レビュー：『レ・ミゼラブル』クイーンズ・シアター ✭✭✭✭

『レ・ミゼラブル』—「ワン・デイ・モア」。写真：ヨハン・ペルソン レ・ミゼラブル

クイーンズ・シアター

2014年12月16日

星4つ

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2席ほど離れた男性が、どうやら体調を崩した様子だ。よろめきながら立ち上がって通路へ向かうが、数人分ほど進んだところで崩れ落ちてしまう。すぐに周囲が立ち上がって手を差し伸べ、係員も駆けつける。男性と連れの女性はロビーへと姿を消した。倒れた男性に巻き込まれた（おそらくドイツ語圏から来た）観客たちはひどく動揺し、立ったりしゃがんだりしながら懐中電灯やスマホのライトを点け、今すぐ見つけなければならない何かを必死に探している——ロレックスか、あるいは黄金のチケットだろうか？

そんな騒動が続くなかでも、リトル・コゼットは実に美しく「雲の上の城」を歌い、続いて「宿屋の主人の歌」へ。ヴァルジャンが、恐ろしいテナルディエ夫妻に立ち向かい、リトル・コゼットを救い出す場面へと物語は進む。確かに、長く、苛立たしく、騒々しい一件だった。だがそれでも、クイーンズ・シアターの舞台上で起きている“演劇の錬金術”には、まったく傷ひとつ付けられない。アラン・ブーブリルとクロード＝ミシェル・シェーンベルクが放った1985年のメガヒット、レ・ミゼラブルは上演29年目を迎え、いまの上演は活力と才能と音楽性に満ちている。前回観たのは約2年前だが、そのときは正直かなり厳しく、配役のミスマッチが目立ち、細部の作り込みや質感、歌の艶、人物造形が物足りなかった。

いまはまったく違う。

サー・トレヴァー・ナンとジョン・ケアードが演出を担い、ジョン・ネイピアの象徴的な舞台装置、デヴィッド・ハーシーの非の打ちどころのない照明、アンドレアーヌ・ネオフィトゥの衣裳、ケイト・フラットの音楽的なステージングによって生まれたオリジナル・プロダクションでは、とりわけ大人数のアンサンブルの力が要だった。経験豊かな俳優から若手までが、次々と姿を変えながら多彩な状況と人物を立ち上げていく。訓練の行き届いたRSCのアンサンブルと組めたことも大きかったが、それこそがロンドン、そしてブロードウェイ、さらにはシドニーへと成功が連鎖していった重要な理由だった。

オーストラリア。レ・ミゼラブルは、ただ上演すれば自然に成立するタイプの作品ではない。やる側にとっては相当な重労働で、キャスト全員に器用さと技術が求められる。どの瞬間も同じ熱量で成立させるという覚悟、そしてオーケストラと歌い手の完璧なバランスが欠かせない。さらにレ・ミゼラブルが決定的に耐えられないのは、（現行のこのロンドン公演ではなく、ブロードウェイで行われた「リニューアル版」が如実に示したように）楽曲を“オーディション番組の見せ場”のように扱うアプローチだ。初演当時、「夢やぶれて」、「星よ」、「オン・マイ・オウン」、「彼を帰して」、「カフェ・ソング」は、いまのような定番曲ではなかった。バーブラ・ストライサンドからスーザン・ボイルまで、あらゆる人に繰り返し歌われる“名曲”になる前の話である。真実を言えば、舞台作品としてのレ・ミゼラブルの文脈では、どの曲も特定の人物がふっと照らされる一瞬にすぎない。もちろん、うまく歌われれば拍手で舞台が止まることもある。だが、舞台を止めること自体が目的ではない。

だからこそ、2014年キャストが概ねオリジナルの流儀で作品に向き合っているのを発見するのは、清々しく、心底ワクワクする。年齢もタイプもさまざまな俳優が揃った一級の働き者アンサンブルで、ヴァルジャンが旅の途中で出会うフランスの人々——囚人、看守、農民、工場労働者、娼婦、修道女、酒場の客、学生、物乞い、盗賊、貴族——といった異なる集団を、継ぎ目なく立ち上げていく。複数の役を演じ分けるうえで「どれも同じ」に見えてしまう感じがない。ほとんどの俳優が、別の役で登場するたびにまったく新しい人物像を創り出している。その結果、細部、複雑な物語、感情の綱渡りの一本線が、誠実さと創意と明晰さでピリッと立ち上がる。

