RESEÑA: Muerte de un Viajante, Teatro Real Shakespeare ✭✭✭

La Muerte de un Viajante

Teatro Royal Shakespeare

18 de abril de 2015

3 Estrellas

La Muerte de un Viajante ha sido transferida al Teatro Noel Coward, donde estará en cartel hasta el 18 de julio de 2015.

“Perdóname, querida. No puedo llorar. No sé qué es, pero no puedo llorar.”

Estas son las últimas líneas pronunciadas por Linda, interpretada por Harriet Walters, en la versión de Gregory Doran de la obra de Arthur Miller, La Muerte de un Viajante, que actualmente se presenta en el Teatro Royal Shakespeare en Stratford-Upon-Avon, antes de trasladarse al West End.

Son casi adecuadas para describir la propia reacción de uno ante la representación en sí misma.

Doran, Director Artístico de la Royal Shakespeare Company, opina así en el programa de su producción:

"Esto es, sin duda en mi mente, la obra estadounidense más grande del siglo XX y ocupa su lugar legítimo, junto a Shakespeare, en nuestro escenario principal para conmemorar el centenario del nacimiento de Arthur Miller."

Dejando de lado la cuestión de cuál es la obra estadounidense más grande del siglo XX, sigue siendo incierto por qué, sea cual fuera esa obra, debería tener o ocupar "su lugar legítimo" junto a Shakespeare en el escenario principal de la RSC. Una vez que se comienza ese juego, ¿dónde se detiene? ¿La mejor obra estadounidense de cada siglo? ¿La mejor obra inglesa, francesa o rusa de cualquier siglo? ¿Por qué algo no escrito por Shakespeare tiene un lugar "legítimo" en un escenario de la RSC?

¿Por qué el RST? ¿Por qué no el Teatro Swan, donde, francamente, la intimidad de La Muerte de un Viajante se serviría mejor? En una época donde Doran ha decidido, de manera sensata, que Shakespeare no actuará en el Swan hasta que todas las obras del canon hayan aparecido en el RST, ¿por qué presentar La Muerte de un Viajante allí?

Ivo Van Hove acaba de demostrar por qué podría pensarse que A View From A Bridge es una obra mejor de Miller que La Muerte de un Viajante, y la reciente Crucible del Old Vic ofreció un argumento similar. Hay obras de Tennessee Williams, Edward Albee y John Steinbeck que fácilmente podrían reclamar el título de mejor obra estadounidense del siglo XX.

Desde cualquier punto de vista, poner en escena La Muerte de un Viajante en el escenario principal de Stratford fue una decisión arriesgada. Sin embargo, esta producción es fácilmente la peor que Doran ha dirigido para la RSC en los últimos 8 años. Fácilmente. Y aunque las deficiencias de Antony Sher son centrales para ese fracaso, no son las únicas responsables.

De cualquier manera que se mire, la obra de Miller, aunque está impregnada de duras realidades, es lírica, conmovedora e impresionista; depende de la imaginación, los sueños, las sombras, los recuerdos y las ilusiones. El decorado de Stephen Brimson Lewis, aunque no tan sólido como para ser realista de fregadero de cocina, es lo suficientemente sólido como para crear una sensación de permanencia más que de transitoriedad. También es engañoso, con plataformas que suben y bajan y, de manera crítica, mantiene la acción más atrás en el escenario, lejos de la audiencia, lejos de la posibilidad de intimidad tanto de pensamiento como de experiencia.

Mi ingenioso acompañante señaló, correctamente, que el decorado podría haber sido para una producción de West Side Story. Había grandes paneles translúcidos a ambos lados de la parte trasera del escenario que sugerían típicos edificios de Nueva York y enfrente de esos estaba una vista seccionada de la casa de los Loman, completa con porche, cocina, dormitorio principal, una vista parcial del baño y un nivel superior donde se puede encontrar la habitación que Biff y Happy comparten. Ante la residencia de los Loman se extendía una muestra de escenario, en el cual plataformas elevadas traían un dormitorio de hotel, un huerto y, finalmente, una tumba.

La iluminación de Tim Mitchell reforzaba una sensación de film noir a la presentación; una sensación aumentada y enfatizada por la música posterior a la Segunda Guerra Mundial, muy alta y bastante discordante, tocada en vivo por un grupo talentoso de músicos. Junto con el uso de colores fuertes en los vestuarios, la expectativa general creada por los aspectos visuales de la producción es similar a una película de colores primarios de los inicios de Technicolor: algo exótico, ostentoso, fascinante. No parece ser el escenario para una tragedia sobre vidas desperdiciadas, sueños rotos y la triste realidad del Sueño Americano.

Añadiendo al sentido de otredad está el estilo muy refinado de la actuación. La mayoría de las interpretaciones son cortadas, precisas, una serie de escenas individuales más que una caracterización compleja e integrada. Los acentos son exactos, más importantes, aparentemente, que las propias palabras, su significado o resonancias. Hay una sensación tangible de irrealidad, desconexión y observación aguda.

El resultado es que la impresión general es que se está experimentando un musical, incluso un ballet (particularmente en las secuencias de memoria donde Biff y Happy son niños), pero sin música. Esto puede ser totalmente deliberado: crear un tapiz visual y sonoro, que huele a Estados Unidos, pero que no cumple su promesa, para contrastar o realzar el triste destino de Willy Loman. Si es así, no tiene éxito.

