RESEÑA: Los Miserables, Teatro Queens ✭✭✭✭

Les Miserables - Un Día Más. Foto: Johan Perrson Los Miserables

Queens Theatre

16 de diciembre de 2014

4 Estrellas

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El hombre dos asientos más lejos parece tener algún problema médico. Se levanta tambaleándose y se dirige hacia el pasillo, pero colapsa a pocos asientos a lo largo de la fila. Hay ayuda inmediata a disposición, la gente se levanta y asiste, llegan los acomodadores. El hombre y su compañera desaparecen en el vestíbulo. Las personas sobre las que cayó, visitantes de climas germánicos, están muy agitadas, de pie, agachándose, encendiendo linternas y teléfonos, buscando algo que es tan importante que debe encontrarse justamente allí y entonces –¿quizás sea un reloj Rolex o un boleto dorado?

Durante toda esta confusión, la pequeña Cosette canta, bastante bellamente, Castillo en una Nube y luego la acción prosigue con Maestro de Casa y la escena donde Valjean confronta a los espantosos Thénardiers para rescatar a la pequeña Cosette. Sí, fue un largo, irritante y ruidoso alboroto. Pero no pudo hacer mella en la alquimia teatral que ocurría en el escenario del Queens Theatre donde el éxito de Alain Boubil y Claude-Michel Schonberg de 1985, Los Miserables, está en su 29º año y, como se presenta actualmente, lleno de vigor, talento y musicalidad. Cuando se vio por última vez, hace unos dos años, la producción estaba en pésima forma, mal distribuida en muchos lugares y tristemente carente de detalle, textura, brillo vocal o caracterización.

Es muy diferente ahora.

En su producción original, dirigida por Sir Trevor Nunn y John Caird, con el icónico escenario de John Napier, el impecable diseño de iluminación de David Hersey, los trajes de Andreane Neofitou y la puesta musical de Kate Flatt, Los Miserables dependía de la fuerza del gran elenco, la habilidad de los intérpretes más experimentados y más jóvenes para crear un buffet casi siempre cambiante de situaciones y personajes. Trabajar con el fuerte y bien entrenado elenco del RSC lo hizo más fácil, pero fue una parte clave del éxito de esa producción original en Londres, luego Broadway y luego Sídney,

Australia. Los Miserables no es un espectáculo que simplemente funcione; es un trabajo arduo y requiere versatilidad y habilidad de cada miembro del elenco, un compromiso para hacer que cada momento funcione tan bien como cualquier otro y un equilibrio perfecto entre la orquesta y el elenco. Lo que Los Miserables no puede soportar, como la producción actual de Broadway (no esta producción sino el “rediseño”) demuestra ampliamente, es un enfoque estilo X-factor para la partitura. Cuando el espectáculo se produjo por primera vez, ninguno de I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home o Empty Chairs And Empty Tables era estándar; ninguno había sido cantado y cantado y cantado por todos, desde Barbra Streisand hasta Susan Boyle. La verdad es que ninguno de ellos, en el contexto de Los Miserables como espectáculo teatral, es algo más que un momento de iluminación para un personaje particular. Sí, interpretado bien, cualquiera puede detener el espectáculo; pero detener el espectáculo no es el propósito de ninguno de ellos.

Así que es refrescante y genuinamente excitante descubrir que el elenco de 2014, en general, aborda el espectáculo de la manera original. Este es un conjunto de primera categoría, de mucho trabajo, de todas las edades y tipos, que crean sin esfuerzo los diversos y disímiles grupos de franceses con los que Valjean se encuentra en sus viajes: convictos, guardias, agricultores, trabajadores de fábrica, prostitutas, monjas, clientes de taberna, estudiantes, mendigos, ladrones y aristócratas. No hay una sensación de similitud que recorra los múltiples roles que se interpretan aquí –casi cada actor crea una persona completamente nueva en cada escena en la que aparece en un rol diferente. Esto hace que el detalle, la complicada historia, el hilo conductor del caminante de cuerda emocional resplandezca con sinceridad, inventiva y claridad.

