CRITIQUE : Mort d'un commis voyageur, Théâtre Royal Shakespeare ✭✭✭

Mort d'un commis voyageur

Théâtre Royal Shakespeare

18 avril 2015

3 étoiles

Mort d'un commis voyageur a maintenant été transféré au Théâtre Noel Coward où il est en représentation jusqu'au 18 juillet 2015.

« Pardonne-moi, chéri. Je ne peux pas pleurer. Je ne sais pas ce que c'est, mais je ne peux pas pleurer. »

Ce sont parmi les dernières répliques prononcées par Linda, interprétée par Harriet Walters, dans la reprise par Gregory Doran de la pièce d'Arthur Miller, Mort d'un commis voyageur, qui se joue actuellement au Théâtre Royal Shakespeare à Stratford Upon Avon, avant un transfert dans le West End.

Elles sont presque aptes à décrire sa propre réaction face à cette reprise.

Doran, directeur artistique de la Royal Shakespeare Company, donne son avis dans le programme de sa production :

"C'est, sans aucun doute à mon avis, la plus grande pièce américaine du 20e siècle et elle prend sa place légitime, aux côtés de Shakespeare, sur notre scène principale pour marquer le centenaire de la naissance d'Arthur Miller."

Laissant de côté la question de savoir quelle est la plus grande pièce américaine du 20e siècle, il reste à voir pourquoi, quelle que soit cette pièce, elle devrait ou pourrait avoir sa "place légitime" aux côtés de Shakespeare sur la scène principale du RSC. Une fois que l'on commence ce jeu, où s'arrête-t-on ? La meilleure pièce américaine de chaque siècle ? La meilleure pièce anglaise, française ou russe de n'importe quel siècle ? Pourquoi tout ce qui n'est pas écrit par Shakespeare a-t-il une "place légitime" sur une scène du RSC ?

Pourquoi le RST ? Pourquoi pas le Théâtre du Cygne, où, franchement, l'intimité de Mort d'un commis voyageur serait mieux servie ? À une époque où Doran a décidé, parfaitement sensément, que Shakespeare ne sera pas joué au Cygne jusqu'à ce que toutes les pièces du canon aient été présentées au RST, pourquoi mettre en scène Mort d'un commis voyageur là-bas ?

Ivo Van Hove a récemment démontré pourquoi on pourrait penser que Vue du pont est une meilleure pièce de Miller que Mort d'un commis voyageur, et The Crucible de l'Old Vic a offert un argument similaire. Il existe des pièces de Tennessee Williams, Edward Albee et John Steinbeck qui pourraient facilement prétendre au titre de meilleure pièce américaine du 20e siècle.

Quelle que soit l'analyse, mettre en scène Mort d'un commis voyageur sur la scène principale à Stratford était une décision risquée. Pourtant, cette production est de loin la pire que Doran ait dirigée pour le RSC au cours des 8 dernières années. Vraiment. Et bien que les lacunes d'Antony Sher soient au centre de cet échec, elles ne sont pas les seules responsables.

Quelle que soit la façon dont on le regarde, la pièce de Miller, bien que profondément ancrée dans les dures réalités, est lyrique, hantée et impressionniste - elle dépend de l'imagination, des rêves, des ombres, des souvenirs et des illusions. Le décor de Stephen Brimson Lewis, bien que pas si solide pour être réaliste à la cuisine, est suffisamment solide pour créer un sentiment de permanence plutôt que de transience. Il est aussi astucieux, avec des plateformes qui montent et descendent, et, surtout, il situe principalement l'action bien en arrière de la scène, loin du public, loin de la possibilité d'intimité, de pensée ou d'expérience.

