RECENSIONE: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 ottobre 2015

4 stelle

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L’importanza di una scenografia eccellente viene spesso sottovalutata, soprattutto negli spettacoli costruiti attorno alle star o in quelle esperienze teatrali in cui si dà per scontato che la motivazione a esserci sia diversa dalla semplice voglia di buon teatro. Ma, a volte, il progetto scenico diventa una componente così determinante del successo complessivo, che viene da chiedersi come si possano mettere in scena testi e musical senza la migliore, più rivelatrice scenografia possibile. Esempi recenti e un po’ casuali includono lo stupefacente impianto scenico di Bob Crowley per Skylight con Carey Mulligan e Bill Nighy, l’intelligente progetto di Justin Nardella per il debutto londinese di Casa Valentina e il delizioso lavoro di Robert Howell su Matilda.

È proprio questo il caso del notevole design di Beowulf Boritt per la produzione Roundabout di Thérèse Raquin, un nuovo adattamento di Helen Edmunson dal celebre romanzo di Émile Zola, attualmente in scena allo Studio 54 con la regia di Evan Cabnet. Il lavoro di Boritt è parte integrante della trama emotiva e drammatica dell’allestimento e, senza di esso, questa produzione rischierebbe di risultare fiacca e poco incisiva.

Qui Boritt usa lo spazio in modo sensazionale. A tratti si scopre l’intera estensione del palcoscenico—altezza, profondità e ampiezza in piena vista—che suggerisce, con gusto, la libertà del mondo. Il pavimento si spinge fino a metà della profondità del palco, dove incontra l’acqua che corre per tutta la sua lunghezza. L’acqua rappresenta fuga, natura, purificazione. La sua presenza costante è seducente e viene voglia di tuffarsi e nuotare.

Quattro alte colonne incorniciano un lato della scena e, con un’improbabile delicatezza, evocano costrizione, repressione, prigionia. Da una certa angolazione, il palcoscenico potrebbe essere una finestra sul mondo da una torre chiusa a chiave—un’astrazione, forse, del panorama che Raperonzolo potrebbe aver contemplato ogni giorno.

Le proiezioni cambiano di tanto in tanto il panorama. La più impressionante, e quasi soffocantemente travolgente, è una variazione sulle celebri Ninfee di Monet (beh, su una di esse). L’immagine è immediatamente riconoscibile; innegabilmente francese, emotiva, sensuale. Ma la palette è insolita—marroni e ori—come una versione seppia dell’opera di Monet a cui sia stata aggiunta una carica di colore potente. È di un’atmosfera inquietante.

Poi entra in scena la casa in cui vive Thérèse Raquin. Tutta buio, vecchio mondo stantio, angusta e ingombra, le due stanze che vediamo appaiono minuscole rispetto all’ampiezza dello spazio di libertà. I soffitti sono bassi: la sensazione di essere in gabbia, intrappolati o imprigionati, circondati dal decadimento, è tangibile; si ha quasi l’impressione che anche il proprio respiro si contragga, per timore di inalare la polvere del passato che in quelle stanze vortica con tanta facilità.

La scenografia di Boritt è così eloquente da risparmiare pagine di dialogo. Non c’è bisogno di insistere sulla situazione in cui si trova la protagonista all’inizio dell’azione. Basta vederla nel vasto spazio aperto e contrapporla alla tensione della casa angusta di Madame Raquin—una matriarca malevola e controllante come poche nella letteratura moderna—per definire con chiarezza la natura disperata della condizione di Thérèse.

Costretta a vivere con la zia e a lavorare nel suo negozio dopo la morte del padre, Thérèse è un ritratto di miseria. Vorrebbe fuggire dalla zia e dalle sue richieste meticolose e assaporare la vita, ma la povertà e la disapprovazione della società la tengono al suo posto. La zia riversa attenzioni e denaro sul figlio viziato, irritante e ipocondriaco, Camille, e alla fine il destino di Thérèse si compie: viene data in sposa a Camille, un’unione senza amore che porta infelicità a entrambi.

La ripetizione ottusa e la routine della sua esistenza, comprese le serate di carte ogni giovedì con gli amici un po’ pretenziosi di Madame, spingono Thérèse sull’orlo della sanità mentale. Poi incontra Laurent, un vecchio amico di Camille che ora lavora con lui alle Ferrovie. Laurent e Thérèse iniziano una relazione appassionata, entrambi disperatamente attratti l’uno dall’altra. Finché ha Laurent, Thérèse è viva, davvero, per la prima volta nella sua vita.

I loro incontri avvengono nella stanza di Thérèse ogni volta che Laurent riesce a sgattaiolare via dal lavoro in anticipo. Ma quando il suo capo gli impedisce di uscire prima, i due amanti sono disperati: devono trovare un modo per avere l’uno l’altra, per stare insieme. Spinti da un bisogno insaziabile, decidono di uccidere Camille per potersi sposare. Lo annegano, ma prima di morire Camille morde il collo di Laurent.

Mentre la ferita al collo va in infezione, allo stesso modo si deteriora il legame tra Laurent e Thérèse: entrambi sono perseguitati da ciò che hanno fatto a Camille. Colpa e paura trasformano la passione in una disarmonia pericolosa. Madame è colpita da un ictus e resta paralizzata quando sente i due discutere di quanto hanno fatto al suo amato Camille. Costretta su una sedia a rotelle, con quasi solo gli occhi a muoversi, gli sguardi vigili e consapevoli di Madame tengono Thérèse e Laurent su un precipizio affilato come una lama. La morte si rivela l’unica via di fuga che riescono ad accettare.

