KRITIK: Les Misérables, Queens Theatre ✭✭✭✭

Les Misérables – One Day More. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Queen’s Theatre

16. Dezember 2014

4 Sterne

JETZT BUCHEN | MEHR INFOS

Der Mann zwei Sitze weiter scheint medizinische Probleme zu haben. Er schleppt sich auf die Beine und macht sich auf den Weg zum Gang, doch ein paar Plätze weiter bricht er zusammen. Sofort ist Hilfe zur Stelle: Leute stehen auf und unterstützen, die Saaldiener kommen. Der Mann und seine weibliche Begleitung verschwinden ins Foyer. Die Menschen, auf die er gefallen ist – Besucher aus deutschsprachigen Gefilden – sind hoch aufgebracht: Sie stehen, hocken, schalten Taschenlampen und Handys ein und suchen nach etwas, das so wichtig ist, dass es unbedingt sofort gefunden werden muss – vielleicht eine Rolex oder ein Golden Ticket?

Während dieses Durcheinander seinen Lauf nimmt, singt die kleine Cosette – wirklich wunderschön – Castle On A Cloud, und dann geht es weiter mit Master of the House und der Szene, in der Valjean die schauderhaften Thénardiers zur Rede stellt, um die kleine Cosette zu retten. Ja, es war ein langes, lästiges und lautes Durcheinander. Aber es konnte der theatralen Alchemie auf der Bühne des Queen’s Theatre nichts anhaben, wo Alain Boublil und Claude-Michel Schönbergs Blockbuster von 1985, Les Misérables, nun im 29. Jahr läuft und in der aktuellen Besetzung vor Energie, Talent und Musikalität sprüht. Als ich die Produktion zuletzt sah – vor etwa zwei Jahren –, war sie in einem bedauerlichen Zustand: vielerorts fehlbesetzt und traurig arm an Detail, Textur, vokalem Glanz oder Charakterzeichnung.

Jetzt ist das ganz anders.

In der Originalinszenierung unter der Regie von Sir Trevor Nunn und John Caird – mit John Napiers ikonischem Bühnenbild, David Herseys makellosem Lichtdesign, den Kostümen von Andreane Neofitou und Kate Flatts musikalischer Szenenarbeit – lebte Les Misérables von der Stärke des großen Ensembles: davon, dass erfahrene wie junge Darsteller ein nahezu ständig wechselndes Kaleidoskop an Situationen und Figuren erschaffen konnten. Die Arbeit mit dem starken, hervorragend ausgebildeten RSC-Ensemble machte das leichter – und war ein entscheidender Teil des Erfolgs dieser ersten Londoner Produktion, dann am Broadway und schließlich in Sydney,

Australien. Les Misérables ist keine Show, die einfach „funktioniert“; sie ist harte Arbeit und verlangt von jedem Ensemblemitglied Vielseitigkeit und Können – die Verpflichtung, jeden Moment so ernst zu nehmen wie jeden anderen, und ein perfektes Gleichgewicht zwischen Orchester und Besetzung. Was Les Misérables nicht überlebt – wie die aktuelle Broadway-Produktion (nicht diese Produktion, sondern das „Revamp“) eindrucksvoll zeigt –, ist ein X-Factor-Ansatz an die Partitur. Als die Show erstmals herauskam, waren I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home und Empty Chairs And Empty Tables noch keine Standards; sie waren nicht von allen und jedem rauf und runter gesungen worden – von Barbra Streisand bis Susan Boyle. Die Wahrheit ist: Keine dieser Nummern ist im Kontext von Les Misérables als Bühnenstück mehr als ein Moment der Erleuchtung für eine bestimmte Figur. Ja, gut gesungen kann jede davon den Abend zum Stillstand bringen – aber genau darum geht es bei keiner von ihnen.

Umso erfrischender – und wirklich aufregend – ist es zu entdecken, dass die Besetzung von 2014 die Show weitgehend auf die ursprüngliche Art angeht. Das ist ein erstklassiges, hart arbeitendes Ensemble, alle Altersgruppen und Typen, das nahtlos die verschiedenen, sehr unterschiedlichen Gruppen französischer Menschen erschafft, denen Valjean auf seiner Reise begegnet: Sträflinge, Wachen, Bauern, Fabrikarbeiter, Prostituierte, Nonnen, Kneipengäste, Studenten, Bettler, Diebe und Aristokraten. Es gibt keinerlei Gefühl von Gleichförmigkeit in den vielen Rollen, die hier gespielt werden – fast jeder Darsteller schafft in jeder Szene, in der er in einer anderen Funktion auftritt, eine komplett neue Persona. Dadurch vibrieren die Details, die komplexe Handlung und der emotionale Drahtseilakt vor Aufrichtigkeit, Einfallsreichtum und Klarheit.

