CRITIQUE : Mort d'un commis voyageur, Théâtre Royal Shakespeare ✭✭✭

La Mort d'un Commis Voyageur

Théâtre Royal Shakespeare

18 avril 2015

3 Étoiles

La Mort d'un Commis Voyageur a maintenant été transférée au Théâtre Noel Coward où elle est jouée jusqu'au 18 juillet 2015.

« Pardonne-moi, mon chéri. Je ne peux pas pleurer. Je ne sais pas ce que c'est, mais je ne peux pas pleurer. »

Voici parmi les dernières lignes prononcées par Linda de Harriet Walter dans la reprise par Gregory Doran de la pièce d'Arthur Miller, La Mort d'un Commis Voyageur, qui est actuellement jouée au Théâtre Royal Shakespeare à Stratford-upon-Avon, avant un transfert à West End.

Ils sont presque aptes à décrire sa propre réaction à la reprise elle-même.

Doran, Directeur Artistique de la Royal Shakespeare Company, exprime ainsi son opinion dans le programme de sa production :

« C'est, sans aucun doute dans mon esprit, la plus grande pièce américaine du 20ème siècle et elle prend sa place légitime, aux côtés de Shakespeare, sur notre scène principale pour marquer le centenaire de la naissance d'Arthur Miller. »

En laissant de côté la question de ce qu'est la plus grande pièce américaine du 20ème siècle, il reste incertain pourquoi, quelle que soit cette pièce, elle devrait avoir ou prendre sa « place légitime » aux côtés de Shakespeare sur la scène principale de la RSC. Une fois que vous commencez ce jeu, où vous arrêtez-vous ? La meilleure pièce américaine de chaque siècle ? La meilleure pièce anglaise, française ou russe de tout siècle ? Pourquoi tout ce qui n'est pas écrit par Shakespeare aurait une place « légitime » sur une scène de la RSC ?

Pourquoi le RST ? Pourquoi pas le Swan Theatre, où, franchement, l'intimité de La Mort d'un Commis Voyageur serait mieux servie ? À une époque où Doran a décidé, très judicieusement, que Shakespeare ne jouerait pas au Swan jusqu'à ce que toutes les pièces du canon aient été présentées au RST, pourquoi mettre en scène La Mort d'un Commis Voyageur là-bas ?

Ivo Van Hove a récemment démontré pourquoi il pourrait être pensé qu'Une Vue de Pont est une meilleure pièce de Miller que La Mort d'un Commis Voyageur, et la récente Crucible du Old Vic offrait un argument similaire. Il existe des pièces de Tennessee Williams, Edward Albee et John Steinbeck qui pourraient facilement revendiquer le titre de meilleure pièce américaine du 20ème siècle.

Quel que soit votre point de vue, mettre en scène La Mort d'un Commis Voyageur sur la scène principale à Stratford était une décision risquée. Pourtant, cette production est facilement la pire production que Doran ait dirigée pour la RSC au cours des 8 dernières années. Facilement. Et bien que les lacunes d'Antony Sher soient au cœur de cet échec, elles ne sont pas entièrement responsables.

Quoi qu'il en soit, la pièce de Miller, bien qu'imprégnée de dures réalités, est lyrique, envoûtante et impressionniste - elle dépend de l'imagination, des rêves, des ombres, des souvenirs et des illusions. Le décor de Stephen Brimson Lewis, bien que pas si solide à être réaliste de l'évier de cuisine, est suffisamment solide pour créer un sens de la permanence plutôt que de la transience. Il est trompeur, aussi, avec des plateformes qui montent et descendent, et, de manière cruciale, il maintient principalement l'action bien en arrière sur la scène, loin du public, loin de la possibilité d'intimité soit de pensée soit d'expérience.

Mon compagnon spirituel a remarqué, à juste titre, que le décor aurait pu être pour une production de West Side Story. Il y avait de grands panneaux translucides de chaque côté à l'arrière de la scène suggérant des immeubles typiques de New York et devant ceux-ci se trouvait une vue sectionnelle de la maison des Loman, avec porche, cuisine, chambre principale, une vue partielle de la salle de bain et un niveau supérieur où se trouve la chambre que Biff et Happy partagent. Devant la demeure des Loman s'étendait une étendue de scène, à l'extrême avant de laquelle des plateformes élévatrices ont amené une chambre d'hôtel, un potager et, finalement, une tombe.

L'éclairage par Tim Mitchell renforça une ambiance de film noir à la procédure; une sensation augmentée et accentuée par la musique très forte, et assez discordante, jouée en direct par une troupe de musiciens talentueux après la Seconde Guerre mondiale. Auquel s'ajoute l'utilisation de couleurs fortes dans les costumes, l'attente générale créée par les aspects visuels de la production ressemble à un film ancien en Technicolor : quelque chose d'exotique, de criard, d'attrayant. Cela ne semble pas être le décor d'une tragédie sur les vies gâchées, les rêves écrasés et la réalité sordide du rêve américain.

Renforcer la sensation d'altérité est le style très conventionnel du jeu. La plupart des performances sont hachées, précises, une série de scènes individuelles plutôt qu'une caractérisation complexe et intégrée. Les accents sont précis, plus importants, apparemment, que les mots eux-mêmes, leur signification ou leurs résonances. Il y a un sens tangible d'irréalité, de déconnexion, d'observation amplifiée.

Le résultat est que l'impression générale est que l'on expérimente une comédie musicale, voire un ballet (particulièrement dans les séquences mémoire où Biff et Happy sont des enfants), mais sans musique. Cela peut être totalement délibéré : créer une tapisserie visuelle et auditive, qui sent l'Amérique, mais qui ne tient pas ses promesses, pour compenser ou accentuer la triste situation de Willy Loman. Si c'est le cas, cela ne réussit pas.

