CRITIQUE : Les Misérables, Théâtre Queens ✭✭✭✭

Les Misérables - Encore Un Jour. Photo: Johan Perrson Les Misérables

Théâtre Queen's

16 décembre 2014

4 Étoiles

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L'homme, deux sièges plus loin, semble avoir des difficultés médicales. Il se lève brusquement et se dirige vers l'allée, mais en longeant la rangée, il s'effondre. De l'aide arrive immédiatement, les gens se lèvent et assistent, les huissiers arrivent. L'homme et sa partenaire féminine disparaissent dans le foyer. Les personnes sur lesquelles il s'est effondré, des visiteurs venus des contrées germaniques, sont très agitées, se levant, s'accroupissant, allumant torches et téléphones, cherchant quelque chose qui est si important qu'il doit être trouvé sur-le-champ – peut-être une montre Rolex ou un ticket d'or?

Tout en continuant ce remue-ménage, la petite Cosette chante magnifiquement Mon Château sur un Nuage, puis l'action s'enchaîne avec Maître de la Maison et la scène où Valjean affronte les horribles Thénardiers pour sauver la petite Cosette. Oui, c'était un long remue-ménage agaçant et bruyant. Mais cela ne pouvait pas laisser de marque sur l'alchimie théâtrale qui se produisait sur scène au Théâtre Queen's où le blockbuster de 1985 d'Alain Boubil et Claude-Michel Schonberg, Les Misérables, en est à sa 29e année et, tel qu'actuellement, rempli de vigueur, de talent et de musicalité. La dernière fois que cela a été vu, il y a environ deux ans, la production était en mauvais état, mal castée à de nombreux endroits et tristement dépourvue de détails, de texture, de lustre vocal ou de caractérisation.

C'est très différent maintenant.

Dans sa production originale, dirigée par Sir Trevor Nunn et John Caird, avec le décor emblématique de John Napier, le design d'éclairage impeccable de David Hersey, les costumes d'Andreane Neofitou et la mise en scène musicale de Kate Flatt, Les Misérables dépendaient de la force du grand ensemble, de la capacité des artistes chevronnés et plus jeunes à créer une sorte de buffet presque toujours changeant de situations et de personnages. Travailler avec le solide ensemble bien formé de la Royal Shakespeare Company rendait cela plus facile, mais c'était une clé de la réussite de cette première production à Londres, puis Broadway et ensuite Sydney,

Australie. Les Misérables n'est pas un spectacle qui fonctionne tout seul; c'est un travail acharné qui exige de la polyvalence et de l'habileté de chaque membre de la distribution, un engagement à faire fonctionner chaque moment aussi bien que n'importe quel autre et un équilibre parfait entre l'orchestre et la distribution. Ce que Les Misérables ne peut pas supporter, comme la production actuelle de Broadway (pas cette production mais la « remise à neuf ») l'illustre amplement, c'est une approche de style X Factor pour la partition. Lorsque le spectacle a été produit pour la première fois, aucun de J'avais Rêvé d'un Autre Vie, Les Étoiles, Mon Histoire, Ramenez-le-moi ou Les Chaises Vides n'étaient des standards; aucun n'avait été chanté et rechanté par tout le monde, de Barbra Streisand à Susan Boyle. La vérité est qu'aucun d'entre eux, dans le contexte de Les Misérables en tant que spectacle sur scène, n'est plus qu'un moment d'illumination pour un personnage particulier. Oui, bien interprété, n'importe lequel peut arrêter le spectacle; mais arrêter le spectacle n'est pas le but d'aucun d'eux.

Donc, c'est rafraîchissant et réellement excitant de découvrir que la distribution de 2014, dans l'ensemble, aborde le spectacle de la manière originale. C'est un ensemble de premier ordre, laborieux, de tous âges et types, qui créent sans effort les divers et dissemblables groupes de Français que Valjean rencontre lors de ses voyages: condamnés, gardiens, paysans, ouvriers, prostituées, nonnes, habitués de la taverne, étudiants, mendiants, voleurs et aristocrates. Il n'y a aucun sentiment de similitude à travers les multiples rôles joués ici – presque chaque acteur crée une persona complètement nouvelle dans chaque scène où ils apparaissent dans un rôle différent. Cela rend les détails, l'histoire compliquée, le fil conducteur de l'équilibre émotionnel serré vibrants de sincérité, d'inventivité et de clarté.

