RECENSIONE: Morte di un commesso viaggiatore, Royal Shakespeare Theatre ✭✭✭

Morte di un commesso viaggiatore

Royal Shakespeare Theatre

18 aprile 2015

3 Stelle

Morte di un commesso viaggiatore si è ora trasferito al Noel Coward Theatre, dove sarà in scena fino al 18 luglio 2015.

“Perdonami, caro. Non riesco a piangere. Non so cosa sia, ma non riesco a piangere.”

Queste sono tra le ultime battute pronunciate da Linda, interpretata da Harriet Walters, nel revival di Gregory Doran dell'opera di Arthur Miller, Morte di un commesso viaggiatore, attualmente in scena al Royal Shakespeare Theatre a Stratford Upon Avon, prima di un trasferimento nel West End.

Queste potrebbero quasi descrivere la propria reazione al revival stesso.

Doran, Direttore Artistico della Royal Shakespeare Company, esprime così la sua opinione nel programma della sua produzione:

"Questa è, senza dubbio per me, la più grande opera americana del 20esimo secolo e occupa il suo giusto posto, accanto a Shakespeare, sulla nostra scena principale per celebrare il centenario della nascita di Arthur Miller."

Tralasciando la questione di quale sia la più grande opera americana del 20esimo secolo, non è chiaro perché, qualunque sia quell'opera, debba avere o prendere "il suo giusto posto" accanto a Shakespeare sul palcoscenico principale della RSC. Iniziando quel gioco, dove ci si ferma? La migliore opera americana di ogni secolo? La migliore opera inglese, francese o russa di qualsiasi secolo? Perché qualcosa che non sia stato scritto da Shakespeare ha un "giusto" posto su un palco della RSC?

Perché l'RST? Perché non lo Swan Theatre, dove, francamente, l'intimità di Morte di un commesso viaggiatore sarebbe meglio servita? In un'epoca in cui Doran ha deciso, in modo perfettamente sensato, che Shakespeare non giocherà nello Swan finché tutte le opere del canone non saranno apparse all'RST, perché mettere in scena Morte di un commesso viaggiatore lì?

Ivo Van Hove ha appena dimostrato perché si potrebbe pensare che Uno sguardo dal ponte sia un'opera migliore di Miller rispetto a Morte di un commesso viaggiatore, e il recente Il crogiuolo dell'Old Vic ha fornito un argomento simile. Ci sono opere di Tennessee Williams, Edward Albee e John Steinbeck che potrebbero facilmente rivendicare il titolo di migliore opera americana del 20esimo secolo.

In ogni caso, mettere in scena Morte di un commesso viaggiatore sulla scena principale a Stratford è stata una decisione rischiosa. Eppure, questa produzione è facilmente la peggiore che Doran abbia diretto per la RSC negli ultimi 8 anni. Facile. E mentre le carenze di Antony Sher sono centrali per quel fallimento, non sono solo loro le responsabili.

In qualsiasi modo la si guardi, l'opera di Miller, sebbene immersa in dure realtà, è lirica, ossessionante e impressionistica - dipende dall'immaginazione, sogni, ombre, ricordi e illusioni. La scenografia di Stephen Brimson Lewis, pur non essendo così solida da essere realistica come un lavandino da cucina, è abbastanza solida da creare un senso di permanenza piuttosto che di transitorietà. È anche ingannevole, con piattaforme che si alzano e si abbassano e, critico, mantiene principalmente l'azione ben indietro sul palcoscenico, lontano dal pubblico, lontano dalla possibilità di intimità sia di pensiero che di esperienza.

Il mio arguto compagno ha notato, correttamente, che il set avrebbe potuto essere per una produzione di West Side Story. C'erano enormi pannelli traslucidi ai lati del retro del palcoscenico che suggerivano tipiche case popolari di New York e di fronte a loro c'era una vista sezionale della casa dei Loman, completa di portico, cucina, camera da letto principale, una vista parziale del bagno e un livello superiore dove si trova la stanza che Biff e Happy condividono. Davanti all'abitazione dei Loman si estendeva un'ampia area del palco, all'estremità anteriore della quale piattaforme elevabili portavano una camera d'albergo, un orto e, infine, una tomba.

L'illuminazione di Tim Mitchell ha rafforzato un'atmosfera da film noir agli eventi; un sentimento aumentato ed enfatizzato dalla musica postbellica molto forte e piuttosto stridente, suonata dal vivo da un talentuoso gruppo di musicisti. Insieme all'uso di colori forti nei costumi, le aspettative complessive create dagli aspetti visivi della produzione sono simili a un primo film a colori Technicolor: qualcosa di esotico, sgargiante, avvincente. Non sembra l'ambientazione di una tragedia su vite sprecate, sogni infranti e la sordida realtà del Sogno Americano.

Completando la sensazione di estraneità è lo stile molto manierato della recitazione. La maggior parte delle interpretazioni sono incise, precise, una serie di scene individuali piuttosto che una complessa caratterizzazione integrata. Gli accenti sono esatti, più importanti, apparentemente, delle parole stesse, del loro significato o delle loro risonanze. C'è una sensazione tangibile di irrealtà, disconnessione, osservazione acuita.

Il risultato è che l'impressione generale è di sperimentare un musical, persino un balletto (particolarmente nelle sequenze di memoria in cui Biff e Happy sono bambini), ma senza musica. Questo potrebbe essere interamente deliberato: creare un arazzo visivo e sonoro, che emana America, ma che non realizza la sua promessa, per contrastare o migliorare la triste situazione di Willy Loman. Se è così, non riesce.

