리뷰: 세일즈맨의 죽음, 로열 셰익스피어 극장 ✭✭✭

세일즈맨의 죽음

로열 셰익스피어 극장

2015년 4월 18일

3성

세일즈맨의 죽음은 이제 노엘 카워드 극장으로 옮겨져 2015년 7월 18일까지 공연됩니다.

“용서해줘, 사랑하는 사람. 내가 울 수가 없어. 왜 그런지 모르겠지만, 울 수가 없어.”

이것은 아서 밀러의 희곡 '세일즈맨의 죽음'을 그레고리 도란이 리바이벌한 작품에서 현재 스트랫퍼드 어폰 에이번의 로열 셰익스피어 극장에서 웨스트 엔드로 옮기기 전에 헤리엇 월터의 린다가 말하는 마지막 대사 중 하나입니다.

이는 그 리바이벌 자체에 대한 반응을 설명하기 적절합니다.

로열 셰익스피어 컴퍼니의 예술 감독인 도란은 자신의 작품 프로그램에서 이렇게 의견을 밝혔습니다:

"이는 내 마음속에 의심의 여지 없이 20세기 최고의 미국 희곡이며 아서 밀러의 탄생 100주년을 기념하여 셰익스피어와 함께 우리의 주요 무대에 자리잡고 있습니다."

20세기의 최고의 미국 희곡이 무엇인지에 대한 질문은 제쳐두고, 그 희곡이 무엇이든간에 그것이 RSC의 주요 무대에서 셰익스피어와 함께 "올바른 자리"를 가져야 하는 이유는 명확하지 않습니다. 그 게임을 시작하면 어디서부터 멈추겠습니까? 매 세기의 최고의 미국 희곡? 어떤 세기의 최고의 영국, 프랑스 또는 러시아 희곡? 셰익스피어가 쓰지 않은 것은 왜 RSC 무대에 "올바른" 자리를 가질까요?

왜 RST인가요? 왜 세일즈맨의 죽음의 친밀함이 더 잘 전달될 수 있는 스완 극장이 아닌가요? 도란은 전통적인 셰익스피어 작품들이 RST에 등장하기 전까지 스완에서는 공연하지 않는다는 결정을 내린 시대에 왜 세일즈맨의 죽음을 거기서 공연하나요?

이보 반 호페가 최근에 왜 브리지에서의 관조가 세일즈맨의 죽음보다 더 나은 밀러 희곡일 수 있다고 생각할 수 있는 이유를 설명했습니다. 그리고 올드 빅의 최근 '크루서블'은 비슷한 논쟁을 제공했습니다. 테네시 윌리엄스, 에드워드 올비, 존 스타인벡의 작품들은 20세기 최고의 미국 희곡이라는 명칭을 쉽게 주장할 수 있습니다.

어떤 시각에서든지 스트랫퍼드의 주요 무대에서 세일즈맨의 죽음을 공연한다는 것은 위험한 결정이었습니다. 그러나 이 제작은 도란이 RSC에서 감독한 지난 8년 중 가장 나쁜 제작으로 쉽게 손꼽힙니다. 쉽게 말해서. 안토니 셰르의 부족한 점들이 중앙에 그 실패의 이유가 됩니다, 그러나 그것이 전적으로 책임질 수는 없습니다.

어떤 방식으로든 밀러의 희곡은 비록 거친 현실에 깊이 쌓여 있지만 시적으로, 환상적으로, 인상적으로 표현됩니다 - 상상력, 꿈, 그림자, 기억과 환상에 의존합니다. 스테판 브림슨 루이스의 세트는 비록 주방 싱크를 현실적으로 만들지 못했지만 영구성보다는 과도함을 만들어내기에 충분히 견고합니다. 또한, 플랫폼이 오르내리고, 결정적으로 대부분의 행동을 무대 뒤편에 유지하여 관객으로부터 멀리 떨어져 생각이나 경험의 친밀함을 가능성에서 멀리 두는 것으로 속임수입니다.

내 재치있는 동반자는 무대가 '웨스트 사이드 스토리'의 제작을 위해 만들어질 수 있었다고 정확히 지적했습니다. 무대의 뒤편 양쪽에는 전형적인 뉴욕 주택을 암시하는 투명한 평면이 있었고, 그 앞에는 로만 가족의 집의 단면이 있어 현관, 주방, 주요 침실, 욕실의 일부가 보이고 Biff와 Happy가 공유하는 방이 있는 윗층이 있습니다. 로만 집 앞에는 무대가 넓게 펼쳐져 있었고, 아주 앞쪽에는 올려진 플랫폼들이 호텔 침실, 채소밭, 그리고 결국에는 무덤을 연출했습니다.