Si vous n'avez jamais vu Les Misérables, c'est une bonne année pour le voir; si vous l'avez vu, cette distribution propose de nouvelles approches et des nuances intéressantes à des scènes que vous pensez connaître très bien et à des personnages que vous pensez ne plus pouvoir vous surprendre. Cela est le plus clair dans le cas de la famille Thénardier et de leurs acolytes. Il est essentiel que les Thénardier adultes puissent être comiques et monstrueux en même temps; ils ne peuvent pas être des caricatures, mais ils sont des vampires sanguins surannés capables de sucer la vie d'un bloc de marbre. L'humour de Maître de la Maison doit être authentique, pour rompre la litanie de tristesse et d'horreur qui caractérise les 40 premières minutes du spectacle, mais aussi pour fournir un fascinant contraste avec la cruauté et le marchandage phlegmatique sur Cosette qui suit.

Tom Edden est facilement le meilleur Thénardier que j'ai vu depuis la performance glorieuse de Peter Carroll il y a quelques décennies. Il apporte une fraîche jovialité au rôle, mais n'a pas peur d'être impitoyablement malveillant et vicieux quand il le faut. Son regard rayonne l'éternel cadeau de l'opportuniste pour saisir spontanément les avantages et sa silhouette dégingandée se plie et se tord pour un grand effet comique alors qu'il vole ses clients ignorants. Ses scènes dans les égouts sont extrêmement inconfortables.

Telle un volcan de pouvoir vocal, de timing comique et d'affirmation physique sans compromis, Helen Walsh fait une Madame Thénardier étonnante, provocante et extrêmement plaisante (Wendy Ferguson était absente). Les routines avec Edden dans les deux offres de Maître de la Maison étaient parfaitement jouées; elles semblaient se produire pour la première fois, tant les deux étaient parfaitement synchronisés. Aucun des deux acteurs n'a perdu une seconde de temps de scène; chacun a trouvé tout ce qu'il y avait à trouver – et plus encore – dans leur travail. Stupéfiant. Aider par ce travail solide, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher était absente) a fait une excellente Eponine. Son dégoût pour le comportement de sa propre famille est totalement compréhensible, tout comme son attirance pour le beau Marius de Rob Houchen. Elle est éloquente dans ses silences et n'a pas peur de chanter doucement avec grand effet. Parce que son personnage est si bien établi, son Mon Histoire est très touchant et totalement en phase avec le personnage. Pas de moment diva ici, heureusement. Mais elle garde le meilleur pour la fin : ses derniers instants dans les bras de Houchen étaient magnifiquement jugés et très chargés. Seul le cœur le plus dur pourrait rester insensible à sa performance ici. Houchen est facilement l'un des meilleurs interprètes que j'ai vu incarner Marius, une partie qui, entre de mauvaises mains, peut être sans charme et crétine. Pas ici. Houchen m'a complètement convaincu en tant qu'idéaliste qui, soudainement et de façon inattendue, tombe amoureux et dont la vie est changée à jamais à cause de cet amour. Il a une présence scénique facile, un excellent baryton et il peut jouer. Les Chaises Vides est finement jugé et magnifiquement délivré, et il fait fonctionner les scènes finales avec Valjean et Cosette parce qu'il est totalement crédible. Son amitié et son allégeance à Enjolras sont également fermement établies, comme on pouvait s'y attendre, mais, fait quelque peu inhabituel, Houchen prend le temps de rendre ses relations avec les autres étudiants également réelles, en particulier avec le Grantaire de Christian Edwards.

En tant qu'Enjolras, Michael Colbourne coupe une figure suffisamment audacieuse et il ne fait aucun doute quant à sa conviction sur la nécessité de la révolution. Mais, vocalement, il était légèrement en retrait dans plusieurs sections et doit travailler sur son soutien pour assurer des lignes claires et puissantes de force vocale. Il a beaucoup de charisme et de style et j'ai particulièrement aimé sa relation avec Gavroche et la sincérité avec laquelle il a fait face à la réalité que la mort d'Eponine signalait.

L'ensemble est plein d'interprètes remarquables, d'acteurs talentueux avec de grandes voix. Étaient particulièrement bons Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase et Jade Davies. Légèrement en décalage avec le reste de la distribution était l'interprétation un peu trop fruitée d'Adam Pearce de Bamatabois et l'adaptation terne d'Adam Linstead du Bishop de Digne.