Mon esprit brillant a noté, à juste titre, que le décor aurait pu être pour une production de West Side Story. Il y avait d'énormes panneaux translucides de chaque côté de l'arrière de la scène suggérant des immeubles typiques de New York et devant cela se trouvait une vue sectionnelle de la maison Loman, complète avec porche, cuisine, chambre principale, une vue partielle de la salle de bain et un étage supérieur où se trouve la chambre que Biff et Happy partagent. Devant le domicile des Loman s'étendait une scène, à l'extrémité avant de laquelle des plateformes élévatrices amenaient une chambre d'hôtel, un potager, et enfin, une tombe.

L'éclairage par Tim Mitchell renforçait une ambiance de film noir pour les événements; une sensation augmentée et soulignée par la musique très forte et assez discordante de l'après-guerre jouée en direct par une troupe de musiciens doués. Ensemble avec l'utilisation de couleurs fortes dans les costumes, l'attente générale créée par les aspects visuels de la production est proche d'un film Technicolor ancien : quelque chose d'exotique, tape-à-l'œil, attrayant. Cela ne semble pas être le cadre d'une tragédie sur des vies gâchées, des rêves brisés et la réalité sordide du rêve américain.

Accentuer la sensation d'altérité est le style très maniéré du jeu des acteurs. La plupart des performances sont nettes, précises, une série de scènes individuelles plutôt qu'une caractérisation complexe et intégrée. Les accents sont parfaits, plus importants, semble-t-il, que les mots eux-mêmes, leur sens ou leur résonance. Il y a un sens tangible d'irréalité, de déconnexion, d'observation accrue.

Le résultat est que l'impression générale est que l'on assiste à une comédie musicale, voire un ballet (particulièrement dans les séquences de souvenirs où Biff et Happy sont enfants), mais sans musique. Cela peut être entièrement délibéré : créer une tapisserie visuelle et sonore, qui émane de l'Amérique, mais qui ne tient pas ses promesses, pour contraster avec ou renforcer le triste sort de Willy Loman. Si tel est le cas, cela ne réussit pas.

Il pourrait être vrai que le décor fournit un rappel constant des perceptions changeantes, de l'écrasement du foyer des Loman par la communauté environnante, et un sentiment général d'oppression sociétale. Mais, de même, le décor distrait, détournant l'attention des détails des aspirations et des échecs de la famille Loman. La manière de la présentation ici, bien qu'indubitablement impressionnante, oblitère plutôt qu'illumine le récit de Miller.

C'est vrai aussi pour la performance de Sher. Le rôle de Willy Loman est très exigeant, nécessitant une grande amplitude et subtilité de la part de l'acteur. Le plus grand besoin, cependant, est pour l'acteur de être Loman plutôt que de le jouer; il doit y avoir une immersion totale dans le personnage, et les différentes étapes du personnage. Il doit être possible de voir le Loman qui a tant captivé et impressionné ses fils, le Loman qui croyait au Rêve et de le contraster avec le Loman qui est submergé, diminué, détruit.

Sher offre une performance piquante, vigoureuse, erratiquement explosive. C'est impressionnant à certains égards, notamment dans la clarté des lignes de temps, mais cela n'atteint jamais les grands sommets qu'il devrait, ou les grands bas. Il pourrait porter la peau de Loman mais il ne l'habite jamais véritablement. Il y a trop de “jeu d'acteur”. Et, finalement, l'incapacité de Sher à transmettre la sensation usée, désespérée de gaspillage et de bêtise qui est la façon dont Loman perçoit sa propre vie, mine l'efficacité de la pièce en tant que grande tragédie.

La scène où Willy demande à Howard un emploi de jour à New York n'est pas à vous faire frémir; elle devrait l'être. La scène où Willy refuse l'offre d'emploi de Charley n'est pas compréhensible; elle devrait l'être. La scène où Biff découvre l'infidélité de Willy n'est ni humiliante ni débilitante; elle devrait l'être. Les scènes où Willy inspire ses fils ne sonnent pas vrai. Les contrastes entre le Willy, rêveur et motivé, et le Willy, piégé et suicidaire, ne sont pas assez marqués.

