CRÍTICA: Les Misérables, Teatro Queens ✭✭✭✭

Les Misérables - Um Dia a Mais. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Teatro Queens

16 de dezembro de 2014

4 Estrelas

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O homem duas cadeiras ao lado parece estar com algum problema médico. Ele cambaleia para se levantar e se dirige ao corredor, mas a algumas pessoas ao longo da fileira, ele desaba. Há ajuda imediata à mão, as pessoas se levantam e ajudam, os atendentes chegam. O homem e sua parceira desaparecem no saguão. As pessoas sobre as quais ele caiu, visitantes de terras germânicas, estão altamente agitadas, ficando de pé, agachando-se, ligando lanternas e celulares, procurando algo que é tão importante que deve ser encontrado ali e então - talvez seja um relógio Rolex ou um bilhete dourado?

Enquanto todo esse tumulto acontece, a Pequena Cosette canta, lindamente, Castelo em uma Nuvem e então a ação avança para O Mestre da Casa e a cena em que Valjean confronta os horríveis Thénardiers para resgatar a Pequena Cosette. Sim, foi um longo, irritante e barulhento tumulto. Mas não conseguiu abalar a alquimia teatral que ocorria no palco do Teatro Queen’s onde o sucesso de Alain Boubil e Claude-Michel Schonberg de 1985, Les Misérables, está em seu 29º ano e, como atualmente apresentado, cheio de vigor, talento e musicalidade. Quando visto pela última vez, há cerca de dois anos, a produção estava em péssimas condições, mal escalada em muitos lugares e infelizmente carecia de detalhes, textura, brilho vocal ou caracterização.

Agora é muito diferente.

Na sua produção original, dirigida por Sir Trevor Nunn e John Caird, com o icônico cenário de John Napier, o design de iluminação impecável de David Hersey, os figurinos de Andreane Neofitou e a encenação musical de Kate Flatt, Les Misérables dependia da força do grande elenco, da habilidade dos performers experientes e mais jovens de criar uma quase constantemente mutante variedade de situações e personagens. Trabalhar com o forte e bem treinado conjunto do RSC tornava isso mais fácil, mas foi uma parte fundamental do sucesso dessa produção original em Londres, depois na Broadway e então em Sydney,

Austrália. Les Misérables não é um show que simplesmente funciona; é trabalho árduo e requer versatilidade e habilidade de cada membro do elenco, um compromisso de fazer cada momento funcionar tão bem quanto qualquer outro e um equilíbrio perfeito entre orquestra e elenco. O que Les Misérables não pode suportar, como a atual produção da Broadway (não esta produção, mas a “reformulação”) demonstra amplamente, é uma abordagem estilo X-factor à partitura. Quando o show foi produzido pela primeira vez, nenhum de I Dreamed a Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home ou Empty Chairs And Empty Tables eram padrões; nenhum deles tinha sido cantado e cantado e cantado por todos, de Barbra Streisand a Susan Boyle. A verdade é que nenhum deles, no contexto de Les Misérables como um show de palco, é mais do que um momento de iluminação para um personagem em particular. Sim, bem interpretados, qualquer um deles pode parar o show; mas parar o show não é o objetivo de nenhum deles.

Então, é refrescante e genuinamente emocionante descobrir que o elenco de 2014, de modo geral, aborda o show da maneira original. Este é um elenco de primeira categoria, que trabalha arduamente, de todas as idades e tipos, que cria suavemente os vários e diferentes grupos de franceses que Valjean encontra em suas viagens: presidiários, guardas, fazendeiros, operários, prostitutas, freiras, frequentadores de tavernas, estudantes, mendigos, ladrões e aristocratas. Não há sentido de similaridade percorrendo os múltiplos papéis sendo interpretados aqui – quase todos os atores criam um novo persona em cada cena em que aparecem em um papel diferente. Isso faz com que os detalhes, a história complicada, a linha de emoção que atravessa ininterruptamente brilhem com sinceridade, inventividade e clareza.