レ・ミゼラブルを未見なら、今年は観るのにうってつけだ。すでに観たことがある人でも、このキャストは「よく知っているはずの場面」や「もう驚くことはないと思っていた人物」に新鮮なアプローチと興味深いニュアンスをもたらしてくれる。とりわけ顕著なのがテナルディエ一家とその仲間たちだ。大人のテナルディエ夫妻は、同時に滑稽で怪物的でなければならない。単なる戯画にはできないが、血の通った、熟しきった吸血鬼のように、石からすら命を吸い取るほどであってほしい。「宿屋の主人の歌」のユーモアは本物でなければならない。冒頭40分余りを特徴づける悲惨と恐怖の連なりをいったん断ち切りつつ、その後に続くコゼットをめぐる残酷で無感情な値踏みとの対比を、鮮やかに浮かび上がらせるために。

トム・エデンは、私が観てきた中で、ピーター・キャロルが数十年前に見せた素晴らしい演技以来、断然ベストのテナルディエだ。役に新しい陽気さを持ち込みつつ、必要とあらば容赦なく邪悪で残忍にもなれる。目には、状況を見て即座に得をする“永遠の山師”の資質が宿り、ひょろ長い身体は、気づかぬ客から金を巻き上げるたびに滑稽な効果を最大化するように折れ、ねじれる。下水道の場面は、最高に居心地が悪い（それがいい）。

歌の火力、コメディの間合い、妥協のない身体性——そのすべてが火山のように噴き上がるヘレン・ウォルシュは、驚くほど挑発的で、とびきり楽しいマダム・テナルディエを見せた（ウェンディ・ファーガソンが休演）。エデンとの掛け合いは、「宿屋の主人の歌」のどちらの場面でも完璧。まるで初めてその場で起きているかのように見えるほど、二人の呼吸がぴたりと合っていた。どちらも舞台上の一秒たりとも無駄にせず、仕事の中にあるものをすべて掘り当て——それ以上のものまで——見せてくれる。圧巻だ。この確かな土台に支えられ、カロリーナ・グレゴリー（キャリー・ホープ・フレッチャーが休演）は見事なエポニーヌを披露した。自分の家族の振る舞いに嫌悪するのも、ロブ・ハウチェンの端正なマリウスに惹かれるのも、すっと腑に落ちる。沈黙が雄弁で、効果的にそっと歌うことを恐れない。人物がしっかり立ち上がっているからこそ、彼女の「オン・マイ・オウン」は胸に迫り、完全に役の中にある。ありがたいことに、ここに“ディーヴァの見せ場”はない。だが真骨頂は終盤だ。ハウチェンの腕の中で迎える最期の瞬間は、見事な按配で濃密に高揚し、どんなに頑なな心でも動かされずにはいられないだろう。ハウチェンは、私が観てきた中でも屈指のマリウスだ。扱いを誤ると魅力がなく、ぼんやりした人物になりがちな役だが、ここでは違う。突然、予期せず恋に落ち、その愛によって人生が永遠に変わってしまう理想主義者として、彼は完全に説得力がある。舞台上の佇まいは自然で、バリトンは見事、そして芝居ができる。「カフェ・ソング」は繊細に判断され、美しく届けられ、ヴァルジャンやコゼットとのラストの場面も、彼が全面的に信じられるからこそ成立する。アンジョルラスとの友情と忠誠が確立しているのは言うまでもないが、少し珍しいことに、他の学生たちとの関係も“本物”にする時間を取っている——とりわけクリスチャン・エドワーズのグランテールとの関係が印象的だ。

アンジョルラス役のマイケル・コルボーンは、颯爽とした立ち姿で、革命の必要性への確信も疑いようがない。だが歌唱面ではいくつかの箇所でわずかに不安定で、より明確で真っ直ぐな声のラインを保つための支えを磨く必要がある。とはいえ魅力とスタイルは十分で、ガヴローシュとの関係性や、エポニーヌの死が示す現実に向き合うときの誠実さは特に良かった。