La regia di Cabnet, chiara e perspicace, funziona per lo più bene, con una marcata attenzione agli aspetti visivi che rendono l’allestimento speciale. Thérèse, sola su uno scoglio, che contempla la fuga; l’omicidio goffo, quasi maldestro, di Camille seguito dalle immagini degli amanti fradici, ansimanti sulla terraferma; la mano di Madame che entra lentamente nell’inquadratura proprio mentre l’ictus la abbatte; la sensazione inquieta che lo spirito di Camille abbia preso possesso della camera in cui Thérèse e Laurent lo hanno tradito. Usando il silenzio con la stessa espressività del suono, Cabnet guida una produzione ricchissima di dettagli e incredibilmente tesa da vivere.

L’unica vera mancanza è una percezione più netta della passione, dominata dal desiderio, tra Thérèse e Laurent. Considerato che il loro bisogno sessuale è così intenso da rendere l’omicidio più praticabile che rinunciare l’uno all’altra, Cabnet non fa un vero sforzo per trasmetterne la portata. Non ci sono scene in cui gli amanti si strappano i vestiti a vicenda, niente nudità, nessun senso di incontri carnali ripetuti e compulsivi: sì, la relazione c’è, ma è raccontata in modo fin troppo pudico, il che curiosamente indebolisce la forza della trama.

Sul cast non c’è nulla da eccepire. Judith Light è in forma smagliante nei panni della manipolatrice Madame, restituendo con precisione il veleno che cola da ogni suggerimento “premuroso” o sorriso d’assenso. Dopo l’ictus, la prova di Light è davvero ipnotica: è difficile non restare incollati al suo volto espressivo e agli occhi eloquenti che irradiano sentimenti ed emozioni. La scena in cui cerca di compitare, con un alfabeto, l’omicidio del figlio è assolutamente avvincente. Una prova straordinaria.

Gabriel Ebert è autenticamente agghiacciante come Camille, viscido e insopportabile. Ti fa venire i brividi—proprio come deve accadere a Thérèse. È affascinante da guardare perché, nonostante tutto ciò che nel personaggio è detestabile, Ebert lo gestisce in modo tale che, quando viene ucciso, risulta davvero scioccante e toccante. Così indelebile è l’idea di Camille che Ebert dipinge, che le sequenze spettrali risuonano di un potere insinuante.

Matt Ryan è estremamente attraente nei panni di Laurent, e non è difficile comprendere il desiderio travolgente di Thérèse. Non è solo la bellezza fisica di Ryan, ma il modo in cui rende il personaggio insinuante, seducente e leggermente, eccitante, pericoloso. È un’interpretazione splendidamente calibrata, molto maschile, che si pone in netto contrasto con il perfetto “cocco di mamma” di Ebert.

Ottimi anche Jeff Still e David Patrick Kelly. Kelly, in particolare, sfrutta al massimo una svolta drammatica chiave, creando un momento gelido di puro panico quando il segreto dell’omicidio di Camille sembra sul punto di essere scoperto.

Ma il peso maggiore dello spettacolo grava sulle spalle dell’attrice che interpreta Thérèse—qui Kiera Knightley—il cui debutto a Broadway arriva in ritardo dopo due apparizioni nel West End. L’esperienza cinematografica aiuta enormemente Knightley: sa far parlare un silenzioso sguardo e si trova a suo agio nel creare immagini di straordinaria potenza. È in silenzio per gran parte del testo, ma non per questo resta minimamente in secondo piano.

Sfrutta ogni occasione, che si tratti di camminare dietro a Camille in riva al mare, di fronteggiare Madame o di lasciarsi inebriare dalla presenza di Laurent. E quando parla, fa pesare ogni parola, donando bellezza lirica a molti passaggi e, ad altri, una paura stanca e umiliata. Il crollo finale di Thérèse è calibrato in modo impeccabile: davvero impressionante.

Jane Greenwood firma costumi eccezionali, per lo più nelle tonalità del nero, del grigio e del marrone, in sintonia con la palette della scena di Boritt. Chapeau a Keith Parham per un progetto luci straordinario, che vibra lungo l’intera scala emotiva mentre gli eventi si dispiegano: luce scura e fredda; luce calda, carica di desiderio; luce tiepida e soffocante; delicati raggi di libertà e il grigio che arriva quando tutto si fa cupo. È raro incontrare un disegno luci emotivamente “accordato” come questo. Un risultato di grande rilievo. Le composizioni originali di Josh Schmidt amplificano con efficacia l’impatto emotivo della produzione.

Zola ha scritto un magnifico thriller psicologico e l’adattamento di Edmundson è fedele alle sue intenzioni, tenero e terrificante in egual misura. Il cast di prim’ordine guidato da Cabnet lavora splendidamente, dando vita ai molti fili intrecciati e creando un’esperienza teatrale potente e piena. Servirebbe un accento maggiore sulla carnalità che spalanca la porta alla rovina per Thérèse e Laurent (e anche per Camille), ma con interpretazioni, scene, costumi e luci di questo livello, nessuno dovrebbe sentirsi defraudato.

Thérèse Raquin resta in scena allo Studio 54 fino al 3 gennaio 2016