CRITIQUE : Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 octobre 2015

4 étoiles

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L'importance d'un excellent design scénique est souvent négligée, en particulier dans les spectacles où l'intérêt réside davantage dans les acteurs vedettes ou les expériences théâtrales où la motivation pour assister est supposée être autre qu'une quête de satisfaction théâtrale. Mais, parfois, le design devient une composante critique du succès global de l'expérience théâtrale, au point de se demander comment des pièces et des comédies musicales peuvent être tentées sans le meilleur décor possible, vibrant de lumière. Des exemples récents incluent le décor saisissant de Bob Crowley pour Skylight avec Carey Mulligan et Bill Nighy, le design perspicace de Justin Nardella pour la première à Londres de Casa Valentina, et le travail délicieux de Robert Howell sur Matilda.

C'est le cas du remarquable design de Beowulf Boritt pour la production de Thérèse Raquin par le Roundabout, une nouvelle adaptation de Helen Edmunson basée sur le célèbre roman d'Émile Zola, actuellement jouée au Studio 54, sous la direction d'Evan Cabnet. Le design de Boritt fait partie intégrante du tissu émotionnel et dramatique de la production et, sans cela, cette production pourrait être terne et inefficace.

Boritt utilise l'espace de manière sensationnelle ici. Parfois, l'étendue complète de la scène est exposée, hauteur, profondeur et largeur en vue, signifiant, délicieusement, la liberté du monde. Le sol s'étend jusqu'à la moitié de la profondeur de la scène où il rencontre de l'eau qui coule sur toute la longueur de la scène. L'eau représente l'évasion, la nature, la purification. Sa présence constante est alléchante et on a envie de s'éclabousser et de nager.

Quatre hauts piliers encadrent un côté de la scène et, d'une manière inexplicablement délicate, suggèrent confinement, répression, emprisonnement. Vu d'une certaine manière, la scène pourrait être une fenêtre sur le monde depuis une tour verrouillée - un extrait abstrait, peut-être, du genre de vue que Raiponce aurait pu contempler quotidiennement.

Les projections changent la vue de temps en temps. La plus impressionnante, et presque suffocante d'immensité, est une variation sur le célèbre Nymphéas de Monet (enfin, l'un d'eux). L'image est instantanément reconnaissable ; indéniablement française, émotive, sensuelle. Mais la palette est inhabituelle - des bruns et des ors ; comme une image sépia de l'œuvre de Monet à laquelle des couleurs puissantes sont ajoutées. C'est obsédant d'atmosphère.

Ensuite, la maison où vit Thérèse Raquin est installée. Toute sombre, fusty du vieux monde, exiguë et encombrée, les deux pièces que nous voyons semblent très petites par rapport à la grandeur de l'espace de liberté. Les plafonds sont bas - le sentiment d'être en cage, piégé ou emprisonné, entouré de délabrement, est tangible ; vous ressentez presque votre propre souffle se restreindre, de peur d'inhaler la poussière du passé qui tournoie si librement dans ces pièces.

Le décor de Boritt est si éloquent que des pages de dialogue sont épargnées. Il n'est pas nécessaire d'insister sur la situation dans laquelle le personnage titulaire se trouve alors que l'action commence. Il suffit de la voir dans le vaste espace ouvert et de contraster cela avec la tension dans le foyer exigu de Madame Raquin, aussi controlling une matriarche malveillante qu'on puisse trouver dans la littérature moderne, établissant clairement la nature désespérée de la situation de Thérèse.

Forcée de vivre avec sa tante et de travailler dans sa boutique après la mort de son père, Thérèse est un tableau de misère. Elle veut fuir sa tante et ses exigences précises et faire l'expérience de la vie, mais la pauvreté et la désapprobation de la société la maintiennent à sa place. Sa tante lui prodigue attention et argent à son fils gâté, irritant et hypocondriaque, Camille, et finalement le destin de Thérèse est scellé : elle est mariée à Camille, une union sans amour qui apporte aux deux le malheur.

La répétition et le schéma sans fin de sa vie, y compris des nuits de cartes chaque jeudi avec les amis légèrement prétentieux de Madame, amènent Thérèse au bord de la raison. Puis elle rencontre Laurent, un vieil ami de Camille qui travaille désormais avec lui au chemin de fer. Laurent et Thérèse entament une liaison passionnée, désespérés l'un de l'autre. Tant qu'elle a Laurent, Thérèse est vivante, vraiment, pour la première fois de sa vie.

Leurs rendez-vous ont lieu dans la chambre de Thérèse chaque fois que Laurent peut quitter le travail tôt. Mais quand le directeur de Laurent lui interdit de partir tôt, les deux amants sont désespérés de trouver un moyen de s'avoir l'un l'autre, d'être ensemble. Poussés par leur besoin insatiable l'un de l'autre, ils conviennent d'assassiner Camille pour pouvoir se marier. Ils le noient, mais avant de mourir, Camille mord le cou de Laurent.

Alors que la plaie du cou s'infecte, le lien entre Laurent et Thérèse se dégrade, chacun étant hanté par ce qu'ils ont fait à Camille. La culpabilité et la peur transforment leur passion en une dangereuse discorde. Madame fait un AVC et se retrouve paralysée lorsqu'elle surprend la discussion des deux sur ce qu'ils ont fait à son cher Camille. Confinée à un fauteuil roulant, avec seulement vraiment ses yeux en mouvement, les regards vigilants et avertis de Madame maintiennent Thérèse et Laurent sur un précipice acéré. La mort s'avère être la seule échappatoire qu'ils peuvent accepter.

