KRITIK: Les Misérables, Queens Theatre ✭✭✭✭

Les Miserables - Ein Tag mehr. Foto: Johan Perrson Les Miserables

Queens Theatre

16. Dezember 2014

4 Sterne

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Der Mann zwei Plätze weiter scheint in medizinische Schwierigkeiten geraten zu sein. Er springt auf die Füße und macht sich auf den Weg zum Mittelgang, doch nach ein paar Leuten in der Reihe bricht er zusammen. Sofort ist Hilfe zur Hand, Leute stehen auf und helfen, die Platzanweiser kommen hinzu. Der Mann und seine weibliche Begleiterin verschwinden in die Lobby. Die Leute, auf die er gefallen ist, Besucher aus germanischen Gefilden, sind äußerst aufgeregt, stehen, hocken, schalten Taschenlampen und Handys ein, suchen nach etwas, das so wichtig ist, dass es genau dort und in dem Moment gefunden werden muss – vielleicht ist es eine Rolex-Uhr oder ein goldenes Ticket?

Während dieser Aufruhr herrscht, singt kleine Cosette, ganz wunderschön, Castle On A Cloud und dann bewegt sich die Handlung weiter zu Master of the House und der Szene, in der Valjean die schrecklichen Thénardiers konfrontiert, um kleine Cosette zu retten. Ja, es war ein langer, irritierender und lauter Aufruhr. Aber er konnte keinen Kratzer auf der Theatermagie verursachen, die auf der Bühne im Queen’s Theatre stattfand, wo Alain Boublil und Claude-Michel Schönbergs Blockbuster von 1985, Les Miserables, im 29. Jahr läuft und, wie derzeit aufgeführt, voller Elan, Talent und Musikalität ist. Als es vor etwa zwei Jahren zuletzt gesehen wurde, war die Produktion in einem ernsten Zustand, an vielen Stellen falsch besetzt und bedauerlicherweise ohne Details, Textur, vokalen Glanz oder Charakterisierung.

Jetzt ist es ganz anders.

In seiner ursprünglichen Produktion, geleitet von Sir Trevor Nunn und John Caird, mit John Napiers ikonischem Bühnenbild, David Herseys makellosem Lichtdesign, Andreane Neofitous Kostümen und Kate Flatts musikalischer Inszenierung, hing Les Miserables von der Stärke des großen Ensembles ab, der Fähigkeit erfahrener und jüngerer Darsteller, ein fast ständig wechselndes Potpourri von Situationen und Charakteren zu kreieren. Das Arbeiten mit dem starken, gut ausgebildeten RSC-Ensemble machte das einfacher, war aber ein wesentlicher Teil des Erfolgs dieser ursprünglichen Produktion in London, dann Broadway und dann Sydney,

Australien. Les Miserables ist keine Show, die einfach funktioniert; es ist harte Arbeit und erfordert Vielseitigkeit und Können von jedem Mitglied der Besetzung, ein Engagement dafür, jeden Moment so gut wie jeden anderen zum Funktionieren zu bringen und ein perfektes Gleichgewicht zwischen Orchester und Besetzung zu erreichen. Was Les Miserables nicht überleben kann, wie die aktuelle Broadway-Produktion (nicht diese Produktion, sondern die „Auffrischung“) eindrucksvoll zeigt, ist ein X-factor-Stil-Ansatz für die Partitur. Als die Show erstmals produziert wurde, waren keine von I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home oder Empty Chairs And Empty Tables Standards; keiner von ihnen wurde von allen von Barbra Streisand bis Susan Boyle gesungen und gesungen. Die Wahrheit ist, dass keiner von ihnen im Kontext von Les Miserables als eine Bühnenaufführung mehr ist als ein Moment der Erleuchtung für einen bestimmten Charakter. Ja, bei guter Darbietung kann jeder die Show stoppen; aber das Stoppen der Show ist nicht der Punkt von einem von ihnen.

So ist es erfrischend und wirklich aufregend zu entdecken, dass die Besetzung von 2014 die Show im Großen und Ganzen auf die ursprüngliche Weise angeht. Dies ist ein erstklassiges, akribisch arbeitendes Ensemble aller Altersgruppen und Typen, das nahtlos die verschiedenen und unähnlichen Gruppen französischer Leute kreiert, denen Valjean auf seinen Reisen begegnet: Sträflinge, Wächter, Bauern, Fabrikarbeiter, Prostituierte, Nonnen, Tavernenbesucher, Studenten, Bettler, Diebe und Aristokraten. Es gibt kein Gefühl von Ähnlichkeit in den hier gespielten Mehrfachrollen – fast jeder Schauspieler kreiert eine völlig neue Figur in jeder Szene, in der er in einer anderen Rolle auftritt. Dies macht das Detail, die komplexe Geschichte, die durchgehende Linie emotionalen Seiltanzes prall mit Aufrichtigkeit, Einfallsreichtum und Klarheit.