Potrebbe essere vero che il set fornisce un costante promemoria di percezioni mutevoli, la prevaricazione della famiglia Loman dalla comunità intorno a essa, e un senso generale di oppressione sociale. Ma, allo stesso modo, il set distrae, allontanando l'attenzione dai dettagli delle aspirazioni e dei fallimenti della famiglia Loman. Il modo di presentazione qui, sebbene indubbiamente impressionante, oscura piuttosto che illumina la narrativa di Miller.

Questo è vero anche per la performance di Sher. Il ruolo di Willy Loman è molto esigente, richiede grande estensione e sottigliezza dall'attore. La singola più grande richiesta è che l'attore sia Loman piuttosto che interpretarlo; deve esserci un'immersione totale nel personaggio e nei diversi stadi del personaggio. Deve essere possibile vedere il Loman che ha incantato e impressionato i suoi figli, il Loman che credeva nel Sogno e contrapporre ciò al Loman che è sopraffatto, diminuito, distrutto.

Sher offre una performance spigolosa, vigorosa, esplosivamente irregolare. In qualche modo è impressionante, particolarmente nella chiarezza sui cronologie, ma non raggiunge mai le grandi altezze che dovrebbe, né le grandi profondità. Potrebbe indossare la pelle di Loman, ma non ci entra mai dentro. C'è troppo "recitare". E, in ultima analisi, l'incapacità di Sher di trasmettere il senso stanco, disperato di spreco e follia che Loman percepisce nella sua stessa vita, compromette l'efficacia dell'opera come grande tragedia.

La scena in cui Willy chiede a Howard un lavoro diurno a New York non provoca brividi sulla pelle; dovrebbe farlo. La scena in cui Willy rifiuta l'offerta di lavoro di Charley non è comprensibile; dovrebbe esserlo. La scena in cui Biff scopre l'infedeltà di Willy non è umiliante né debilitante; dovrebbe esserlo. Le scene in cui Willy è ispiratore per i suoi ragazzi non suonano sincere. I contrasti tra il Willy sognatore motivato e quello intrappolato e suicida non sono abbastanza netti.

Sher non è assistito dalla Linda dura e tesa di Harriet Walter. Walter è una meravigliosa attrice, ma la sua naturale forza di spirito e carattere è difficile da reprimere. Linda è l'epitome dell'essere schiacciata, ignorata, trascurata; Walter non si perde nel ruolo di zerbino domestico. Sembra troppo che potrebbe colpire Loman in faccia con un ferro da stiro e ci si chiede, spesso, perché lo lasci parlarle nel modo in cui lo fa.

C'è molto di più in Biff di quanto Alex Hassell scopra in questa produzione. Sì, è in eccellenti condizioni fisiche, ma c'è poco senso dello spirito del figlio problematico che anela alla grande vita all'aperto come un modo per sfuggire ai confini del falso mondo di suo padre. Né veniamo realmente a vedere che è Biff, solo nella famiglia, che affronta la realtà, a qualsiasi costo. Detto ciò, la relazione di Hassell con Sam Marks’ Happy è molto convincente e Marks si avvicina più degli altri nell'intimo della sua caratterizzazione. È particolarmente bravo in modalità cucciolo nelle sequenze “ragazzi” e mostra che la mano di suo padre è saldamente su di lui nella scena in cui lui e Biff cenano con il loro padre.

La forza delle performance centrali può essere giudicata più chiaramente rispetto alle semplicemente bellissime, impeccabili esibizioni di Joshua Richards come Charley, Brodie Ross come Bernard e, soprattutto, Sarah Parks come La Donna. Ognuno di questi tre abita completamente i loro personaggi, rendendoli veri, integrali e meravigliosamente risonanti. Richards è magnifico nella scena in cui cerca di salvare Willy offrendogli un lavoro – ogni parola, ogni inflessione assolutamente perfetta. È anche avvincente nel tableau funebre finale. Ross è meravigliosamente nerd e servile come il ragazzo brillante che adora Biff e vuole essere suo amico; più tardi, come uomo adulto, arriva a incarnare i sogni che Willy aveva per Biff e, così facendo, tiene uno specchio metaforico al volto di Willy e si chiede dove abbia sbagliato come padre, ispiratore e patriarca.

Parks è un trionfo di incomprensione e di umiliazione come l'amante segreta di Willy che lui scarta come spazzatura quando Biff arriva all'improvviso senza preavviso; infatti, il ricordo duraturo che ho da questa produzione è lo sguardo stordito di paura, incredulità e ripugnanza che Parks mostra mentre si allontana nel buio, indossando il suo sottoveste e stringendo i suoi vestiti. È la perfezione. (Sarebbe stata anche un'ideale Linda).

Se solo la profondità dell'impegno e del sentimento che Parks, Ross e Richards mostrano qui si fosse estesa all'intera compagnia e, soprattutto, al quartetto principale. Tobias Beer spreca la grande scena in cui Howard toglie il tappeto da sotto i piedi di Willy e Guy Paul è fiacco come Zio Ben, un personaggio che dovrebbe essere selvaggiamente carismatico e fornire qualche indicazione di dove provengono i sogni di Willy.

Tipico di Doran, questa è una produzione molto lucida, non da ultimo perché l'illuminazione di Tim Mitchell va a lunghezze squisite per creare un senso della coesistenza di pensieri e ricordi che definisce le percezioni di Willy. La storia è raccontata con chiarezza. Ma il fallimento degli attori principali di diventare veramente i personaggi che stanno interpretando, significa che alla fine molto è perso; le possibilità che l'opera di Miller offre per l'autoreflection e per affrontare verità sulle pressioni della società non sono realizzate. Anche se appare grande, è ingannevolmente non coinvolgente.

È difficile prestare attenzione quando stai costantemente aspettando che arrivino gli Jets.

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