La direction claire et perspicace de Cabnet est solide pour la plupart, et il y a un accent sur les aspects visuels de la production qui en font quelque chose de spécial. Thérèse, seule sur un rocher, contemplant l'évasion ; le meurtre maladroit, presque inepte, de Camille suivi des images des amants trempés, à bout de souffle sur la terre ferme ; la main de Madame se glissant en vue, juste au moment où l'AVC la frappe ; le sentiment d'inquiétude de l'esprit de Camille ayant possédé la chambre où Thérèse et Laurent l'ont cocufié. Utilisant le silence aussi expressivement que le son, Cabnet préside une production riche en détails et incroyablement tendue à expérimenter.

La seule véritable omission est un sentiment plus clair de la passion imprégnée de luxure entre Thérèse et Laurent. Étant donné que leur besoin l'un de l'autre sexuellement est si intense que le meurtre est plus viable que de se passer l'un de l'autre, Cabnet ne fait pas de réel effort pour en transmettre le sens. Il n'y a pas de scènes où les vêtements sont arrachés par les amants l'un de l'autre, pas de nudité, pas de sentiment de rencontres charnelles répétitives et compulsives: oui, l'affaire est représentée, mais d'une manière très boutonnée, ce qui curieusement a miné la puissance de l'intrigue.

Il n'y a aucune plainte au sujet du casting. Judith Light est en forme sensationnelle en manipulatrice Madame, dépeignant un sens clair de venin dégoulinant de chaque suggestion utile ou reconnaissance souriante. Après l'AVC, la performance de Light est vraiment hypnotisante : il est difficile de ne pas regarder son visage expressif et ses yeux éloquents rayonner de sentiments et d'émotions. La scène où elle essaie de faire comprendre avec un alphabet le meurtre de son fils est absolument captivante. C'est une performance phénoménale.

Gabriel Ebert est tout à fait odieux en Camille, l'ennuyeux intolérable et guindé. Il vous fait frissonner de la manière dont Thérèse doit sûrement le déplorer. C'est fascinant à regarder, car malgré tout ce qui est terrible chez le personnage, Ebert parvient à naviguer de sorte que lorsqu'il est assassiné, c'est vraiment choquant et touchant. La pensée de Camille qu'Ebert peint est si indélébile que les séquences hantées résonnent avec un pouvoir insidieux.

Matt Ryan est extrêmement attirant en Laurent, et on n'a aucune difficulté à comprendre le désir accablant de Thérèse. Ce n'est pas seulement la beauté physique de Ryan, mais la façon dont il rend le personnage insinuant, séduisant et légèrement, excitant, dangereux. C'est une performance terriblement bien jugée, très masculine qui contraste fortement avec le fils à maman parfaitement interprété par Ebert.

Il y a aussi d'excellentes performances de Jeff Still et David Patrick Kelly. Kelly, en particulier, tire le meilleur parti d'un virage dramatique clé, créant un moment glacial de pure panique lorsque le secret du meurtre de Camille semble sur le point d'être découvert.

Mais le lourd travail de la pièce repose sur les épaules de l'actrice jouant Thérèse, ici Keira Knightley, faisant ses débuts à Broadway tardivement après avoir joué deux fois dans le West End. Ses expériences cinématographiques aident énormément Knightley ici - elle peut faire parler un regard silencieux des volumes et elle est à l'aise avec la création d'images visuelles d'une puissance stupéfiante. Elle est silencieuse pendant une grande partie de la pièce, mais pas le moindre du monde en arrière-plan pour cela.

Elle tire le meilleur parti de chaque opportunité, que ce soit en marchant derrière Camille au bord de la mer, en se confrontant à Madame ou en étant enivrée par la présence de Laurent. Et quand elle parle, elle rend chaque mot vibrant, donnant une beauté lyrique à de nombreux passages et une peur fatiguée et humiliée à d'autres. L'effondrement final de Thérèse est impeccablement jugé, véritablement impressionnant.

Jane Greenwood fournit des costumes exceptionnels, la plupart dans des nuances de noir, gris ou brun, qui reprennent la palette du décor de Boritt. Saluons Keith Parham pour un design d'éclairage extraordinaire qui scintille à travers l'échelle émotionnelle au fur et à mesure que les événements se déroulent : lumière sombre et froide ; lumière chaude et lubrique ; lumière chaude et suffocante ; doux rayons de liberté et le gris qui survient lorsque les choses sont maussades. Il est rare d'expérimenter un éclairage aussi émotionnellement accordé que celui de Parham ici. C'est une réalisation majeure. Les compositions originales de Josh Schmidt augmentent efficacement l'impact émotionnel de la production.

Zola a écrit un excellent thriller psychologique, et l'adaptation d'Edmundson ici est fidèle à son intention, tendre et terrifiante à parts égales. Le casting de premier ordre de Cabnet fait un excellent travail, animant les nombreux fils entrelacés et rendant un régal théâtral puissant et plein de corps. Il pourrait y avoir plus d'accent sur la carnation qui débloque la fatalité pour Thérèse et Laurent (Camille aussi) mais vu les magnifiques jeux d'acteurs, décors, costumes et éclairages, personne ne devrait se sentir lésé.

Thérèse Raquin est à l'affiche au Studio 54 jusqu'au 3 janvier 2016