RECENSIONE: Les Misérables, Teatro Regina ✭✭✭✭

Les Miserables - Un giorno di più. Foto: Johan Perrson Les Miserables

Queens Theatre

16 dicembre 2014

4 Stelle

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L'uomo due posti più in là sembra avere qualche difficoltà medica. Si alza di scatto e si dirige verso il corridoio, ma dopo pochi passi lungo la fila, crolla. Arriva subito aiuto, la gente si alza e si offre di assistere, arrivano gli assistenti. L'uomo e la sua compagna spariscono nel foyer. Le persone su cui è crollato, visitatori di terre germaniche, sono molto agitate, si alzano, si accovacciano, accendono torce e telefoni, cercando qualcosa di così importante che deve essere trovato lì, immediatamente – forse è un orologio Rolex o un biglietto d'oro?

Mentre tutto questo trambusto procede, la piccola Cosette canta, in modo davvero incantevole, Castello su una Nuvola e successivamente l'azione si sposta su Il Maestro della Casa e sulla scena in cui Valjean affronta i terribili Thénardier per salvare la piccola Cosette. Sì, è stato un lungo, irritante e rumoroso trambusto. Ma non ha potuto intaccare l'alchimia teatrale che avveniva sul palco del Queen’s Theatre dove il capolavoro del 1985 di Alain Boubil e Claude-Michel Schonberg, Les Miserables, è nel suo 29° anno e, come attualmente rappresentato, pieno di vigore, talento e musicalità. Quando l'ho visto l’ultima volta, circa due anni fa, la produzione era in pessime condizioni, mal assortita in molti aspetti e tristemente priva di dettagli, texture, brillantezza vocale o caratterizzazione.

È molto diverso ora.

Nella sua produzione originale, diretta da Sir Trevor Nunn e John Caird, con il set iconico di John Napier, il perfetto design delle luci di David Hersey, i costumi di Andreane Neofitou e la messa in scena musicale di Kate Flatt, Les Miserables dipendeva dalla forza del grande ensemble, dall’abilità di interpreti esperti e più giovani di creare una sorta di buffet in continua evoluzione di situazioni e caratteri. Lavorare con il forte, ben addestrato ensemble della RSC rendeva questo più facile, ma era una parte fondamentale del successo di quella produzione originale a Londra, poi Broadway e poi Sydney,

Australia. Les Miserables non è uno spettacolo che funziona da solo; è un duro lavoro e richiede versatilità e abilità da ogni membro del cast, un impegno a far funzionare ogni momento bene quanto ogni altro e un perfetto equilibrio tra orchestra e cast. Ciò che Les Miserables non può sopravvivere, come la produzione attuale di Broadway (non questa produzione ma il “revamp”) dimostra ampiamente, è un approccio stile X-factor alla partitura. Quando lo spettacolo è stato prodotto la prima volta, nessuno di I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home o Empty Chairs And Empty Tables erano standard; nessuno di esse era stato cantato e cantato e cantato da tutti da Barbra Streisand a Susan Boyle. La verità è che nessuna di esse, nel contesto di Les Miserables come spettacolo teatrale, è più di un momento di illuminazione per un particolare personaggio. Sì, ben eseguiti, ciascuno può fermare lo spettacolo; ma fermare lo spettacolo non è il punto di nessuno di loro.

Quindi, è rinfrescante e genuinamente eccitante scoprire che il cast del 2014, in larga parte, affronta lo show nel modo originale. Questo è un ensemble di prim’ordine, laborioso, di tutte le età e tipologie, che crea senza sforzo i vari e dissimili gruppi di francesi che Valjean incontra nei suoi viaggi: detenuti, guardie, contadini, operai, prostitute, suore, frequentatori di taverne, studenti, mendicanti, ladri e aristocratici. Non c'è alcun senso di somiglianza tra i molteplici ruoli interpretati qui – quasi ogni attore crea una persona completamente nuova in ogni scena in cui appare in un ruolo diverso. Ciò rende il dettaglio, la complicata storia, il filo conduttore di una camminata sul filo emozionale vibrare di sincerità, inventiva e chiarezza.