Wenn Sie Les Miserables noch nie gesehen haben, ist dies ein gutes Jahr, um es zu sehen; wenn Sie es gesehen haben, bietet diese Besetzung frische Ansätze und interessante Nuancen zu Szenen, die Sie sehr gut zu kennen glaubten, und zu Charakteren, die Sie denken lassen, können Sie nicht mehr überraschen. Dies wird am deutlichsten im Fall der Familie Thénardier und ihrer Anhänger. Es ist wesentlich, dass die erwachsenen Thénardiers gleichzeitig komisch und monströs sein können; sie dürfen keine Karikaturen sein, aber sie sind vollblütige, überreife Vampire, die das Leben aus einem Marmorblock saugen können. Der Humor von Master of the House muss echt sein, um die Litanei von Traurigkeit und Schrecken zu durchbrechen, die die ersten 40 Minuten der Show charakterisiert, aber auch, um einen faszinierenden Kontrast zu der Grausamkeit und phlegmatischen Feilscherei über Cosette zu bieten, die folgt.

Tom Edden ist mit Abstand der beste Thénardier, den ich seit Peter Carrolls glorreicher Performance vor einigen Jahrzehnten gesehen habe. Er bringt eine frische Fröhlichkeit in die Rolle, ist aber nicht scheu, unbarmherzig bösartig und bösartig zu sein, wenn nötig. Seine Augen strahlen das endlose Gesellschaftergeschenk der spontanen Vorteilnahme aus und seine schlanke Gestalt biegt und dreht sich zu großer komischer Wirkung, während er seine ahnungslosen Kunden ausraubt. Seine Szenen in den Abwasserkanälen sind äußerst unangenehm.

Wie ein Vulkan aus stimmlicher Kraft, komischem Timing und kompromissloser physischer Durchsetzungsfähigkeit, macht Helen Walsh eine atemberaubende, provokative und ungemein unterhaltsame Madame Thénardier (Wendy Ferguson war abwesend). Die Routinen mit Edden in beiden Master of the House-Angeboten waren perfekt gespielt; sie sahen so aus, als würden sie zum ersten Mal geschehen, so absolut synchron war das Paar. Beide Schauspieler verschwenden keine Sekunde Bühnenzeit; jeder fand alles, was es zu finden gab – und mehr – in ihrer Arbeit. Atemberaubend. Unterstützt durch diese solide Arbeit machte Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher war abwesend) eine hervorragende Eponine. Ihr Ekel gegenüber dem Verhalten ihrer eigenen Familie ist völlig verständlich, ebenso wie ihre Anziehungskraft auf Rob Houchens gutaussehenden Marius. Sie ist beredt in ihren Schweigen und hat keine Angst, weich zu singen, mit großem Effekt. Weil ihr Charakter so gut etabliert ist, ist ihr On My Own sehr berührend und völlig im Charakter. Kein Diva-Moment hier, zum Glück. Aber sie hebt sich das Beste bis zum Schluss auf: Ihre letzten Momente in Houchens Armen waren wunderbar beurteilt und hoch emotional. Nur das härteste Herz könnte von ihrer Darbietung hier unberührt bleiben. Houchen ist mit Sicherheit einer der besten Darsteller, die ich gesehen habe, die sich Marius vornehmen, eine Rolle, die, in den falschen Händen, reizlos und einfältig sein kann. Nicht hier. Houchen überzeugt vollständig als der Idealist, der plötzlich, unerwartet verliebt und dessen Leben für immer durch diese Liebe verändert wird. Er hat eine leichte Bühnenpräsenz, ein ausgezeichnetes Bariton und er kann schauspielern. Empty Chairs at Empty Tables ist sorgfältig beurteilt und wundervoll vorgetragen und er lässt die letzten Szenen mit Valjean und Cosette funktionieren, weil er völlig glaubwürdig ist. Seine Freundschaft und Loyalität zu Enjolras ist ebenso fest etabliert, wie es zu erwarten ist, aber, etwas ungewöhnlich, nimmt sich Houchen auch die Zeit, um seine Beziehungen zu den anderen Studenten real zu machen, besonders zu Christian Edwards' Grantaire.

Als Enjolras schneidet Michael Colbourne eine passend schneidige Figur und es gibt keinen Zweifel an seiner Überzeugung von der Notwendigkeit der Revolution. Doch stimmlich war er in mehreren Abschnitten leicht daneben und muss an seiner Unterstützung arbeiten, um klare, wahre Linien vokaler Kraft sicherzustellen. Er hat viel Charisma und Stil und mir hat besonders seine Beziehung zu Gavroche und die Aufrichtigkeit gefallen, mit der er sich der Realität stellt, die Eponines Tod signalisiert.