Wenn Sie Les Misérables noch nie gesehen haben, ist dies ein gutes Jahr dafür; wenn Sie es schon kennen, bietet diese Besetzung frische Ansätze und interessante Nuancen in Szenen, die Sie vermeintlich in- und auswendig kennen, und bei Figuren, von denen Sie glauben, sie könnten Sie nicht mehr überraschen. Am deutlichsten zeigt sich das bei der Familie Thénardier und ihren Mitläufern. Es ist entscheidend, dass die erwachsenen Thénardiers gleichzeitig komisch und monströs sein können; sie dürfen keine Karikaturen sein, sondern vollblütige, überreife Vampire, die selbst aus einer Marmorplatte noch Leben saugen könnten. Der Humor in Master of the House muss echt sein – als Gegenpol zur Litanei aus Traurigkeit und Schrecken, die die ersten gut 40 Minuten der Show prägt –, aber auch als faszinierende Gegenüberstellung zur Grausamkeit und dem phlegmatischen Feilschen um Cosette, das darauf folgt.

Tom Edden ist mühelos der beste Thénardier, den ich gesehen habe – seit Peter Carrolls großartiger Darstellung vor einigen Jahrzehnten. Er bringt eine neue, beschwingte Fröhlichkeit in die Rolle, scheut sich aber nicht, bei Bedarf unerbittlich bösartig und brutal zu sein. Seine Augen strahlen das Talent des ewigen Glücksritters aus, spontan Vorteile zu wittern, und seine schlaksige Gestalt biegt und windet sich mit großem komischem Effekt, während er seine ahnungslosen Gäste ausnimmt. Seine Szenen in den Abwasserkanälen sind äußerst unangenehm.

Wie ein Vulkan aus Stimmkraft, komödiantischem Timing und kompromissloser körperlicher Durchsetzungskraft ist Helen Walsh eine verblüffende, provokante und ungemein vergnügliche Madame Thénardier (Wendy Ferguson hatte frei). Die Nummern mit Edden in beiden Master of the House-Einsätzen waren perfekt gespielt; es wirkte, als entstünde alles gerade zum ersten Mal – so vollständig im Einklang waren die beiden. Keine Sekunde Bühnenzeit wurde verschenkt; jeder fand alles, was es zu finden gab – und noch mehr – in seiner Arbeit. Großartig. Gestützt von dieser soliden Basis machte Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher hatte frei) eine hervorragende Éponine. Ihre Abscheu vor dem Verhalten der eigenen Familie ist vollkommen nachvollziehbar, ebenso wie ihre Anziehung zu Rob Houchens attraktivem Marius. Sie ist beredt in ihren Stillen und scheut sich nicht, leise zu singen – mit großer Wirkung. Weil ihre Figur so sauber etabliert ist, ist ihr On My Own sehr berührend und völlig „in character“. Kein Diva-Moment – Gott sei Dank. Aber sie hebt sich das Beste bis zum Schluss auf: Ihre letzten Augenblicke in Houchens Armen waren wunderbar dosiert und hoch aufgeladen. Nur das härteste Herz könnte davon ungerührt bleiben. Houchen ist mühelos einer der besten Darsteller, die ich als Marius erlebt habe – eine Rolle, die in den falschen Händen unerquicklich und blass wirken kann. Nicht hier. Houchen überzeugt vollständig als Idealist, der sich plötzlich, unerwartet verliebt und dessen Leben durch diese Liebe für immer verändert wird. Er hat eine entspannte Bühnenpräsenz, einen ausgezeichneten Bariton und er kann spielen. Empty Chairs at Empty Tables ist fein austariert und wunderschön dargeboten, und die letzten Szenen mit Valjean und Cosette funktionieren, weil er durch und durch glaubhaft ist. Seine Freundschaft und Loyalität zu Enjolras sind ebenfalls fest verankert – wie zu erwarten –, doch eher ungewöhnlich nimmt sich Houchen auch Zeit, seine Beziehungen zu den anderen Studenten real wirken zu lassen, besonders zu Christian Edwards’ Grantaire.

Als Enjolras gibt Michael Colbourne eine passend verwegene Erscheinung ab, und an seiner Überzeugung von der Notwendigkeit der Revolution gibt es keinen Zweifel. Stimmlich war er jedoch in mehreren Passagen leicht unsauber und sollte an der Stütze arbeiten, um klare, stabile Linien stimmlicher Kraft zu gewährleisten. Er hat viel Charisma und Stil, und besonders gefiel mir seine Beziehung zu Gavroche sowie die Aufrichtigkeit, mit der er sich der Realität stellt, die Éponines Tod signalisiert.

Das Ensemble ist voller herausragender Darsteller – begabte Schauspieler mit großartigen Stimmen. Besonders gut waren Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase und Jade Davies. Etwas aus dem Gefüge fiel Adam Pearces überreifer Bamatabois sowie Adam Linsteads fader Bischof von Digne.