Se non hai mai visto Les Miserables, questo è un buon anno per vederlo; se lo hai già visto, questo cast fornisce approcci freschi e interessanti sfumature a scene che pensi di conoscere molto bene e personaggi che pensi non possano più sorprenderti. Questo è particolarmente evidente nel caso della famiglia Thénardier e dei loro complici. È essenziale che i Thénardier adulti possano essere comici e mostruosi allo stesso tempo; non possono essere caricature, ma sono vampiri completi, abbondantemente maturati, che possono succhiare la vita da una lastra di marmo. L'umorismo di Il Maestro della Casa deve essere genuino, per spezzare la litania di tristezza e orrore che caratterizza i primi 40 minuti dello spettacolo, ma anche per fornire un affascinante contrasto alla crudeltà e alla fredda contrattazione su Cosette che segue.

Tom Edden è facilmente il miglior Thénardier che ho visto dai gloriosi tempi di Peter Carroll qualche decennio fa. Porta una freschezza gioviale al ruolo, ma non teme di essere inesorabilmente malevolo e feroce quando necessario. I suoi occhi irradiano il dono per lo spontaneo approfittare situazionale di un opportunista incallito e la sua forma esile si piega e si torce con grande effetto comico mentre deruba i suoi ignari clienti. Le sue scene nelle fogne sono estremamente scomode.

Come un vulcano di potenza vocale, tempismo comico e assertività fisica senza compromessi, Helen Walsh realizza una Madame Thénardier sorprendente, provocatoria e immensamente godibile (Wendy Ferguson era assente). Le routine con Edden in entrambi gli interventi di Maestro della Casa sono state eseguite perfettamente; sembravano accadere per la prima volta, cosi totalmente sincronizzati erano i due. Entrambi gli attori non hanno sprecato un secondo di tempo sul palco; ciascuno ha trovato tutto ciò che c’era da trovare – e di più – nel loro lavoro. Strepitoso. Supportata da questo solido lavoro, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher era assente) ha creato una eccellente Eponine. Il suo disgusto per il comportamento della propria famiglia è completamente comprensibile, come lo è la sua attrazione per il bel Marius di Rob Houchen. È eloquente nei suoi silenzi e non teme di cantare dolcemente con grande effetto. Poiché il suo personaggio è così ben stabilito, il suo On My Own è molto toccante e completamente in caratter. Felizmente, nessun momento da diva qui. Ma salva il meglio per ultimo: i suoi momenti finali tra le braccia di Houchen sono stati giudicati meravigliosamente e altamente carichi. Solo il cuore più duro non potrebbe lasciarsi commuovere dalla sua performance qui. Houchen è facilmente uno dei migliori interpreti che ho visto cimentarsi nei panni di Marius, una parte che, nelle mani sbagliate, può essere priva di fascino e inutile. Non qui. Houchen convince pienamente come l’idealista che improvvisamente, inaspettatamente, si innamora e la cui vita cambia per sempre a causa di quell’amore. Ha una presenza scenica disinvolta, un eccellente baritono e sa recitare. Empty Chairs at Empty Tables è ben giudicato e meravigliosamente eseguito e rende le scene finali con Valjean e Cosette funzionare perché è completamente credibile. La sua amicizia e alleanza con Enjolras è anche saldamente stabilita, come dovrebbe essere, ma, in modo un po' inconsueto, Houchen dedica il tempo necessario a rendere reali i suoi rapporti con gli altri studenti, specialmente il Grantaire di Christian Edwards.

Come Enjolras, Michael Colbourne crea una figura adeguatamente affascinante e non si può dubitare della sua convinzione sulla necessità di rivoluzione. Ma, vocalmente, era leggermente fuori in diverse sezioni e ha bisogno di lavorare sul suo supporto per garantire linee chiare e vere di potenza vocale. Ha molta carisma e stile e mi è particolarmente piaciuta la sua relazione con Gavroche e la sincerità con cui ha affrontato la realtà che la morte di Eponine segnala.

L’ensemble è pieno di attori eccezionali, dotati di grande talento vocale. Sono stati particolarmente buoni Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase e Jade Davies. Leggermente fuori passo rispetto al resto del cast erano Adam Pearce come un troppo fruttuoso Bamatabois e Adam Linstead come uno scialbo Vescovo di Digne.