Das Ensemble ist voll von hervorragenden Darstellern, begabten Schauspielern mit großartigen Stimmen. Besonders gut waren Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase und Jade Davies. Etwas aus dem Takt mit dem Rest der Besetzung waren Adam Pearces überfruchtiger Bamatabois und Adam Linsteads langweiliger Bischof von Digne.

Die drei Kinder in der Besetzung, Freya Griffiths, Phoebe Lyons und Aaron Gelkoff, waren sehr gut, wobei Gelkoffs Gavroche außergewöhnlich war angesichts seines zarten Alters (8!). Jeder wurde einfach gespielt und sowohl kleine Cosette als auch Gavroche sangen wie alte Profis, aber ohne die Künstlichkeit und Unaufrichtigkeit, die solche Momente oft beeinträchtigen können.

Die ältere Cosette ist eine schwierige Rolle. Es sieht als Konzept einfach genug aus, aber der Gesang ist anspruchsvoll und der Charakter erfordert eine geschickte, beflissene Technik, um einem Sumpf der Sentimentalität und Traurigkeit zu entgehen. Emile Fleming macht eine gute Figur in der Rolle, aber ihr Oberregister ist zu scharf und eingezwängt und es gibt eine Unruhe über ihr Bühnenhandwerk, die verwirrend ist. Sie sollte mehr Trost in der Stärke von Houchens Darbietung finden, mit ihm arbeiten statt gegen ihn. Denn der Schlüssel zu Cosette ist ihre Hingabe an Marius; ohne dass dies spürbar und echt ist, kann der zweite Akt nicht funktionieren.

Es gibt zu viel Wut und Aggression in Celinde Schoenmakers Fantine und das Ergebnis ist, dass es schwer fällt, sich weniger darum zu kümmern, was mit ihr passiert. Zudem bellt sie I Dreamed A Dream, als wäre es Rose's Turn; es ist ein fehlgeleiteter „Star“-Moment. Schoenmaker muss den Charakter den Text und die Melodie leiten lassen, nicht versuchen, eine imaginäre Jury von X Factor zu beeindrucken. Auch war ich im Ganzen von Peter Lockyers Valjean nicht überzeugt, wieder ein sehr aufgebrachter Kunde in einigen Sequenzen. Valjean ist eine wunderschön geschriebene Rolle und ein gewisses Ausdauertest. Es braucht sorgfältiges, überlegtes Timing und im Zentrum sollte Valjeans Fürsorge und Sorge für andere stehen: seine Schwester, Fantine, Cosette, Marius. Er wird von einem Bedürfnis getrieben, Gutes zu tun, seine Schulden gegenüber Gott abzuleisten. Bring Him Home geht nicht um Valjean, sondern um Marius und muss so gesungen werden. Lockyer betrachtete es mehr als seine große Nummer, statt als einen wichtigen Erkenntnispunkt in der Reise seines Charakters.

Der spätere Abschnitt der Show zeigte Lockyear von seiner besten Seite, obwohl er seine Leistung bedeutend hob, wann immer er die Bühne mit David Thaxtons Javert teilte. Gesanglich war seine Stimme nicht so sicher, wie sie sein könnte; obwohl sowohl oben als auch unten ziemlich solide waren, war der mittlere Teil der Stimme merkwürdigerweise inkonsistent.

Es gab jedoch keine derartigen Sorgen mit Thaxtons donnernd effektiven Javert. Wenn Sie die schreckliche Erinnerung an Russell Crowes beklagenswerten Versuch im Film auslöschen möchten, ist das hier das Tonikum. Thaxton ist perfekt in jeder Hinsicht in jeder Szene – der beste Javert, den ich seit Philip Quast 1987 die Rolle spielen gesehen habe.

Seine Stimme ist von oben nach unten schön und konsistent in Klangfarbe und Fülle. Jede Phrase ist präzise, perfekt gesungen, völlig im Charakter. Er bringt die Bedeutung durch die Kraft der Noten, die er exquisite bemisst, voran. Stars ist elektrisierend und sein Soliloquium ein vollständiges Meisterwerk in dramatischer musikalischer Performance. Er ist in jedem Moment völlig im Charakter und wenn er aus dem Schatten auftaucht oder darin verschwindet, geht seine Präsenz voraus oder bleibt. Sie vergessen nie diesen Javert. Das ist eine Weltklasse-Performance.

Adam Rowe dirigiert das Orchester eindrucksvoll, obwohl gelegentlich der Puls und die unterliegenden perkussiven Klänge mehr Betonung vertragen könnten und er erlaubt extrem seltsame Phrasierung sowohl von Valjean als auch von Fantine bei Gelegenheit. Insgesamt wird die Musik jedoch sehr gut bedient.

Mit Thaxton, Houchen, Gregory, Edden und Walsh in solch spektakulärer Form und unterstützt von einem so glorreich begabten Ensemble, sind alle Probleme mit den anderen Hauptdarstellern nicht genug, um das Erlebnis zu trüben.

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