Si nunca has visto Los Miserables, este es un buen año para verlo; si lo has visto, este elenco proporciona enfoques frescos y matices interesantes a escenas que crees conocer muy bien y personajes que crees que ya no pueden sorprenderte. Esto es más claro en el caso de la familia Thénardier y sus colaboradores. Es esencial que los Thénardier adultos puedan ser cómicos y monstruosos al mismo tiempo; no pueden ser caricaturas, pero son vampiros de sangre caliente y demasiado maduros que pueden chupar vida de una losa de mármol. El humor de Maestro de Casa debe ser genuino, para romper la letanía de tristeza y horror que caracteriza los primeros 40 minutos del espectáculo, pero también para proporcionar un fascinante contrapunto a la crueldad y negociación flemática sobre Cosette que sigue.

Tom Edden es fácilmente el mejor Thénardier que he visto desde la gloriosa actuación de Peter Carroll hace algunas décadas. Lleva una frescura alegre al papel, pero no teme ser implacablemente malévolo y vicioso cuando es necesario. Sus ojos irradian el don inagotable del oportunista espontáneo y su forma esbelta se dobla y se retuerce con gran efecto cómico mientras roba a sus desprevenidos clientes. Sus escenas en las alcantarillas son supremamente incómodas.

Como un volcán de potencia vocal, sincronización cómica y asertividad física intransigente, Helen Walsh hace una Madame Thénardier (Wendy Ferguson estaba ausente) sorprendente, provocativa y enormemente disfrutable. Las rutinas con Edden en ambas ofertas de Maestro de Casa fueron perfectamente interpretadas; parecían ocurrir por primera vez, tan sincronizados estaban los pares. Ambos actores no desperdiciaron un segundo de tiempo en escena; cada uno encontró todo lo que había para encontrar –y más– en su trabajo. Estupendo. Ayudada por este trabajo sólido, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher estaba ausente) hizo una excelente Eponine. Su repulsión por el comportamiento de su propia familia es totalmente comprensible, al igual que su atracción por el apuesto Marius de Rob Houchen. Ella es elocuente en sus silencios y no teme cantar suavemente para un gran efecto. Debido a que su personaje está tan bien establecido, su On My Own es muy conmovedora y totalmente en personaje. No hay momento de diva aquí, afortunadamente. Pero guarda lo mejor para el final: sus momentos finales en los brazos de Houchen estuvieron bellamente juzgados y altamente cargados. Solo el corazón más duro podría no ser conmovido por su actuación aquí. Houchen es fácilmente uno de los mejores intérpretes que he visto abordar a Marius, una parte que, en las manos equivocadas, puede ser encantadora y torpe. No aquí. Houchen convence completamente como el idealista que de repente, inesperadamente se enamora y cuya vida cambia para siempre debido a ese amor. Tiene una presencia escénica fácil, un excelente barítono y puede actuar. Empty Chairs at Empty Tables está perfectamente juzgado y bellamente entregado y hace que las escenas finales con Valjean y Cosette funcionen porque es completamente creíble. Su amistad y lealtad a Enjolras está bien establecida, como se espera, pero, algo inusual, Houchen se toma el tiempo para hacer que sus relaciones con los otros estudiantes también sean reales, especialmente con Grantaire de Christian Edwards.

Como Enjolras, Michael Colbourne corta una figura adecuadamente valiente y no hay duda de su convicción sobre la necesidad de la revolución. Pero, vocalmente, estaba un poco fuera de lugar en varias secciones y necesita trabajar en su apoyo para asegurar líneas claras, verdaderas de poder vocal. Tiene mucha carisma y estilo y me gustó particularmente su relación con Gavroche y la sinceridad con la que se enfrentó a la realidad que señalaba la muerte de Eponine.

El conjunto está lleno de intérpretes destacados, actores talentosos con grandes voces. Especialmente buenos fueron Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase y Jade Davies. Un poco descompasado con el resto del elenco fue Bamatabois de Adam Pearce y el aburrido Obispo de Digne de Adam Linstead.