Il pourrait être vrai que le décor offre un rappel constant des perceptions changeantes, le fait que la maison des Loman est écrasée par la communauté qui l'entoure, et un sentiment général d'oppression sociétale. Mais, également, le décor distrait, détournant l'attention des spécificités des aspirations et des échecs de la famille Loman. La manière de présentation ici, bien qu'indéniablement impressionnante, obfuse plutôt qu'elle n'illumine le récit de Miller.

Cela est également vrai de la performance de Sher. Le rôle de Willy Loman est très exigeant, nécessitant une grande amplitude et subtilité de l'acteur. La plus grande exigence, toutefois, est que l'acteur soit Loman plutôt que de le jouer; il doit y avoir une immersion totale dans le personnage, et les différentes étapes du personnage. Il doit être possible de voir le Loman qui a tant captivé et impressionné ses fils, le Loman qui croyait au Rêve et de le contraster avec le Loman qui est englouti, diminué, détruit.

Sher donne une performance piquante, vigoureuse, erratiquement explosive. Elle est impressionnante à certains égards, notamment dans la clarté concernant les chronologies, mais elle n'atteint jamais les grandes hauteurs qu'elle devrait, ni les grands bas. Il pourrait porter la peau de Loman mais il ne pénètre jamais en dessous. Il y a trop de « jeu ». Et, finalement, l'incapacité de Sher à transmettre le sentiment de lassitude, de désespoir et de déchet que la façon dont Loman voit sa propre vie sape l'efficacité de la pièce en tant que grande tragédie.

La scène où Willy demande à Howard un emploi de jour à New York ne fait pas grimper la peau; elle devrait. La scène où Willy refuse l'offre d'emploi de Charley n'est pas compréhensible; elle devrait. La scène où Biff découvre l'infidélité de Willy n'est ni humiliante ni débilitante; elle devrait. Les scènes où Willy inspire ses garçons ne sonnent pas vrai. Les contrastes entre le rêveur motivé Willy et celui piégé, suicidaire ne sont pas assez nets.

Sher n'est pas aidé par la Linda dure et tendue de Harriet Walter. Walter est une merveilleuse actrice mais sa force naturelle d'esprit et de caractère est difficile à subjuguer. Linda est l'incarnation de la femme opprimée, ignorée, méprisée; Walter ne se perd pas dans le rôle du paillasson domestique. Elle semble trop qu'elle pourrait frapper Loman au visage avec un fer et on se demande souvent pourquoi elle le laisse lui parler comme elle le fait.

Il y a beaucoup plus à Biff qu'Alex Hassell découvre dans cette production. Oui, il est en excellente condition physique, mais il y a peu de sens de l'esprit du fils troublé qui aspire au grand air comme moyen d'échapper aux limites du monde faux de son père. Nous ne voyons jamais vraiment que c'est Biff, seul dans la famille, qui fait face à la réalité, peu importe le coût. Cela dit, la relation de Hassell avec Sam Marks' Happy est très convaincante et Marks s'approche le plus près de l'essence de son personnage que les autres dans le quatuor familial ne le font. Il est particulièrement bon en mode chiot dans les séquences « garçons » et montre que la main de son père est fermement sur lui dans la scène où il et Biff dînent avec leur père.

La force des performances centrales peut être jugée le plus clairement par rapport aux tours tout simplement magnifiques et parfaits de Joshua Richards en tant que Charley, Brodie Ross en tant que Bernard et, surtout, Sarah Parks en tant que La Femme. Chacun de ces trois habite complètement leurs personnages, les rendant vrais, complets et merveilleusement résonnants. Richards est magnifique dans la scène où il essaie de sauver Willy en lui donnant un emploi - chaque mot, chaque inflexion parfaitement réalisés. Il est également captivant dans le tableau funèbre final. Ross est merveilleusement nerd et servile en tant que garçon brillant qui adore Biff et veut être ami; plus tard, en tant que homme adulte, il incarne les rêves que Willy avait pour Biff et, ce faisant, tient un miroir métaphorique au visage de Willy et questionne où il a échoué en tant que père, inspirateur et patriarche.

Parks est un triomphe d'incompréhension et d'humiliation en tant que maîtresse secrète de Willy qu'il jette comme des déchets lorsque Biff arrive soudainement à l'improviste; en effet, le souvenir durable que j'ai de cette production est le regard hébété de peur, d'incrédulité et de dégoût que Parks offre en reculant dans l'obscurité, portant son jupon et serrant ses vêtements. Elle est la perfection. (Elle aurait fait une Linda idéale aussi).

Que la profondeur d'engagement et de sentiment que Parks, Ross et Richards exhibent ici se soient étendues à toute la compagnie et, surtout, au quatuor principal. Tobias Beer gaspille la grande scène où Howard retire le tapis sous les pieds de Willy et Guy Paul est terne en tant qu'Oncle Ben, un personnage qui devrait être violemment charismatique et fournir une indication de l'origine des rêves de Willy.

Typiquement de Doran, c'est une production très lucide, pas le moins parce que l'éclairage de Tim Mitchell va à des longueurs exquises pour créer un sens de la coexistence des pensées et des souvenirs qui définissent les perceptions de Willy. L'histoire est racontée avec clarté. Mais l'échec des acteurs principaux à vraiment devenir les personnages qu'ils jouent signifie qu'en fin de compte beaucoup est perdu; les possibilités que la pièce de Miller offre pour la réflexion sur soi et la confrontation aux vérités sur les pressions de la société ne sont pas réalisées. Bien qu'elle soit belle, elle est trompeusement non impliquante.

Il est difficile de prêter attention lorsque vous attendez constamment l'apparition des Jets.

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