I tre bambini nel cast, Freya Griffiths, Phoebe Lyons e Aaron Gelkoff, sono stati molto bravi, con l’eccezionale Gavroche di Gelkoff data la sua tenera età (8 anni!). Ognuno ha recitato con semplicità e sia la piccola Cosette che Gavroche hanno cantato come veri professionisti, ma senza la falsità e l’insincerità che spesso possono rovinare questi momenti.

La Cosette più grande è un ruolo difficile. Sembra abbastanza facile come concetto, ma il canto è impegnativo e il personaggio richiede una tecnica abile e sicura per evitare un ginepraio di sentimentalismo e noia. Emile Fleming affronta bene il ruolo, ma il suo registro superiore è troppo acuto e appuntito e c'è una certa insicurezza nella sua presenza scenica che è preoccupante. Dovrebbe trarre maggiore conforto dalla forza dell'interpretazione di Houchen, cavalcarla anziché contrastarla. Perché la chiave di Cosette è la sua devozione verso Marius; senza che questo sia palpabile e reale, il secondo atto non può funzionare.

C'è troppa rabbia e aggressività nella Fantine di Celinde Schoenmaker e il risultato è che è difficile preoccuparsi di quello che accade a lei. Inoltre, abbaia I Dreamed A Dream come se fosse Rose’s Turn; è un momento da “star” mal guidato. La Schoenmaker deve lasciare che sia il personaggio a canalizzare i testi e la melodia, non tentare di impressionare un immaginario pannello di giudici di X Factor. Né sono stato convinto, nell’insieme, da Peter Lockyer come Valjean, ancora una volta un cliente molto arrabbiato in alcune sequenze. Valjean è un ruolo meravigliosamente scritto e una sorta di prova di endurance. Richiede un'attenta e ponderata gestione e, fondamentalmente, al centro dovrebbe esserci la cura e preoccupazione di Valjean per gli altri: il figlio della sorella, Fantine, Cosette, Marius. È spinto dal bisogno di fare il bene, di ripagare il suo debito con Dio. Bring Him Home non parla di Valjean, riguarda Marius e deve essere cantata in quel modo. Lockyer l'ha affrontata come il suo grande numero, piuttosto che come solo un importante punto di realizzazione lungo il viaggio del suo personaggio.

La sezione finale dello spettacolo ha visto Lockyer al suo meglio, anche se ogni volta che ha condiviso il palco con il potente Javert di David Thaxton ha dato il meglio di sé. Vocalmente, la sua voce non era stabile come avrebbe potuto essere; benché la parte superiore e inferiore fossero piuttosto solide, la sezione centrale della voce, curiosamente, era incoerente.

Non c'erano, tuttavia, preoccupazioni di questo tipo con il Javert tuonante ed efficace di Thaxton. Se vuoi cancellare la terribile memoria dell’esibizione scontenta di Russell Crowe nel film, questo è il tonico. Thaxton è perfetto in ogni modo in ogni scena – il miglior Javert che ho visto dai tempi in cui Philip Quast ha interpretato il ruolo nel 1987.

La sua voce è bella e costante nel timbro e nella pienezza dalla cima al fondo. Ogni frase è cantata in modo preciso, perfetto, completamente in carattere. Egli guida il significato attraverso la potenza delle note che giudica in modo squisito. Stars è elettrizzante e il suo Soliloquy un completo masterclass in performance musicale drammatica. È completamente nel personaggio in ogni momento, e quando emerge dalle ombre, o vi scompare, la sua presenza o precede o persiste. Non dimentichi mai questo Javert. Questa è una performance di classe mondiale.

Adam Rowe conduce l'orchestra in maniera autorevole, anche se occasionalmente il ritmo e i suoni percussivi sottostanti potrebbero beneficiare di maggiore enfasi e permette frasi estremamente strane sia da parte di Valjean che di Fantine in alcune occasioni. In generale, però, la musica è molto ben curata.

Con Thaxton, Houchen, Gregory, Edden e Walsh in tale spettacolare forma, e supportati da un ensemble così gloriosamente dotato, eventuali problemi con gli altri protagonisti non sono sufficienti a oscurare l'esperienza.

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