RECENSIONE: Les Misérables, Teatro Regina ✭✭✭✭

Les Misérables - Un giorno ancora. Foto: Johan Perrson Les Misérables

Queen’s Theatre

16 dicembre 2014

4 stelle

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L’uomo a due posti di distanza sembra avere qualche problema medico. Si alza barcollando e si dirige verso il corridoio, ma dopo pochi posti, lungo la fila, crolla. L’aiuto arriva subito: alcune persone si alzano e lo soccorrono, arrivano le maschere. L’uomo e la sua compagna scompaiono nel foyer. Le persone su cui è crollato, visitatori di area germanofona, sono molto agitate: in piedi, accovacciate, accendono torce e telefoni, cercando qualcosa di talmente importante da doverla trovare lì, subito – forse un Rolex o un biglietto d’oro?

E mentre questo trambusto va avanti, la piccola Cosette canta, molto bene, Il castello tra le nuvole e poi l’azione prosegue con Il padrone di casa e la scena in cui Valjean affronta gli orribili Thénardier per salvare la piccola Cosette. Sì, è stato un trambusto lungo, irritante e rumoroso. Ma non è riuscito minimamente a scalfire l’alchimia teatrale che si sprigionava sul palco del Queen’s Theatre, dove il blockbuster del 1985 di Alain Boublil e Claude-Michel Schönberg, Les Misérables, è al suo 29° anno e, per come viene interpretato oggi, trabocca di vigore, talento e musicalità. L’ultima volta che l’avevo visto, circa due anni fa, la produzione era in pessime condizioni: cast mal scelto in diversi ruoli e, tristemente, priva di dettaglio, tessuto, smalto vocale o caratterizzazione.

Adesso è molto diverso.

Nella produzione originale, guidata da Sir Trevor Nunn e John Caird, con la scenografia iconica di John Napier, l’impeccabile lighting design di David Hersey, i costumi di Andreane Neofitou e la messa in scena musicale di Kate Flatt, Les Misérables si reggeva sulla forza del grande ensemble: la capacità di interpreti esperti e giovani di creare un buffet praticamente in continua trasformazione di situazioni e personaggi. Lavorare con il solido e ben addestrato ensemble della RSC rendeva il compito più semplice, ma questo era un elemento chiave del successo della produzione originale a Londra, poi a Broadway e poi a Sydney,

in Australia. Les Misérables non è uno spettacolo che “funziona e basta”: è duro lavoro e richiede versatilità e abilità da ogni membro del cast, l’impegno a far sì che ogni momento funzioni bene quanto gli altri e un equilibrio perfetto tra orchestra e interpreti. Ciò che Les Misérables non può sopportare, come dimostra ampiamente l’attuale produzione di Broadway (non questa produzione, ma il “revamp”), è un approccio alla partitura in stile X Factor. Quando lo spettacolo debuttò, nessuno tra I Dreamed a Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home o Empty Chairs at Empty Tables era uno standard; nessuno era stato cantato e ricantato da chiunque, da Barbra Streisand a Susan Boyle. La verità è che nessuno di questi brani, nel contesto di Les Misérables come spettacolo teatrale, è più di un momento di illuminazione per un determinato personaggio. Sì, se eseguito bene, ciascuno può fermare lo spettacolo; ma “fermare lo spettacolo” non è il punto di nessuno di loro.

Perciò è rinfrescante e davvero entusiasmante scoprire che il cast 2014, in larga parte, affronta lo show nel modo originale. È un ensemble di prim’ordine, instancabile, di ogni età e fisicità, che costruisce con naturalezza i vari e diversissimi gruppi di francesi che Valjean incontra nel suo viaggio: detenuti, guardie, contadini, operai di fabbrica, prostitute, suore, avventori di taverna, studenti, mendicanti, ladri e aristocratici. Non c’è alcun senso di somiglianza tra i molteplici ruoli interpretati: quasi ogni attore crea una persona completamente nuova in ogni scena in cui appare in un ruolo diverso. Questo fa sì che il dettaglio, la storia complessa, il filo emotivo in equilibrio sul filo del rasoio pulsino di sincerità, inventiva e chiarezza.

