리뷰: 고스트 콰르텟, 런던 블러바드 극장 ✭✭✭✭✭

줄리언 이브스가 데이브 말로이의 고스트 콰르텟을 리뷰한다. 소호에 새로 문을 연 런던의 불러바드 극장 개관 첫 작품이다.

고스트 콰르텟의 마이무나 메몬과 니콜로 쿠란디. 사진: 마크 브레너 고스트 콰르텟

불러바드 극장,

2019년 10월 31일

별 5개

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가끔씩, 그야말로 완벽한 공연이 등장하곤 하는데, 이 작품이 바로 그렇다.  새로 지은 극장에서 올리는 개막작이라는 점에서 즐거움은 배가된다. 게다가 그 극장 자체가 작품에 딱 들어맞는 완벽한 공간이다.  작품과 장소의 결합은 창립자 폰 제임스가 야심차게 선보이는 웨스트엔드의 새로운 프로젝트 개관 시즌 내내 큰 인기를 끌 것이 분명하며, 이곳에서 예술감독으로 첫 시즌을 시작하는 레이철 에드워즈에게도 더없이 훌륭한 출발점이다. SODA가 설계한 새 건물과 차콜 블루가 맡은 인테리어는 최소 8가지 이상의 서로 다른 객석/무대 구성을 가능하게 하는데, 그것도 하루에 여러 번 바뀔 수 있다. 이 극장을 자주 찾게 될 관객이라면 금세 알게 되겠지만, 낮 시간대 행사부터 심야의 음악 및 스포큰 워드 이벤트까지 함께 진행한다.  그리고 덧붙이자면, 가격도 매우 합리적이다.

이 친밀하면서도 고사양의 165석 공간을 여는 작품으로 선택된 것은 데이브 말로이의 정교한 ‘송 사이클(song cycle)’로, 네 명의 배우-뮤지션(그리고 몇몇 깜짝 등장까지)을 위한 작품이다.  뮤지컬 악보가 그저 무작위로 모아놓은 노래 묶음처럼 느껴질 때가 있지만, 이 작품은 ‘스코어(score)’라는 단어의 본래 의미에 걸맞은, 완벽하게 조화로운 노래들의 집합이다.  음악감독 벤저민 콕스(오페라와 뮤지컬 모두에 정통한 인물)는 출연진이 매 순간의 완벽함을 ‘살고 숨 쉬도록’ 훈련시키고 세심하게 이끌었다.  연출가 빌 버크허스트는 나머지 무대에 관해서는 가능한 한 이 뛰어난 팀의 길을 비켜 서며, 극장 원형 무대의 보석 같은 공간에서 그들이 완전한 자율성을 발휘하도록 했다.

고스트 콰르텟의 주빈 바를라와 마이무나 메몬. 사진: 마크 브레너

버크허스트의 크리에이티브 팀은 그의 ‘파이숍 스위니 토드’를 사랑했던 관객이라면 익숙할 것이며, 투팅에서 웨스트엔드, 그리고 브로드웨이에서 그랬듯 이번에도 똑같이 성공적이다.  디자이너 사이먼 케니는 아담한 무대 위 악기들 주변에 배치한 갖가지 소품을 통해, 이 작품과 그 ‘의미’에 대한 흥미로운 ‘단서’들을 제공한다.  공간은 세련된 1960년대 나이트스폿을 닮았고, 레이스 퍼니처의 맞춤형 안락의자와 스툴이 아래와 위로 둘러서 있지만, 공연 공간은 천일야화, 율리시스 등 서구 문화의 상징적 이정표들에 고개를 끄덕인다. 그뿐만 아니라 스카치, 아이리시, 아메리칸 위스키(whisk(e)y) 서랍들이 열리고, 공연이 진행되는 내내 운 좋은 소수의 관객에게 따라 준다. 그리고 절묘한 ‘브린디시(brindisi)’가 우리를 이 ‘네 친구’와 함께 들이켜 보라고 재촉한다.

