CRÍTICA: Les Misérables, Teatro Queens ✭✭✭✭

Les Misérables – One Day More. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Queen’s Theatre

16 de dezembro de 2014

4 estrelas

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O homem duas cadeiras ao meu lado parece estar com alguma dificuldade médica. Cambaleia, põe-se de pé e dirige-se para o corredor, mas, a poucas pessoas de distância na fila, cai. Há ajuda imediata: algumas pessoas levantam-se e assistem, chegam os assistentes de sala. O homem e a sua companheira desaparecem no foyer. As pessoas sobre quem ele caiu — visitantes de paragens germânicas — ficam extremamente agitadas, de pé, agachadas, a ligar lanternas e telemóveis, à procura de algo tão importante que tem de ser encontrado ali e naquele instante — será um relógio Rolex ou um bilhete dourado?

Enquanto este alvoroço acontece, a pequena Cosette canta, com grande beleza, Castle On A Cloud e, em seguida, a ação avança para Master of the House e para a cena em que Valjean enfrenta os sinistros Thénardier para resgatar a pequena Cosette. Sim, foi um alvoroço longo, irritante e barulhento. Mas não conseguiu beliscar a alquimia teatral que se vive em palco no Queen’s Theatre, onde o blockbuster de 1985 de Alain Boublil e Claude-Michel Schönberg, Les Misérables, entra no seu 29.º ano e, tal como está atualmente em cena, transborda vigor, talento e musicalidade. Da última vez que o vi, há cerca de dois anos, a produção estava em muito má forma: escolhas de elenco discutíveis em vários pontos e, infelizmente, pouca atenção ao detalhe, à textura, ao brilho vocal ou à caracterização.

Agora é muito diferente.

Na produção original, dirigida por Sir Trevor Nunn e John Caird, com o cenário icónico de John Napier, o desenho de luz impecável de David Hersey, os figurinos de Andreane Neofitou e a encenação musical de Kate Flatt, Les Misérables apoiava-se na força do grande ensemble, na capacidade de intérpretes mais experientes e mais jovens criarem um verdadeiro mosaico — quase em constante mutação — de situações e personagens. Trabalhar com o ensemble forte e bem treinado da RSC tornava isso mais fácil, mas foi uma peça-chave do sucesso daquela produção original em Londres, depois na Broadway e depois em Sydney,

Austrália. Les Misérables não é um espetáculo que “funciona” por si só; dá trabalho — e exige versatilidade e competência de cada elemento do elenco, o compromisso de fazer com que cada momento resulte tão bem como qualquer outro e um equilíbrio perfeito entre orquestra e elenco. O que Les Misérables não consegue suportar, como a atual produção da Broadway (não esta produção, mas a “versão renovada”) demonstra de forma eloquente, é uma abordagem ao estilo X Factor da partitura. Quando o espetáculo estreou, nenhuma de I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home ou Empty Chairs And Empty Tables era um standard; nenhuma tinha sido cantada, e cantada, e cantada por toda a gente, de Barbra Streisand a Susan Boyle. A verdade é que nenhuma delas, no contexto de Les Misérables como espetáculo teatral, é mais do que um momento de iluminação para uma personagem específica. Sim, bem interpretada, qualquer uma pode parar a sala; mas “parar a sala” não é o objetivo de nenhuma delas.

Por isso, é refrescante e genuinamente empolgante descobrir que o elenco de 2014, em termos gerais, aborda o espetáculo à maneira original. Trata-se de um ensemble de primeira linha, trabalhador, de todas as idades e perfis, que cria com fluidez os vários e distintos grupos de franceses que Valjean encontra nas suas andanças: condenados, guardas, camponeses, operários de fábrica, prostitutas, freiras, frequentadores de estalagem, estudantes, mendigos, ladrões e aristocratas. Não há qualquer sensação de “igualdade” a atravessar os múltiplos papéis aqui desempenhados — quase cada ator cria uma persona completamente nova em cada cena em que surge numa função diferente. Isto faz com que o detalhe, a história complexa e a linha emocional em permanente equilíbrio vibrem com sinceridade, inventividade e clareza.