Se non avete mai visto Les Misérables, questo è un buon anno per farlo; se lo avete già visto, questo cast offre prospettive fresche e sfumature interessanti su scene che credete di conoscere benissimo e personaggi che pensate non possano più sorprendervi. È particolarmente evidente nel caso della famiglia Thénardier e dei loro compari. È essenziale che i Thénardier adulti sappiano essere comici e mostruosi allo stesso tempo; non possono essere caricature, ma vampiri a sangue caldo, troppo maturi, capaci di succhiare vita anche da una lastra di marmo. L’umorismo di Il padrone di casa deve essere autentico, per spezzare la litania di tristezza e orrore che caratterizza i primi quaranta minuti abbondanti dello spettacolo, ma anche per offrire un’affascinante giustapposizione alla crudeltà e alla trattativa impassibile su Cosette che segue.

Tom Edden è facilmente il miglior Thénardier che abbia visto dai tempi della splendida interpretazione di Peter Carroll, ormai qualche decennio fa. Porta al ruolo una nuova allegria, ma non ha paura di essere implacabilmente malevolo e feroce quando serve. I suoi occhi irradiano il dono del giocatore d’azzardo eterno di cogliere al volo ogni opportunità, e la sua figura allampanata si piega e si contorce con grande efficacia comica mentre deruba gli ignari clienti. Le sue scene nelle fogne sono di un disagio supremo.

Come un vulcano di potenza vocale, tempi comici e assertività fisica senza compromessi, Helen Walsh offre una Madame Thénardier sorprendente, provocatoria e immensamente godibile (Wendy Ferguson era assente). I numeri con Edden in entrambe le riprese di Il padrone di casa erano eseguiti alla perfezione; sembravano accadere per la prima volta, tanto erano in sintonia. Nessuno dei due ha sprecato un secondo di tempo in scena: ciascuno ha trovato tutto ciò che c’era da trovare – e anche di più – nel proprio lavoro. Strepitosi. Forte di questo solido contesto, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher era assente) ha dato un’ottima Eponine. La sua repulsione per il comportamento della famiglia è del tutto comprensibile, così come l’attrazione per il bel Marius di Rob Houchen. È eloquente nei silenzi e non ha paura di cantare piano, con grande effetto. Proprio perché il personaggio è così ben costruito, il suo On My Own è molto toccante e totalmente in linea con il carattere. Nessun momento da diva, per fortuna. Ma si tiene il meglio per la fine: i suoi ultimi momenti tra le braccia di Houchen erano misurati con finezza e carichi di emozione. Solo il cuore più duro potrebbe non commuoversi di fronte alla sua interpretazione. Houchen è facilmente uno dei migliori interpreti che abbia visto affrontare Marius, un ruolo che, nelle mani sbagliate, può risultare insipido e sciocco. Qui no. Houchen convince pienamente come l’idealista che all’improvviso, inaspettatamente, si innamora e la cui vita cambia per sempre a causa di quell’amore. Ha una presenza scenica naturale, un ottimo baritono e sa recitare. Empty Chairs at Empty Tables è calibrato con finezza e consegnato con grande bellezza, e rende efficaci le scene finali con Valjean e Cosette perché è totalmente credibile. Anche la sua amicizia e lealtà verso Enjolras sono saldamente stabilite, come ci si aspetta, ma, in modo piuttosto insolito, Houchen si prende il tempo di rendere reali anche i rapporti con gli altri studenti, in particolare con il Grantaire di Christian Edwards.

Nel ruolo di Enjolras, Michael Colbourne ha la giusta aria da eroe e non si dubita della sua convinzione sulla necessità della rivoluzione. Vocalmente, però, in diverse sezioni era leggermente fuori fuoco e deve lavorare sul sostegno per garantire linee di potenza vocale chiare e intonate. Ha molto carisma e stile, e mi è piaciuto in particolare il suo rapporto con Gavroche e la sincerità con cui affronta la realtà segnalata dalla morte di Eponine.

L’ensemble è pieno di interpreti di spicco, attori talentuosi con grandi voci. Particolarmente bravi Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase e Jade Davies. Un po’ fuori passo rispetto al resto del cast risultavano il Bamatabois troppo caricato di Adam Pearce e il Vescovo di Digne piatto di Adam Linstead.