팀 미첼의 조명은 영화 누아르 느낌을 강화했습니다. 재능있는 음악가들의 라이브 연주를 통한 아주 크고 꽤 충격적인 전후의 음악으로 보강되고 강조된 느낌입니다. 강한 색상의 의상 사용과 함께 제작의 시각적 측면에 의해 생성된 전반적인 기대는 초기의 테크니컬러 영화와 비슷합니다: 매혹적인, 화려한, 설득력 있는. 낭비된 삶, 부서진 꿈, 그리고 미국 꿈의 허무한 현실에 대한 비극의 설정처럼 보이지 않습니다.

다른 감각을 복합하는 것은 연기의 아주 고상한 스타일입니다. 대부분의 공연은 짧고, 정확하며, 복합적인 통합된 연기보다는 개별적인 장면 시리즈입니다. 억양은 상당히 정확하고, 그 자체로도 더 중요하게 보이며, 말 자체보다, 그 의미나 공감보다 중요하게 보입니다. 불현실성, 단절, 높아진 관찰의 탁월한 감각이 있습니다.

결과적으로 전반적인 인상은 음악 또는 발레(특히 Biff와 Happy가 어린 시절의 기억 장면에서)가 있는 것 같은 느낌이지만, 음악이 없습니다. 이것은 전적으로 의도적일 수 있습니다: 미국을 담고 있는 시각 및 청각적 태피스트리를 만들어 Willy Loman의 슬픈 처지를 돋보이거나 강화하기 위한 것이지만, 성공하지 못합니다.

세트가 인식의 변화를 지속적으로 상기시켜 로만 집이 주위 공동체에 의해 왜소되는 느낌과 사회적 억압의 일반적인 감각을 제공한다는 것이 사실일지도 모릅니다. 그러나, 세트가 주의를 분산시켜 로만 가족의 기대와 실패의 특수성을 멀어지게 합니다. 여기서의 연기방식은 분명히 인상적인 것이지만 밀러의 서사를 명확히 하는 것보다 혼란스럽게 만듭니다.

이것은 셰르의 연기를 위한 것입니다. Willy Loman의 역할은 매우 분명하고 섬세한 범위와 섬세함을 배우에게 요구합니다. 가장 큰 요구는 배우가 Loman을 연기하는 것이 아니라 Loman이 되는 것입니다; 캐릭터와 캐릭터의 다른 단계에서 완전한 몰입이 필요합니다. 아들을 매혹하고 인상 깊게 했던 Loman을 보고, 꿈을 믿었던 Loman을 보며 붙잡히고, 소멸되고 파괴되는 Loman과 대조해야 합니다.

셰르는 까다롭고 활기차며 고급스러움을 발산하는 공연을 제공합니다. 일정 부분에서는 특히 시간대에 대한 명확함에서 감명깊지만, 그것이 도달해야 할 높은 수준이나 낮은 수준에 도달하지 못합니다. 그는 Loman의 피부를 입을 지언정 그 안으로 들어가지 않습니다. 너무 많은 "연기"가 있습니다. 결국, 셰르의 능력 부족이 Loman이 자신의 삶을 보는 방법인 낭비와 어리석음의 지친, 절망적인 감각을 전달하지 못하면서 위대한 비극으로서의 작품의 효과를 약화시킵니다.

Willy가 Howard에게 뉴욕에서 하루 일을 달라고 요청하는 장면은 피부가 오들오들하지 않습니다; 그래야 합니다. Willy가 Charley의 일자리 제안을 거절하는 장면은 이해가 가지 않습니다; 그래야 합니다. Willy의 불륜을 Biff가 밝혀내는 장면은 굴욕감이나 심각하지 않습니다; 그래야 합니다. 아들에게 영감을 주는 Willy의 장면들은 진실하지 않습니다. 동기 부여된 꿈꾸는 Willy와 갇힌, 자살하려는 Willy 사이의 대조가 충분히 명확하지 않습니다.