Les trois enfants de la distribution, Freya Griffiths, Phoebe Lyons et Aaron Gelkoff, étaient très bons, avec le Gavroche de Gelkoff exceptionnel compte tenu de son jeune âge (8 ans !). Chacun était simplement joué et les petites Cosette et Gavroche chantaient comme des professionnels aguerris, mais sans la fausseté et l'insincérité qui peuvent souvent gâcher de tels moments.

La Cosette plus âgée est un rôle difficile. Cela semble facile comme concept, mais le chant est exigeant et le personnage nécessite une technique adroite et habile pour éviter un bourbier de sensiblerie et d'ennui. Emile Fleming se débrouille bien dans le rôle, mais son registre supérieur est trop aigu et pincé et il y a un malaise dans son jeu d'actrice qui est perturbant. Elle devrait prendre davantage de réconfort dans la force de la performance de Houchen, aller avec cela plutôt que contre. Car la clé de Cosette est son dévouement à Marius; sans que cela ne soit palpable et réel, le deuxième acte ne peut pas fonctionner.

Il y a trop de colère et d'agressivité dans la Fantine de Celinde Schoenmaker et le résultat est qu'il est difficile de se soucier de ce qui lui arrive. De plus, elle aboie J'avais Rêvé d'un Autre Vie comme si c'était le tour de Rose ; c'est un « moment star » mal judicieux. Schoenmaker doit laisser le personnage canaliser les paroles et la mélodie, non pas essayer d'impressionner un jury imaginaire de X Factor. Je n'ai pas été convaincu non plus, globalement, par le Valjean de Peter Lockyer, de nouveau un client très en colère dans certaines séquences. Valjean est un rôle magnifiquement écrit et quelque peu d'une épreuve d'endurance. Cela nécessite une progression prudente et calculée et, fondamentalement, au premier plan devrait être le soin et l'attention de Valjean pour les autres : le fils de sa sœur, Fantine, Cosette, Marius. Il est poussé par le besoin de faire le bien, de rembourser sa dette envers Dieu. Ramenez-le-moi ne concerne pas Valjean, c'est à propos de Marius et doit être chanté en ce sens. Lockyer l'a approché comme son grand numéro, plutôt que comme un point de réalisation important le long du voyage de son personnage.

La dernière partie du spectacle a vu Lockyear à son meilleur, bien que chaque fois qu'il partageait la scène avec le Javert tonitruant de David Thaxton, il élevait considérablement son jeu. Vocalement, sa voix était aussi pas aussi sûre qu'elle pourrait l'être ; bien que les parties haute et basse soient plutôt solides, la section médiane de la voix était curieusement incohérente.

Il n'y avait cependant pas de préoccupations de ce genre avec le Javert remarquablement efficace de Thaxton. Si vous voulez effacer de votre mémoire l'effort lamentable de Russell Crowe dans le film, c'est le tonique. Thaxton est parfait sous tous les aspects et dans chaque scène – le meilleur Javert que j'ai vu depuis que Philip Quast a joué le rôle en 1987.

Sa voix est belle et cohérente en timbre et en plénitude du haut vers le bas. Chaque phrase est précisément, parfaitement chantée, totalement en phase avec le personnage. Il transmet le sens à travers la puissance des notes qu'il juge parfaitement. Les Étoiles est électrisant et son Soliloque un véritable cours magistral en performance musicale dramatique. Il est totalement en phase avec le personnage à chaque instant, et lorsqu'il émerge des ombres, ou disparaît en elles, sa présence précède ou persiste. Vous n'oubliez jamais ce Javert. C'est une performance de classe mondiale.

Adam Rowe dirige l'orchestre de manière imposante, bien que parfois le rythme et les sons percussifs sous-jacents pourraient bénéficier de plus d'emphase et il permet des phrasés extrêmement étranges venant à la fois de Valjean et de Fantine à l'occasion. Dans l'ensemble, cependant, la musique est très bien servie.

Avec Thaxton, Houchen, Gregory, Edden et Walsh dans une telle forme spectaculaire, et supportés par un ensemble aussi glorieusement talentueux, les problèmes avec les autres principaux ne suffisent pas à ternir l'expérience.

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