사실, 아름답게 쓰였고 끝없이 놀라운 방식으로 구성된 노래들—서로 교묘하게 얽히고설켜 흥미로운 방식으로 서로의 메아리를 울리는—과 오래 함께할수록, 단일한 서사보다는 ‘사색적이고 성찰적인 분위기’로 더 깊이 끌려 들어가게 된다. 그 다채경 같은 톤과 감각 속에 완전히 잠식되는 것이다.  그러다 한 시간쯤 지났을 때, 이브닝 스탠더드가 보리스 존슨이 선거전에서 수두룩한 포인트로 앞서고 있다고 대서특필하던 바로 그날 밤, 문득 이런 생각이 들었다. 지구상에서 그런 인물이 가장 존재하기 어려운 곳이 아마도 바로 여기일지도 모른다는 것. 그와 그와 비슷한 이들은 이 따뜻하고 너그럽고, 미학적으로 숭고하며, 도덕적으로는 관대한 이 작품의 정면 돌파와 크게 공감할 지점을 찾지 못할 것이다.  트럼프가 미국에서 부상하던 순간에 구상된 작품인 만큼, 이 안에서 다원주의적이고 자비로우며 자유주의적인 가치에 대한 격렬한 선언을 보지 않기란 어렵다. 다시 말해 트럼프 같은 인물(그리고—그렇지 않은가?—존슨이 애써 닮아 보이려 하는 바로 그 유형)과는 공통분모가 거의 없는 모든 것들이다.

그래서 이 극장은—적어도 지금 이 순간만큼은—우리의 동시대, 점점 옹졸해져 가는 잉글랜드에서 추하고, 영혼 없고, 상처 주는 것들로부터 달아날 수 있는 피난처가 된다.  이 특별한 세계로 우리를 데려가는 것은 네 명의 공연자이며, 그들의 성취는—결국—관객이 그들의 손바닥 위에서 놀아나는 것은 물론, 그들의 노래를 함께 연주하게 만드는 데 있다.  ‘쿼드러플 스렛’ 분야에서 익숙한 얼굴인 니콜로 쿠라디는 근육질 팔로 첼로를 들어 올린 채, 따뜻한 바리톤으로 이 기적 같은 여정의 행진을 시작한다. 뒤이어 메조소프라노 마이무나 메몬이 등장하는데, 다시 한 번 놀라울 만큼 또렷하고 풍성한 성량으로 눈부시다(데이비드 그레고리의 사운드 디자인은 흠잡을 데 없고, 이곳의 최상급 기술 설비가 큰 도움이 되었음은 두말할 필요가 없다). 그녀는 무대를 장악하는 드라마틱한 힘도 탁월하다. 이어 주빈 바를라는 셰익스피어를 연상시키는 권위 있는 테너로 건반 앞에 앉아, 말로이의 가장 숭배하는 우상 중 하나인 셀로니어스 몽크만큼이나 이 다채롭고 정교한 스코어 전반에 능숙함을 보여 준다. 마지막으로 칼리 보든은 진주빛 소프라노로 4중주의 최고음을 울려 퍼뜨리며, 때로는—작곡 자체가 그렇듯—조니 미첼의 맑고 투명한 결을, 혹은 동명이인(?) 칼리 사이먼을 떠올리게 한다.

시간이 멈춘 듯한 한 시간 반이 지난 뒤, 우리는 일종의 음악적 ‘남부 고딕과 북부 고딕’의 풍경 속에 매달린 채 남게 된다. 반신화적인 인물들이 시야 속을 오가며, 잠깐씩 그들의 사적인 삶과 숨겨진 욕망을 솔직하게 드러내어 우리를 붙들어 놓고, 과장된 비유와 난해하고 트윈 픽스 같은 고백으로 우리를 매혹한다.  퇴장하며 로비에서 공연 CD가 판매되는 것은 보지 못했지만, 내일 다시 가서 어디서 구할 수 있는지 알아볼 생각이다.  그리고 술 한 라운드 값에 가까운 가격으로, 잠시 소호에 머무는 이 사랑스럽고 값으로 매길 수 없는 천상의 마법 같은 세계를 다시 한 번 경험하기 위해서.

2020년 1월 4일까지.