesionales, pero sin la falsedad ni la afectación que a menudo pueden estropear momentos así.

La Cosette adulta es un papel difícil. Sobre el papel parece sencillo, pero el canto es exigente y el personaje requiere una técnica diestra y hábil para evitar un lodazal de sentimentalismo y tedio. Emile Fleming sale airosa, pero su registro agudo es demasiado afilado y apretado, y hay una incomodidad en su manejo escénico que desconcierta. Debería apoyarse más en la fuerza de la interpretación de Houchen, dejarse llevar por ella en lugar de ir a contrapelo. Porque la clave de Cosette es su devoción por Marius; sin que eso sea palpable y real, el segundo acto no puede funcionar.

Hay demasiada ira y agresividad en la Fantine de Celinde Schoenmaker, y el resultado es que cuesta muy poco —demasiado poco— interesarse por lo que le ocurre. Además, ladra I Dreamed A Dream como si fuera Rose’s Turn; es un “momento estrella” mal enfocado. Schoenmaker necesita dejar que el personaje canalice la letra y la melodía, en lugar de intentar impresionar a un jurado imaginario de X Factor. Tampoco me convenció, en conjunto, el Valjean de Peter Lockyer, de nuevo un cliente muy airado en algunas secuencias. Valjean es un papel bellísimamente escrito y, en cierto modo, una prueba de resistencia. Necesita un tempo cuidadoso y meditado y, fundamentalmente, en primer plano debe estar la atención y preocupación de Valjean por los demás: el hijo de su hermana, Fantine, Cosette, Marius. Lo impulsa la necesidad de hacer el bien, de saldar su deuda con Dios. Bring Him Home no trata de Valjean, trata de Marius, y hay que cantarla así. Lockyer la abordó como su gran número, más que como un punto de toma de conciencia dentro del recorrido del personaje.

La parte final del espectáculo mostró a Lockyer en su mejor momento, aunque siempre que compartía escena con el Javert de David Thaxton elevaba notablemente el nivel. Vocalmente, su voz no estuvo tan segura como podría; aunque tanto el grave como el agudo fueron bastante sólidos, la zona media, curiosamente, resultó irregular.

No hubo, sin embargo, preocupaciones de este tipo con el Javert atronadoramente eficaz de Thaxton. Si quieres borrar el espantoso recuerdo del lamentable esfuerzo de Russell Crowe en la película, este es el antídoto. Thaxton es perfecto en todos los sentidos en cada escena: el mejor Javert que he visto desde que Philip Quast interpretó el papel en 1987.

Su voz es hermosa y consistente en timbre y plenitud de arriba abajo. Cada frase está cantada con precisión perfecta, totalmente en personaje. Impulsa el significado a través del poder de las notas, que calibra con exquisitez. Stars es electrizante y su Soliloquy es toda una clase magistral de interpretación musical dramática. Está completamente en personaje en todo momento, y cuando emerge de las sombras, o desaparece en ellas, su presencia se adelanta o permanece. Nunca te olvidas de este Javert. Es una interpretación de talla mundial.

Adam Rowe dirige la orquesta con autoridad, aunque en ocasiones el pulso y los sonidos percusivos subyacentes agradecerían un mayor énfasis, y a veces permite frases extremadamente extrañas tanto de Valjean como de Fantine. En conjunto, eso sí, la música está muy bien atendida.

Con Thaxton, Houchen, Gregory, Edden y Walsh en un estado de forma tan espectacular, y respaldados por un conjunto tan prodigiosamente talentoso, cualquier problema con los otros protagonistas no basta para empañar la experiencia.

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