CRÍTICA: Morte de um Caixeiro Viajante, Teatro Royal Shakespeare ✭✭✭

Morte de um Caixeiro Viajante

Teatro Royal Shakespeare

18 de abril de 2015

3 Estrelas

Death Of A Salesman foi transferido para o Teatro Noel Coward, onde está em exibição até 18 de julho de 2015.

“Perdoe-me, querido. Não consigo chorar. Não sei o que é, mas não consigo chorar.”

Estas estão entre as últimas falas ditas por Linda, de Harriet Walters, na remontagem de Gregory Doran da peça de Arthur Miller, Death of a Salesman, que está atualmente em cartaz no Teatro Royal Shakespeare em Stratford Upon Avon, antes de ser transferida para o West End.

Elas são quase apropriadas para descrever a própria reação da pessoa à remontagem em si.

Doran, Diretor Artístico da Royal Shakespeare Company, opina assim no programa de sua produção:

"Esta é, sem dúvida, na minha mente, a maior peça americana do século 20 e ocupa seu lugar de direito, ao lado de Shakespeare, em nosso palco principal para marcar o centenário do nascimento de Arthur Miller."

Deixando de lado a questão de qual é a maior peça americana do século 20, permanece incerto por que, seja qual for essa peça, ela deveria ter ou tomar "seu lugar de direito" ao lado de Shakespeare no palco principal da RSC. Uma vez que começa esse jogo, onde para? A melhor peça americana de cada século? A melhor peça inglesa, francesa ou russa de qualquer século? Por que algo que não foi escrito por Shakespeare tem um lugar "de direito" em um palco da RSC?

Por que o RST? Por que não o Teatro Swan, onde, francamente, a intimidade de Death of a Salesman seria melhor servida? Em uma era onde Doran decidiu, de maneira perfeitamente sensata, que Shakespeare não será exibido no Swan até que todas as peças do cânone tenham aparecido no RST, por que encenar Death of a Salesman lá?

Ivo Van Hove demonstrou recentemente por que pode-se pensar que A View From A Bridge é uma peça melhor de Miller do que Death of a Salesman, e o recente Crucible do Old Vic forneceu um argumento semelhante. Existem peças de Tennessee Williams, Edward Albee e John Steinbeck que poderiam facilmente reivindicar o título de melhor peça americana do século 20.

De qualquer ponto de vista, encenar Death of a Salesman no palco principal em Stratford foi uma decisão arriscada. No entanto, esta produção é facilmente a pior produção que Doran dirigiu para a RSC nos últimos 8 anos. Facilmente. E embora as deficiências de Antony Sher sejam centrais para esse fracasso, elas não são as únicas responsáveis.

De qualquer forma que você veja, a peça de Miller, embora imersa em duras realidades, é lírica, assombrosa e impressionista - depende da imaginação, sonhos, sombras, memórias e ilusões. O cenário de Stephen Brimson Lewis, embora não seja tão sólido a ponto de ser realista de pia de cozinha, é suficientemente sólido para criar um senso de permanência em vez de transitoriedade. É engenhoso, também, com plataformas que sobem e descem e, criticamente, mantém a ação afastada no palco, longe do público, longe da possibilidade de intimidade tanto de pensamento quanto de experiência.

Meu companheiro espirituoso notou, corretamente, que o cenário poderia ter sido para uma produção de West Side Story. Havia grandes flats translúcidos em ambos os lados da parte traseira do palco, sugerindo os típicos cortiços de Nova York e, à frente desses, havia uma vista seccional da casa dos Loman, completa com varanda, cozinha, quarto principal, uma vista parcial do banheiro e um nível superior onde o quarto que Biff e Happy compartilham pode ser encontrado. Em frente à moradia dos Loman havia uma extensão do palco, em cuja frente plataformas elevatórias trouxeram um quarto de hotel, uma horta e, por fim, um túmulo.

A iluminação de Tim Mitchell reforçou uma sensação de filme noir nos procedimentos; uma sensação aumentada e enfatizada pela música muito alta e bastante chocante do pós-guerra, tocada ao vivo por um talentoso grupo de músicos. Juntamente com o uso de cores fortes nos figurinos, a expectativa geral criada pelos aspectos visuais da produção é semelhante a um filme em Technicolor inicial: algo exótico, chamativo, envolvente. Não parece ser o cenário de uma tragédia sobre vidas desperdiçadas, sonhos esmagados e a realidade sórdida do Sonho Americano.

A sensação de alteridade é agravada pelo estilo muito afetado da atuação. A maioria das performances é cortada, precisa, uma série de cenas individuais em vez de uma complexa caracterização integrada. Os sotaques são exatos, mais importantes, aparentemente, do que as próprias palavras, seu significado ou ressonâncias. Há uma sensação tangível de irrealidade, desconexão, observação intensificada.

O resultado é que a impressão geral é de que se está vivenciando um musical, até mesmo um balé (particularmente nas sequências de memória onde Biff e Happy são crianças), mas sem música. Pode ser que seja inteiramente deliberado: criar uma tapeçaria visual e sonora, que exala a América, mas que não cumpre sua promessa, para se contrapor ou realçar a triste situação de Willy Loman. Se for assim, não tem sucesso.