셰르는 이제 넓은 Linda를 강화하는 Harriet Walter의 강인한, 단단한 연기로 도움받지 못합니다. Walter는 훌륭한 배우이지만 그녀의 자연스러운 정신적 강인함과 특성을 억누르기가 어렵습니다. Linda는 무시당하고, 무시되고, 고려되지 않는 여성의 전형입니다; Walter는 가정적인 도어매트 역할로 헤어짐을 하지 않습니다. 그녀는 Loman에 대해 그가 말하는 방식을 결국 때려서 할 것처럼 보며 한방 날릴 것 같기 때문에 자주 그가 그녀에게 말하는 방식을 왜 그녀가 허락하는지 궁금해집니다.

이 제작에서 Biff에서 Alex Hassell이 발굴한 것이 많습니다. 네, 그는 훌륭한 신체적 상태에 있지만, 아버지의 거짓된 세계에서 벗어나기 위한 방법으로 대자연을 갈망하는 고통스러운 아들의 내적인 영혼에 대한 감각이 부족합니다. 또한 그것이 결국 현실을 직시하는 것이 가족 중 아무도 아닙니다, 그 대가가 무엇이든간에 다 받아들여야 하는 것이 Biff라는 것이 진정으로 보여주지 않습니다. 그렇다 해도 Hassell의 Sam Marks의 Happy와의 관계는 매우 설득력 있고 Marks는 가족 사중주에서 다른 사람들보다 캐릭터의 본질에 가장 가까워집니다. 그는 "소년" 장면에서 강아지 같고, 아버지가 밥과 함께 저녁을 나누는 장면에서 그의 아버지의 손이 유일하게 자신에게 확실히 주어짐을 보여줍니다.

중심 공연의 강점은 Joshua Richards가 연기하는 Charley, Brodie Ross가 연기하는 Bernard, 그리고 특히 Sarah Parks가 연기하는 여자의 완전하고 아름다운, 피치 완벽한 전환과 비교하여 가장 명확하게 판단할 수 있습니다. 이 세 명 각각은 캐릭터를 완전히 소화하여 실제, 전체적으로, 그리고 훌륭하게 공감 있게 만듭니다. Richards는 Willy에게 직업을 주어 구하려고 시도하는 장면에서 장엄합니다 - 모든 단어, 모든 뉘앙스가 완벽합니다. 그는 또한 최종 장례식 장면에서 압도적입니다. Ross는 Biff를 사랑하고 친구가 되고 싶어하는 밝은 소년으로서 멋지게 네디하고 아부하는데, 나중에 어른이 되면서 Biff를 위해 Willy가 가졌던 꿈을 구현하여 은유적인 거울로 Willy의 얼굴을 비추고 아버지, 영감자 및 가장으로서 어디로 잘못 갔는지 묻습니다.

Parks는 극복할 수 없는 비애와 윌리가 Biff가 갑자기 돌아왔을 때 마치 쓰레기처럼 버리는 비극적인 연인으로서 승리합니다; 사실, 이 제작에서 가장 기억에 남는 장면은 그녀가 속옷을 입고 옷을 붙잡고 어두운 곳으로 물러나면서 주는 두려움, 불신, 혐오의 표정입니다. 그녀는 완벽합니다. (그녀는 Linda에도 이상적이었을 것입니다).

Parks, Ross, 그리고 Richards가 여기서 보여주는 헌신과 감정의 깊이가 회사 전체 및 특히 주요 사중주에 확장될 수 있었다면 얼마나 좋았을까요. Tobias Beer의 무거운 장면에서 Howard가 Willy의 발밑에서 깔개를 제거하는 모습을 제대로 활용하지 않았고 Guy Paul은 Willy의 꿈이 어디서 왔는지에 대한 어떤 단서를 제공해야 하는 활발한 매력적이어야 하는 Uncle Ben으로서 부진합니다.

도란의 특징처럼, 이는 매우 분명한 제작입니다, 틀림없이 Tim Mitchell의 조명이 Willy의 인식을 정의하는 생각과 기억의 공존감을 만드는 섬세한 길이들을 통해서입니다. 이야기는 명확히 전달됩니다. 그러나 주요 배우들이 자신이 연기하는 캐릭터를 진정으로 맞춤화하지 못함으로 인해 궁극적으로 많은 것이 상실됩니다; 밀러의 희곡이 제공하는 자아 반성 및 사회의 압박에 대한 진실을 직면하는 가능성이 실현되지 않습니다. 비록 훌륭하게 보이지만, 매혹적이지 않은.

Jets가 등장하길 기다리고 있을 때 주의를 기울이는 것이 힘들고 어렵습니다.

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