Podría ser cierto que el decorado proporciona un recordatorio constante de percepciones cambiantes, el agobio de la casa de los Loman por la comunidad alrededor y una sensación general de opresión social. Pero, igualmente, el decorado distrae, alejando la atención de los detalles de las aspiraciones y fallas de la familia Loman. La forma de presentación aquí, aunque sin duda impresionante, oscurece en lugar de iluminar el relato de Miller.

Esto también es cierto en cuanto a la actuación de Sher. El papel de Willy Loman es muy exigente, requiere gran variedad y sutileza por parte del actor. El requisito más importante, sin embargo, es que el actor debe ser Loman en lugar de interpretarlo; es necesario que haya una inmersión total en el personaje, y en las diferentes etapas del personaje. Debe ser posible ver al Loman que tanto fascinó e impresionó a sus hijos, el Loman que creyó en el Sueño y contrastarlo con el Loman que está siendo engullido, disminuido y destruido.

Sher ofrece una actuación irritable, vigorosa y erráticamente explosiva. Es impresionante de algunas maneras, especialmente en la claridad sobre las líneas de tiempo, pero nunca alcanza las grandes alturas que debería, ni las grandes profundidades. Puede que use la piel de Loman, pero nunca se adentra en ella. Hay demasiado “actuar”. Y, en última instancia, la incapacidad de Sher para transmitir el cansado y desesperado sentido de desperdicio y tontería con el que Loman ve su propia vida, socava la efectividad de la obra como una gran tragedia.

La escena donde Willy le pide a Howard un trabajo de un día en Nueva York no da escalofríos; debería hacerlo. La escena donde Willy rechaza la oferta de trabajo de Charley no es comprensible; debería serlo. La escena donde Biff descubre la infidelidad de Willy no es humillante ni debilitante; debería serlo. Las escenas donde Willy inspira a sus hijos no suenan verdaderas. Los contrastes entre el soñador motivado Willy y el atrapado, suicida no son lo suficientemente marcados.

Sher no recibe ayuda de Linda, interpretada por Harriet Walter, quien es resistente y tensa. Walter es una maravillosa actriz, pero su natural fuerza de espíritu y carácter es difícil de dominar. Linda es el epítome de la mujer pisoteada, ignorada, desestimada; Walter no se abandona a sí misma en el papel de alfombrilla doméstica. Parece demasiado como si pudiera golpear a Loman en la cara con una plancha, y uno se pregunta, a menudo, por qué le permite hablarle como lo hace.

Hay mucho más en Biff de lo que desentierra Alex Hassell en esta producción. Sí, está en excelente forma física, pero hay muy poco sentido del espíritu del hijo problemático que anhela el aire libre como una forma de escapar de los confines del falso mundo de su padre. Ni siquiera llegamos a ver que es Biff, solo en la familia, quien enfrenta la realidad, sin importarle el costo. Dicho esto, la relación de Hassell con Happy, interpretado por Sam Marks, es muy convincente y Marks se acerca más al corazón de su personaje que los otros en el cuarteto familiar. Es particularmente bueno en modo de cachorrito en las secuencias de “niños” y muestra que la mano de su padre está firmemente sobre él en la escena donde él y Biff cenan con su padre.

La fuerza de las interpretaciones centrales se puede juzgar más claramente contra los simplemente hermosos y perfectos giros de Joshua Richards como Charley, Brodie Ross como Bernard y, especialmente, Sarah Parks como La Mujer. Cada uno de estos tres habita completamente sus personajes, haciéndolos verdaderos, completos y maravillosamente resonantes. Richards es magnífico en la escena donde intenta salvar a Willy ofreciéndole un trabajo – cada palabra, cada inflexión es absolutamente perfecta. También es cautivador en el cuadro final del funeral. Ross es maravillosamente nerd y servil como el chico brillante que adora a Biff y quiere ser amigo; más tarde, como hombre adulto, llega a encarnar los sueños que Willy tenía para Biff y, al hacerlo, sostiene un espejo metafórico frente al rostro de Willy y cuestiona dónde se equivocó como padre, inspirador y patriarca.

Parks es un triunfo de incomprensión y humillación como la amante secreta de Willy que él descarta como basura cuando Biff llega inesperadamente; de hecho, el recuerdo perdurable que tengo de esta producción es la mirada aturdida de miedo, incredulidad y repulsión que Parks ofrece mientras retrocede hacia la oscuridad, vestida con su enagua y aferrando su ropa. Ella es perfecta. (También habría sido una Linda ideal).

Ojalá la profundidad de compromiso y sentimiento que Parks, Ross y Richards exhiben aquí se hubiera extendido a toda la compañía y, especialmente, al cuarteto principal. Tobias Beer desaprovecha la gran escena donde Howard le saca la alfombra bajo los pies a Willy y Guy Paul es indiferente como el tío Ben, un personaje que debería ser extremadamente carismático y proporcionar una indicación de dónde provienen los sueños de Willy.

Típico de Doran, esta es una producción muy lúcida, no menos porque la iluminación de Tim Mitchell va a extremos exquisitos para crear una sensación de coexistencia de pensamientos y recuerdos que define las percepciones de Willy. La historia se cuenta con claridad. Pero el fracaso de los actores principales para verdaderamente convertirse en los personajes que están interpretando, significa que, en última instancia, se pierde mucho; las posibilidades que ofrece la obra de Miller para la autorreflexión y enfrentar verdades sobre las presiones de la sociedad no se realizan. Aunque se ve magnífica, es engañosamente poco envolvente.

Es difícil prestar atención cuando se está constantemente esperando que aparezcan los Jets.

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