Los tres niños en el elenco, Freya Griffiths, Phoebe Lyons y Aaron Gelkoff, fueron muy buenos, con el excepcional Gavroche de Gelkoff dada su tierna edad (8 años). Cada uno fue simplemente interpretado y tanto la pequeña Cosette como Gavroche cantaron como profesionales veteranos, pero sin la falsedad e insinceridad que a menudo puede estropear esos momentos.

La Cosette mayor es un papel difícil. Parece bastante sencillo como concepto, pero el canto es exigente y el personaje requiere una técnica hábil y diestra para evitar un lodazal de sentimentalismo y aburrimiento. Emile Fleming hace un buen trabajo del papel, pero su registro superior es demasiado agudo y estoico y hay una inquietud sobre su técnica escénica que es inquietante. Debería tomar más consuelo de la fuerza de la actuación de Houchen, ir junto a ella en lugar de en contra de ella. Porque la clave de Cosette es su devoción por Marius; sin eso siendo palpable y real, el segundo acto no puede funcionar.

Hay demasiada ira y agresividad en la Fantine de Celinde Schoenmaker y el resultado es que es difícil preocuparse menos por lo que le sucede. Además, ladra I Dreamed A Dream como si fuera Rose’s Turn; es un momento “estrella” equivocado. Schoenmaker necesita dejar que el personaje canalice las letras y la melodía, no tratar de impresionar a un panel imaginario de jueces de X Factor. Tampoco me convenció, en su totalidad, el Valjean de Peter Lockyer, nuevamente un cliente muy enfadado en algunas secuencias. Valjean es un papel bellamente escrito y algo así como una prueba de resistencia. Necesita un ritmo cuidadoso, considerado y, fundamentalmente, en el frente debería estar el cuidado y la preocupación de Valjean por los demás: el hijo de su hermana, Fantine, Cosette, Marius. Está impulsado por la necesidad de hacer el bien, de pagar su deuda con Dios. Bring Him Home no se trata de Valjean, se trata de Marius y necesita ser cantado de esa manera. Lockyer lo abordó como su gran número, en lugar de como solo un punto de realización importante a lo largo del viaje de su personaje.

La sección final del espectáculo vio a Lockyer en su mejor momento, aunque cada vez que compartía el escenario con el Javert de David Thaxton, elevaba significativamente su juego. Vocalmente, su voz no era tan segura como podría ser; aunque tanto la parte superior como la inferior eran bastante sólidas, la sección media de la voz, curiosamente, era inconsistente.

No hubo, sin embargo, preocupaciones de este tipo con el Javert conmovedoramente efectivo de Thaxton. Si quieres borrar el horrible recuerdo del esfuerzo lamentable de Russell Crowe en la película, este es el tónico. Thaxton es perfecto en todos los aspectos en cada escena –el mejor Javert que he visto desde que Philip Quast interpretó el papel en 1987.

Su voz es hermosa y consistente en timbre y plenitud de arriba abajo. Cada frase está precisamente, perfectamente cantada, totalmente en personaje. Conduce el significado a través del poder de las notas que juzga exquisitamente. Stars es electrizante y su Soliloquy una auténtica clase magistral en rendimiento musical dramático. Está totalmente en personaje en cada momento, y cuando emerge de las sombras, o desaparece en ellas, su presencia precede o persiste. Nunca olvidas a este Javert. Esta es una actuación de clase mundial.

Adam Rowe dirige la orquesta de manera poderosa, aunque ocasionalmente los sonidos subyacentes del pulso y la percusión podrían tener mayor énfasis y permite frases extremadamente extrañas de ambos Valjean y Fantine en ocasiones. En general, sin embargo, la música está bien servida.

Con Thaxton, Houchen, Gregory, Edden y Walsh en forma tan espectacular, y apoyados por un conjunto maravillosamente talentoso, cualquier problema con los otros principales no es suficiente para reducir la experiencia.

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