Sher n'est pas assisté par la Linda dure et tendue de Harriet Walter. Walter est une merveilleuse actrice mais sa force naturelle d'esprit et de caractère est difficile à réprimer. Linda est l'incarnation de l'opprimée, ignorée, méprisée ; Walter ne se perd pas dans le rôle du paillasson domestique. Elle semble trop prête à gifler Loman en plein visage avec un fer à repasser, et on se demande souvent pourquoi elle le laisse lui parler comme il le fait.

Il y a beaucoup plus à Biff qu'Alex Hassell ne dévoile dans cette production. Oui, il est en excellente forme physique, mais on ressent peu l'âme du fils troublé qui aspire au grand air comme moyen d'échapper aux limites du faux monde de son père. Ni ne voyons-nous réellement qu'il est Biff, seul dans la famille, qui fait face à la réalité, quel qu'en soit le coût. Cela dit, la relation de Hassell avec Happy de Sam Marks est très convaincante et Marks s'approche le plus de l'essence de son personnage par rapport aux autres du quatuor familial. Il est particulièrement bon en mode chien-chien dans les séquences des “garçons” et montre que la main de son père est fermement posée sur lui dans la scène où lui et Biff dînent avec leur père.

La force des performances centrales peut être jugée des prestations tout simplement magnifiques et parfaitement dosées de Joshua Richards dans le rôle de Charley, Brodie Ross dans celui de Bernard et, surtout, Sarah Parks dans celui de La Femme. Chacun de ces trois personnages habite complètement ses rôles, les rendant vrais, entiers et merveilleusement résonnants. Richards est magnifique dans la scène où il tente de sauver Willy en lui donnant un emploi – chaque mot, chaque inflexion sont absolument parfaits. Il est également captivant dans le tableau final funéraire. Ross est merveilleusement ringard et sycophante en tant que garçon brillant qui adore Biff et veut être ami; plus tard, en tant qu'homme adulte, il incarne les rêves que Willy avait pour Biff et, par là même, tient un miroir métaphorique au visage de Willy et remet en question où il a échoué en tant que père, inspirateur et patriarche.

Parks est un triomphe d'incompréhension et d'humiliation en tant qu'amant secrète de Willy qu'il jette comme des ordures lorsque Biff arrive soudain de manière inattendue; en effet, le souvenir le plus durable que j'ai de cette production est le regard stupéfait de peur, d'incrédulité et de dégoût que Parks lance en reculant dans l'obscurité, en portant sa combinaison et en serrant ses vêtements. Elle est parfaite. (Elle aurait fait une Linda idéale aussi).

Il aurait fallu que la profondeur d'engagement et de sentiment que Parks, Ross et Richards exhibent ici soit étendue à l'ensemble de la troupe et, en particulier, au quatuor de tête. Tobias Beer gâche la grande scène où Howard retire le tapis sous les pieds de Willy et Guy Paul est terne en Oncle Ben, un personnage qui devrait être extraordinairement charismatique et donner une indication de l'origine des rêves de Willy.

Typique de Doran, il s'agit d'une production très lumineuse, notamment parce que l'éclairage de Tim Mitchell va à des longueurs exquises pour créer un sentiment de la co-existence des pensées et des souvenirs qui définissent les perceptions de Willy. L'histoire est très claire, mais le fait que les performances centrales ne soient pas à la hauteur signifie qu'en fin de compte, beaucoup est perdu; les possibilités que la pièce de Miller offre pour une introspection et une confrontation avec les vérités sur les pressions de la société ne sont pas réalisées. Bien qu'elle soit visuellement superbe, elle est trompeusement non engageante.

Il est difficile de prêter attention quand on attend constamment l'apparition des Jets.

RÉSERVEZ VOS BILLETS POUR MORT D'UN COMMIS VOYAGEUR AU THÉÂTRE NOEL COWARD