アンサンブルには、強い印象を残す俳優がずらりと揃う。芝居が巧みで、声も素晴らしい人たちだ。なかでもタムシン・ダウセット、ジョーダン・リー・デイヴィス、ジェレミー・バット、ブラッドリー・ジェイデン、ジョアンナ・ロクストン、ジョニー・パーチェス、ジェイド・デイヴィスがとりわけ良かった。一方で、全体の流れから少し浮いていたのが、アダム・ピアースの過剰に“濃い味”のバマタボワと、アダム・リンステッドの精彩に欠けるディーニュの司教だ。

子役3人——フレイヤ・グリフィス、フィービー・ライオンズ、アーロン・ゲルコフ——もとても良く、ゲルコフのガヴローシュは、まだ8歳という年齢を思えば例外的な出来栄えだった。いずれもシンプルに演じられ、リトル・コゼットもガヴローシュも、老練なプロのように歌うのに、こうした場面を台無しにしがちな作り物めいた不誠実さがない。

大人のコゼットは難しい役だ。コンセプトだけ見れば簡単そうだが、歌は要求が高く、人物像は、感傷と退屈の泥沼に沈まないための巧みで確かな技術を要する。エミール・フレミングは健闘しているが、高音域が鋭く詰まり気味で、舞台上の所作にもどこか落ち着かなさがあり、見ていて不安になる。ハウチェンの強い芝居にもっと身を委ね、逆らうのではなく乗っていくほうがいい。というのも、コゼットの要はマリウスへの献身にある。それが生々しく伝わらなければ、第2幕は成立しないのだ。

セリンド・スーンメーカーのファンテーヌには怒りと攻撃性が強すぎて、彼女の行く末に心を寄せにくい。加えて、「夢やぶれて」をまるで「ローズのターン」のようにがなり立ててしまう。これは見当違いの“スターの見せ場”だ。彼女は、架空のタレント番組審査員にアピールしようとするのではなく、歌詞と旋律が人物を通って流れるようにしなければならない。ピーター・ロックイヤーのヴァルジャンも、全体としては首をかしげた。いくつかの場面で、やはり怒りが強すぎるのだ。ヴァルジャンは美しく書かれた役で、ある意味持久走でもある。緻密で熟考されたペース配分が必要で、何より前面にあるべきは、他者への思いやり——姉の子、ファンテーヌ、コゼット、マリウス——である。彼を突き動かすのは善を行い、神への負い目を返そうとする切実さだ。「彼を帰して」はヴァルジャンの歌ではない。マリウスのための歌であり、そのように歌われるべきだ。ロックイヤーはそれを自分の“大ナンバー”として扱ってしまい、人物の旅路における重要な気づきの地点としては歌えなかった。

ただし終盤に入るとロックイヤーは最も良くなり、とりわけデヴィッド・サクストンのジャベールと同じ舞台に立つと、明らかにギアが上がる。歌唱面では、万全とは言いがたい。高音も低音もかなり安定しているのに、なぜか中音域が一定せず、ところどころ不安定に感じられた。

一方、サクストンの轟くように効果的なジャベールには、こうした懸念は一切ない。映画版でのラッセル・クロウの残念な記憶を洗い流したいなら、これが特効薬だ。サクストンは、どの場面でもあらゆる点で完璧——私が観た中では、1987年にフィリップ・クアストが演じて以来の最高のジャベールである。

声は上から下まで、音色と充実度が美しく均一だ。すべてのフレーズが正確に、完璧に歌われ、徹頭徹尾キャラクターの中にある。音の力を精妙に見極めながら意味を押し出していく。「星よ」は電撃的で、「自殺」のソロは、ドラマティックなミュージカル表現の完全なマスタークラスだ。どの瞬間も人物として存在し、影から現れるときも、影へ消えるときも、その気配は先に立ち、あるいは後に残る。このジャベールを、観客は決して忘れない。世界水準のパフォーマンスだ。

アダム・ロウはオーケストラを力強く統率しているが、時折、脈動や下支えとなる打楽器的な音にもう少し強調が欲しくなる。またヴァルジャンとファンテーヌに、時折非常に奇妙なフレージングを許してしまっている。とはいえ総じて、音楽面の仕事はとても良い。

サクストン、ハウチェン、グレゴリー、エデン、ウォルシュがこれほど絶好調で、しかも素晴らしく才能あるアンサンブルが支えているのだから、他の主要キャストに多少の課題があったとしても、体験全体を曇らせるほどではない。

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