Pode ser verdade que o cenário proporciona um lembrete constante de percepções cambiantes, da supressão da casa dos Loman pela comunidade ao redor, e um sentimento geral de opressão social. Mas, igualmente, o cenário distrai, desviando a atenção dos detalhes das aspirações e fracassos da família Loman. A maneira de apresentação aqui, embora indubitavelmente impressionante, ofusca em vez de iluminar a narrativa de Miller.

Isso também é verdade para a performance de Sher. O papel de Willy Loman é muito exigente, requerendo grande alcance e sutileza do ator. O maior requisito, no entanto, é que o ator seja Loman em vez de interpretá-lo; deve haver uma imersão total no personagem, e nos diferentes estágios do personagem. Deve ser possível ver o Loman que cativou e impressionou seus filhos, o Loman que acreditava no Sonho e contrastar isso com o Loman que está engolido, diminuído, destruído.

Sher apresenta uma performance espinhosa, vigorosa e explosivamente errática. É impressionante sob alguns aspectos, especialmente na clareza sobre as linhas do tempo, mas nunca atinge as grandes alturas que deveria, ou os grandes baixos. Ele até pode vestir a pele de Loman, mas nunca chega a entrar nela. Há muita “atuação”. E, em última análise, a incapacidade de Sher para transmitir o desgastado e desesperado senso de desperdício e tolice que é a maneira que Loman vê sua própria vida mina a eficácia da peça como uma grande tragédia.

A cena em que Willy pede um emprego de dia em Nova York para Howard não causa arrepios; deveria. A cena em que Willy recusa a oferta de emprego de Charley não é compreensível; deveria ser. A cena em que Biff descobre a infidelidade de Willy não é humilhante ou debilitante; deveria ser. As cenas em que Willy é inspirador para seus filhos não são verdadeiras. Os contrastes entre o Willy sonhador motivado e o preso, suicida, não são suficientemente marcantes.

Sher não é assistido pela rígida e tensa Linda de Harriet Walter. Walter é uma atriz maravilhosa, mas sua força natural de espírito e caráter é difícil de subjugar. Linda é o epítome de oprimida, ignorada, desprezada; Walter não se perde no papel de capacho doméstico. Ela parece demais com alguém que poderia dar um tapa no rosto de Loman com um ferro e muitas vezes questiona-se por que deixa ele falar com ela da maneira como faz.

Há muito mais para Biff do que Alex Hassell descobre nesta produção. Sim, ele está em excelente condição física, mas há pouco sentido no espírito do filho problemático que anseia pelo grande ar livre como uma forma de escapar dos limites do mundo falso de seu pai. Nem chegamos a ver que é Biff, sozinho na família, quem encara a realidade, não importa o custo. Dito isto, a relação de Hassell com Sam Marks como Happy é muito convincente e Marks chega mais perto da essência de seu personagem do que os outros no quarteto familiar. Ele é particularmente bom em modo de cachorro-de-pé nas sequências dos “meninos” e mostra que a mão de seu pai está firmemente sobre ele na cena em que ele e Biff jantam com seu pai.

A força das performances centrais pode ser julgada mais claramente em relação às atuações simplesmente belas e impecáveis de Joshua Richards como Charley, Brodie Ross como Bernard e, especialmente, Sarah Parks como A Mulher. Cada um desses três habita completamente seus personagens, tornando-os verdadeiros, inteiros e maravilhosamente ressonantes. Richards é magnífico na cena em que tenta salvar Willy, oferecendo-lhe um emprego - cada palavra, cada entonação é absolutamente perfeita. Ele também é fascinante na tabelau funerário final. Ross é maravilhosamente nerd e bajulador como o garoto brilhante que adora Biff e quer ser amigo; mais tarde, como homem adulto, ele vem a encarnar os sonhos que Willy tinha para Biff e, ao fazê-lo, segura um espelho metafórico para o rosto de Willy e questiona onde ele errou como pai, inspirador e patriarca.

Parks é um triunfo de incompreensão e humilhação como a amante secreta de Willy, que ele descarta como lixo quando Biff de repente chega sem avisar; de fato, a memória duradoura que tenho desta produção é o olhar atordoado de medo, descrença e repulsa que Parks dá ao se afastar na escuridão, vestindo sua combinação e segurando suas roupas. Ela é a perfeição. (Ela também teria sido uma Linda ideal).

Gostaria que a profundidade do compromisso e sentimento que Parks, Ross e Richards exibem aqui tivesse se estendido a toda a companhia e, especialmente, ao quarteto principal. Tobias Beer desperdiça a grande cena onde Howard tira o tapete debaixo dos pés de Willy e Guy Paul é sem brilho como o Tio Ben, um personagem que deveria ser extremamente carismático e fornecer alguma indicação de onde vieram os sonhos de Willy.

Típico de Doran, esta é uma produção muito lúcida, não menos porque a iluminação de Tim Mitchell vai a extremos requintados para criar um senso de coexistência de pensamentos e memórias que define as percepções de Willy. A história é contada com clareza. Mas o fracasso dos atores principais em realmente se tornarem os personagens que interpretam significa que, em última análise, muito se perde; as possibilidades que a peça de Miller oferece para auto-reflexão e confrontação de verdades sobre as pressões da sociedade não se realizam. Embora pareça excelente, é enganosamente envolvente.

É difícil prestar atenção quando você está constantemente esperando que os Jets apareçam.

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