Se você nunca viu Les Misérables, este é um bom ano para vê-lo; se você já viu, este elenco proporciona novas abordagens e nuances interessantes para cenas que você acha que conhece muito bem e personagens que acredita que não podem mais surpreendê-lo. Isso é mais claro no caso da família Thénardier e seus aliados. É essencial que os adultos Thénardier sejam cômicos e monstruosos ao mesmo tempo; eles não podem ser caricaturas, mas são vampiros de sangue quente e maduros que podem sugar a vida de um bloco de mármore. O humor de O Mestre da Casa deve ser genuíno, para quebrar a litania de tristeza e horror que caracteriza os primeiros 40 minutos do show, mas também para proporcionar um contraste fascinante à crueldade e à negociação fleumática sobre Cosette que se segue.

Tom Edden é facilmente o melhor Thénardier que eu vi desde a gloriosa interpretação de Peter Carroll algumas décadas atrás. Ele traz uma alegria renovada ao papel, mas não tem medo de ser implacavelmente malévolo e cruel quando necessário. Seus olhos irradiam o dom interminável de um oportunista para tirar vantagem espontaneamente e sua forma esguia se inclina e se contorce para grande efeito cômico enquanto rouba seus clientes desavisados. Suas cenas nos esgotos são extremamente desconfortáveis.

Como um vulcão de poder vocal, timing cômico e assertividade física intransigente, Helen Walsh faz um impressionante e provocante Madame Thénardier (Wendy Ferguson estava fora). As rotinas com Edden em ambas as ofertas de O Mestre da Casa foram perfeitamente interpretadas; pareciam estar acontecendo pela primeira vez, tão sincronizados estavam os dois. Ambos os atores não desperdiçaram um segundo do tempo no palco; cada um encontrou tudo que havia para encontrar – e mais – em seu trabalho. Estupendo. Ajudada por esse trabalho sólido, Carolina Gregory (com Carrie Hope Fletcher sendo substituída) fez uma excelente Éponine. Sua repugnância pelo comportamento de sua própria família é totalmente compreensível, assim como sua atração pelo belo Marius de Rob Houchen. Ela é eloquente em seus silêncios e não tem medo de cantar suavemente para grande efeito. Porque seu personagem é tão bem estabelecido, seu On My Own é muito comovente e totalmente dentro do personagem. Nada de momento diva aqui, felizmente. Mas ela guarda o melhor para o final: seus momentos finais nos braços de Houchen foram lindamente julgados e altamente carregados. Apenas o coração mais duro poderia não se comover com sua interpretação aqui. Houchen é facilmente um dos melhores performers que já vi interpretar Marius, uma parte que, nas mãos erradas, pode ser sem graça e boba. Não aqui. Houchen convence completamente como o idealista que de repente, inesperadamente se apaixona e cuja vida é mudada para sempre por causa desse amor. Ele tem uma presença de palco fácil, um excelente barítono e ele pode atuar. Empty Chairs at Empty Tables é cuidadosamente julgado e lindamente executado e ele faz as cenas finais com Valjean e Cosette funcionarem porque é totalmente crível. Sua amizade e lealdade a Enjolras também estão firmemente estabelecidas, como era de se esperar, mas, um pouco incomum, Houchen se dedica a tornar seus relacionamentos com os outros estudantes também reais, especialmente com o Grantaire de Christian Edwards.

Como Enjolras, Michael Colbourne apresenta uma figura adequadamente chamativa e não há dúvidas sobre sua convicção na necessidade de revolução. Mas, vocalmente, ele estava ligeiramente fora em várias seções e precisa trabalhar em seu apoio para garantir linhas claras e verdadeiras de poder vocal. Ele tem bastante carisma e estilo e eu particularmente gostei de seu relacionamento com Gavroche e da sinceridade com que ele enfrentou a realidade que a morte de Éponine sinaliza.