Se nunca viu Les Misérables, este é um bom ano para o ver; se já viu, este elenco oferece perspetivas frescas e nuances interessantes a cenas que acha que conhece muito bem e a personagens que acredita já não o poderem surpreender. Isto é particularmente evidente no caso da família Thénardier e dos seus cúmplices. É essencial que os Thénardier adultos consigam ser cómicos e monstruosos ao mesmo tempo; não podem ser caricaturas, mas sim vampiros em carne e osso, demasiado maduros, capazes de sugar vida a uma laje de mármore. O humor de Master of the House tem de ser verdadeiro, para quebrar a ladainha de tristeza e horror que marca os primeiros 40 e tal minutos do espetáculo, mas também para criar um contraste fascinante com a crueldade e o comércio impassível em torno de Cosette que se segue.

Tom Edden é, de longe, o melhor Thénardier que vi desde a gloriosa interpretação de Peter Carroll, há algumas décadas. Traz uma jovialidade nova ao papel, mas não hesita em ser implacavelmente malévolo e cruel quando necessário. Os seus olhos irradiam o dom do oportunista eterno para tirar partido, de improviso, de qualquer situação, e a sua figura esguia dobra-se e contorce-se com grande efeito cómico enquanto rouba os clientes incautos. As suas cenas nos esgotos são supremamente desconfortáveis.

Como um vulcão de potência vocal, sentido de comédia e assertividade física sem concessões, Helen Walsh faz uma Madame Thénardier (Wendy Ferguson não entrou) surpreendente, provocadora e imensamente prazerosa de ver. As rotinas com Edden em ambas as passagens de Master of the House foram executadas na perfeição; pareciam acontecer pela primeira vez, tal era a sintonia do par. Nenhum dos dois desperdiçou um segundo de tempo em palco; cada um encontrou tudo o que havia para encontrar — e mais — no seu trabalho. Soberbo. Apoiada por esta base sólida, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher não entrou) fez uma excelente Eponine. A repulsa que sente pelo comportamento da própria família é totalmente compreensível, tal como a sua atração por Marius, interpretado pelo atraente Rob Houchen. Ela é eloquente nos silêncios e não tem medo de cantar baixo, com grande efeito. Como a personagem está tão bem estabelecida, o seu On My Own é muito comovente e totalmente fiel à personagem. Felizmente, nada de “momento diva”. Mas guarda o melhor para o fim: os seus instantes finais nos braços de Houchen foram de uma precisão belíssima e de grande carga emocional. Só o coração mais duro poderia não se comover com o que ela faz aqui. Houchen é, sem dúvida, um dos melhores intérpretes que vi pegar em Marius — um papel que, em mãos erradas, pode ser insosso e apatetado. Não é o caso. Houchen convence por completo como o idealista que, de repente e inesperadamente, se apaixona e vê a vida mudar para sempre por causa desse amor. Tem uma presença em palco fácil, um excelente barítono e sabe representar. Empty Chairs at Empty Tables é medido com finura e entregue com beleza, e ele faz resultar as cenas finais com Valjean e Cosette porque é inteiramente credível. A sua amizade e lealdade a Enjolras ficam também bem estabelecidas, como seria de esperar, mas, de forma algo invulgar, Houchen dá ainda tempo para tornar reais as relações com os outros estudantes, em especial com o Grantaire de Christian Edwards.

Como Enjolras, Michael Colbourne recorta uma figura devidamente arrebatadora e não há dúvidas quanto à sua convicção sobre a necessidade de revolução. Vocalmente, porém, esteve ligeiramente fora em várias secções e precisa de trabalhar o apoio para garantir linhas claras e afinadas de potência vocal. Tem muito carisma e estilo, e gostei particularmente da sua relação com Gavroche e da sinceridade com que encara a realidade assinalada pela morte de Eponine.

O ensemble está repleto de intérpretes de destaque — atores talentosos com grandes vozes. Especialmente bons foram Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase e Jade Davies. Um pouco desenquadrados do resto do elenco estiveram o Bamatabois demasiado carregado de Adam Pearce e o Bispo de Digne apagado de Adam Linstead.