Die drei Kinder in der Besetzung – Freya Griffiths, Phoebe Lyons und Aaron Gelkoff – waren sehr gut, wobei Gelkoffs Gavroche angesichts seines zarten Alters (8!) außergewöhnlich war. Alle spielten schlicht und direkt, und sowohl die kleine Cosette als auch Gavroche sangen wie alte Profis – jedoch ohne die Unechtheit und Unaufrichtigkeit, die solche Momente oft beschädigen können.

Die ältere Cosette ist eine schwierige Rolle. Als Konzept wirkt sie zwar recht einfach, doch der Gesang ist anspruchsvoll, und die Figur verlangt eine feine, geschickte Technik, um nicht im Morast aus Sentimentalität und Tristesse zu versinken. Emile Fleming schlägt sich ordentlich, aber ihr oberes Register ist zu scharf und gepresst, und ihre Bühnenroutine hat etwas Unruhiges, das irritiert. Sie sollte mehr Vertrauen aus der Stärke von Houchens Leistung ziehen, sich von ihr tragen lassen, statt dagegen anzuspielen. Denn der Schlüssel zu Cosette ist ihre Hingabe an Marius; ohne dass diese spürbar und real ist, kann der zweite Akt nicht funktionieren.

In Celinde Schoenmakers Fantine steckt zu viel Wut und Aggression – mit dem Ergebnis, dass es schwerfällt, sich überhaupt dafür zu interessieren, was mit ihr geschieht. Außerdem bellt sie I Dreamed A Dream, als wäre es Rose’s Turn; das ist ein fehlgeleiteter „Star“-Moment. Schoenmaker muss der Figur erlauben, den Text und die Melodie zu tragen – statt zu versuchen, ein imaginäres X-Factor-Jurypanel zu beeindrucken. Auch von Peter Lockyers Valjean war ich insgesamt nicht überzeugt: wieder ein sehr zorniger Kunde in manchen Sequenzen. Valjean ist eine wunderschön geschriebene Rolle und in gewisser Weise ein Ausdauertest. Sie braucht sorgfältige, überlegte Dosierung und vor allem muss Valjeans Fürsorge für andere im Vordergrund stehen: für den Sohn seiner Schwester, Fantine, Cosette, Marius. Er wird angetrieben vom Bedürfnis, Gutes zu tun, seine Schuld vor Gott zu begleichen. Bring Him Home handelt nicht von Valjean, sondern von Marius – und so muss es gesungen werden. Lockyer behandelte es als seine große Nummer, statt als wichtigen Erkenntnismoment auf der Reise seiner Figur.

Im späteren Teil der Show war Lockyer am besten, wobei er sein Niveau immer dann deutlich anhob, wenn er die Bühne mit David Thaxtons Javert teilte. Stimmlich war seine Stimme nicht so sicher, wie sie sein könnte; obwohl sowohl Höhe als auch Tiefe recht solide waren, war die Mittellage merkwürdigerweise uneinheitlich.

Solche Sorgen gab es bei Thaxtons donnernd effektivem Javert jedoch nicht. Wenn Sie die schreckliche Erinnerung an Russell Crowes kläglichen Versuch im Film ausradieren wollen: Das ist das Gegenmittel. Thaxton ist in jeder Szene in jeder Hinsicht perfekt – der beste Javert, den ich gesehen habe, seit Philip Quast die Rolle 1987 gespielt hat.

Seine Stimme ist wunderschön und in Klangfarbe und Fülle von oben bis unten konstant. Jede Phrase ist präzise, perfekt gesungen, vollkommen in der Figur. Er treibt die Bedeutung durch die Kraft der Töne voran, die er mit exquisitem Gespür setzt. Stars ist elektrisierend, und sein Soliloquy eine komplette Meisterklasse in dramatischer Musical-Performance. In jedem Moment ist er völlig in der Figur, und wenn er aus den Schatten tritt oder in ihnen verschwindet, eilt seine Präsenz ihm voraus oder bleibt zurück. Man vergisst diesen Javert nie. Das ist eine Weltklasse-Leistung.

Adam Rowe dirigiert das Orchester souverän, auch wenn gelegentlich der Puls und die darunter liegenden perkussiven Klänge etwas stärker betont werden könnten, und er sowohl Valjean als auch Fantine bisweilen ausgesprochen seltsame Phrasierungen erlaubt. Insgesamt ist die Musik jedoch sehr gut aufgehoben.

Mit Thaxton, Houchen, Gregory, Edden und Walsh in so spektakulärer Form – und getragen von einem herrlich begabten Ensemble – reichen etwaige Probleme bei den anderen Hauptrollen nicht aus, um das Erlebnis zu trüben.

JETZT BUCHEN: LES MISÉRABLES IM QUEEN’S THEATRE