O conjunto é cheio de performers de destaque, atores talentosos com grandes vozes. Especialmente bons foram Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase e Jade Davies. Ligeiramente fora de sintonia com o resto do elenco foi o Bamatabois excessivamente frutado de Adam Pearce e o Bishop of Digne sem brilho de Adam Linstead.

As três crianças do elenco, Freya Griffiths, Phoebe Lyons e Aaron Gelkoff, foram muito boas, com o Gavroche de Gelkoff excepcional dado sua tenra idade (8!). Cada um foi interpretado de forma simples e as pequenas Cosette e Gavroche cantaram como profissionais antigos, mas sem a falsidade e insinceridade que podem frequentemente estragar tais momentos.

A Cosette mais velha é um papel difícil. Parece fácil o suficiente como conceito, mas o canto é exigente e o personagem requer técnica habilidosa e hábil para evitar um pântano de sentimentalismo e monotonia. Emile Fleming faz um bom trabalho no papel, mas seu registro superior é muito agudo e apertado e há uma incerteza sobre seu domínio de cena que é inquietante. Ela deveria se apoiar mais na força da performance de Houchen, acompanhar ao invés de ir contra. Pois o segredo de Cosette é sua devoção a Marius; sem isso ser palpável e real, o segundo ato não pode funcionar.

Há muita raiva e agressão na Fantine de Celinde Schoenmaker e o resultado é que é difícil importar-se com o que acontece com ela. Além disso, ela late I Dreamed A Dream como se fosse Rose’s Turn; é um momento “estelar” equivocado. Schoenmaker precisa deixar o personagem canalizar as letras e a melodia, não tentar impressionar um painel imaginário de jurados do X Factor. Nem fui convencido, no geral, por Peter Lockyer’s Valjean, novamente um cliente muito raivoso em algumas sequências. Valjean é um papel lindamente escrito e uma espécie de teste de resistência. Precisa de ritmo cuidadoso e considerado e, fundamentalmente, na vanguarda deve estar o cuidado e preocupação de Valjean pelos outros: o filho de sua irmã, Fantine, Cosette, Marius. Ele é movido por uma necessidade de fazer o bem, de pagar sua dívida com Deus. Bring Him Home não é sobre Valjean, é sobre Marius e precisa ser cantado dessa forma. Lockyer o abordou como seu grande número, ao invés de apenas um ponto importante de realização ao longo da jornada do personagem.

A parte final do show viu Lockyear no seu melhor, embora sempre que dividia o palco com o potente Javert de David Thaxton ele elevasse significativamente seu jogo. Vocalmente, sua voz não estava tão segura quanto poderia; embora tanto o topo quanto o fundo fossem bastante sólidos, a seção intermediária da voz, curiosamente, era inconsistente.

No entanto, não havia preocupações desse tipo com o Javert trovejante de Thaxton. Se você quer remover a terrível lembrança da lastimável tentativa de Russell Crowe no filme, este é o tônico. Thaxton é perfeito de todas as formas em todas as cenas – o melhor Javert que vi desde que Philip Quast interpretou o papel em 1987.

Sua voz é linda e consistente em timbre e plenitude de cima a baixo. Cada frase é precisa, perfeitamente cantada, totalmente no personagem. Ele conduz o significado através do poder das notas que julga de forma requintada. Stars é eletrizante e seu Soliloquy uma verdadeira aula de performance musical dramática. Ele está totalmente no personagem a cada momento, e quando emerge das sombras, ou desaparece nelas, sua presença ou precede ou permanece. Você nunca esquece este Javert. É uma performance de classe mundial.

Adam Rowe conduz a orquestra de forma imponente, embora ocasionalmente o pulso e os sons percussivos subjacentes possam precisar de maior ênfase e ele permita frases extremamente estranhas de Valjean e Fantine em algumas ocasiões. No geral, entretanto, a música é muito bem servida.

Com Thaxton, Houchen, Gregory, Edden e Walsh em forma tão espetacular, e apoiados por um conjunto tão gloriosamente talentoso, quaisquer problemas com os outros principais não são suficientes para ofuscar a experiência.

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