As três crianças do elenco — Freya Griffiths, Phoebe Lyons e Aaron Gelkoff — foram muito boas, com o Gavroche de Gelkoff excecional, tendo em conta a tenra idade (8!). Cada um foi interpretado com simplicidade, e tanto a pequena Cosette como Gavroche cantaram como profissionais experientes, mas sem a artificialidade e a falta de sinceridade que tantas vezes estragam estes momentos.

A Cosette adulta é um papel difícil. Parece simples no conceito, mas o canto é exigente e a personagem pede uma técnica hábil e segura para evitar um pântano de sentimentalismo e monotonia. Emile Fleming dá conta do recado, mas o registo agudo é demasiado estridente e apertado, e há uma inquietação no seu trabalho de palco que desconcerta. Devia deixar-se embalar mais pela força da interpretação de Houchen, ir com ela em vez de contra ela. Porque a chave de Cosette é a sua devoção a Marius; sem isso ser palpável e real, o segundo ato não funciona.

Há raiva e agressividade a mais na Fantine de Celinde Schoenmaker e, como resultado, torna-se difícil importar-nos minimamente com o que lhe acontece. Além disso, ela ladra I Dreamed A Dream como se fosse Rose’s Turn; é um “momento de estrela” mal orientado. Schoenmaker precisa de deixar que a personagem faça passar a letra e a melodia, em vez de tentar impressionar um painel imaginário de jurados do X Factor. Também não fiquei, no geral, convencido com o Valjean de Peter Lockyer — novamente, muito zangado em algumas sequências. Valjean é um papel belissimamente escrito e uma espécie de prova de resistência. Precisa de um ritmo cuidado e ponderado e, fundamentalmente, deve colocar em primeiro plano o cuidado e a preocupação de Valjean pelos outros: o filho da sua irmã, Fantine, Cosette, Marius. Ele é movido pela necessidade de fazer o bem, de pagar a sua dívida a Deus. Bring Him Home não é sobre Valjean; é sobre Marius e tem de ser cantada dessa forma. Lockyer abordou-a como o seu grande número, em vez de a tratar apenas como um ponto crucial de tomada de consciência ao longo da jornada da personagem.

Na secção final do espetáculo, Lockyer esteve no seu melhor, embora sempre que partilhava o palco com o Javert de David Thaxton elevasse significativamente o nível. Vocalmente, a sua voz não estava tão segura quanto poderia; embora o topo e a base fossem bastante sólidos, a zona média, curiosamente, foi inconsistente.

Não houve, no entanto, quaisquer preocupações desse tipo com o Javert estrondosamente eficaz de Thaxton. Se quiser apagar a memória arrepiante do esforço lamentável de Russell Crowe no filme, aqui está o antídoto. Thaxton é perfeito em todos os aspetos, em todas as cenas — o melhor Javert que vi desde que Philip Quast interpretou o papel em 1987.

A sua voz é bonita e consistente em timbre e plenitude de alto a baixo. Cada frase é cantada com precisão e perfeição, totalmente dentro da personagem. Ele impõe o sentido através da força das notas, que doseia de forma exímia. Stars é eletrizante e o seu Soliloquy é uma verdadeira masterclass de interpretação musical dramática. Está completamente dentro da personagem em cada instante e, quando emerge das sombras — ou nelas desaparece — a sua presença tanto antecede como permanece. Não se esquece deste Javert. É uma interpretação de classe mundial.

Adam Rowe dirige a orquestra com autoridade, embora, por vezes, o pulso e os sons percussivos subjacentes pudessem beneficiar de maior ênfase, e ele permite ocasionais frases extremamente estranhas tanto de Valjean como de Fantine. No geral, porém, a música é muito bem servida.

Com Thaxton, Houchen, Gregory, Edden e Walsh em forma tão espetacular, e apoiados por um ensemble tão gloriosamente talentoso, quaisquer questões com os outros protagonistas não chegam para toldar a experiência.

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