I tre bambini del cast, Freya Griffiths, Phoebe Lyons e Aaron Gelkoff, erano molto bravi, con il Gavroche di Gelkoff eccezionale vista la tenera età (8!). Ognuno era interpretato con semplicità e sia la piccola Cosette sia Gavroche cantavano come professionisti navigati, ma senza quella finzione e insincerità che spesso possono rovinare momenti del genere.

Cosette da grande è un ruolo difficile. Sulla carta sembra semplice, ma il canto è impegnativo e il personaggio richiede una tecnica abile e sottile per evitare il pantano della sentimentalità e della noia. Emile Fleming se la cava bene, ma l’acuto è troppo tagliente e stretto e c’è un’inquietudine nella sua padronanza scenica che destabilizza. Dovrebbe trarre più conforto dalla forza della prova di Houchen, seguirne l’onda anziché opporvisi. Perché la chiave di Cosette è la devozione per Marius: senza che sia palpabile e reale, il secondo atto non può funzionare.

C’è troppa rabbia e aggressività nella Fantine di Celinde Schoenmaker e il risultato è che diventa difficile interessarsi al suo destino. Inoltre, abbaia I Dreamed a Dream come se fosse Rose’s Turn: un “momento da star” fuori strada. Schoenmaker deve lasciare che sia il personaggio a far passare il testo e la melodia, senza cercare di impressionare un immaginario panel di giudici di X Factor. Nel complesso non mi ha convinto nemmeno il Valjean di Peter Lockyer, anche lui, in alcune sequenze, un cliente molto arrabbiato. Valjean è un ruolo scritto splendidamente ed è una sorta di prova di resistenza. Richiede un dosaggio attento e ragionato e, soprattutto, al centro dovrebbe esserci la cura e l’attenzione di Valjean verso gli altri: il figlio di sua sorella, Fantine, Cosette, Marius. È mosso dal bisogno di fare del bene, di ripagare il proprio debito con Dio. Bring Him Home non riguarda Valjean, riguarda Marius e va cantato in quel modo. Lockyer lo ha affrontato come il suo grande numero, anziché come un importante punto di consapevolezza lungo il percorso del personaggio.

Nella parte finale dello spettacolo Lockyer è stato al suo meglio, anche se ogni volta che condivideva la scena con lo Javert di David Thaxton alzava notevolmente il livello. Vocalmente, la voce non era sicura quanto potrebbe esserlo; sebbene estremi acuti e gravi fossero piuttosto solidi, la zona centrale, curiosamente, risultava incostante.

Non c’erano invece preoccupazioni di questo tipo con lo Javert di Thaxton, fragorosamente efficace. Se volete cancellare l’orribile ricordo del lamentabile tentativo di Russell Crowe nel film, questo è l’antidoto. Thaxton è perfetto in ogni modo, in ogni scena – il miglior Javert che abbia visto dai tempi in cui Philip Quast interpretò il ruolo nel 1987.

La sua voce è bellissima e uniforme per timbro e pienezza dall’alto in basso. Ogni frase è cantata con precisione impeccabile, totalmente in personaggio. Spinge il significato attraverso la forza delle note, che dosa con squisita sensibilità. Stars è elettrizzante e il suo Soliloquy è una masterclass completa di performance musicale drammatica. È sempre in personaggio, in ogni istante, e quando emerge dalle ombre o vi scompare, la sua presenza o precede o rimane nell’aria. Questo Javert non lo dimenticate. È un’interpretazione di livello mondiale.

Adam Rowe dirige l’orchestra con autorevolezza, anche se a tratti il battito e i suoni percussivi di base meriterebbero maggior enfasi e, in qualche occasione, lascia passare fraseggi estremamente strani sia a Valjean sia a Fantine. Nel complesso, però, la musica è servita molto bene.

Con Thaxton, Houchen, Gregory, Edden e Walsh in una forma così spettacolare, e sostenuti da un ensemble così gloriosamente dotato, eventuali problemi con gli altri protagonisti non bastano a offuscare l’esperienza.

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