CRITIQUE : Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 octobre 2015

4 étoiles

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L'importance d'un excellent design scénique est souvent négligée, en particulier dans les créations centrées sur une star ou dans les expériences théâtrales où la motivation pour assister est supposée être autre que la soif de satisfaction théâtrale. Cependant, il arrive que le design devienne un élément si critique pour le succès global de l'expérience théâtrale qu'on se demande comment des pièces et des comédies musicales peuvent être tentées sans le meilleur design de plateau possible. Des exemples récents incluent le plateau étonnant de Bob Crowley pour Skylight avec Carey Mulligan/Bill Nighy, le design perspicace de Justin Nardella pour la première londonienne de Casa Valentina, et le travail délicieux de Robert Howell sur Matilda.

Il en est ainsi avec le design remarquable de Beowulf Boritt pour la production de Thérèse Raquin du Roundabout, une nouvelle adaptation de Helen Edmunson basée sur le célèbre roman d'Émile Zola, désormais en jeu au Studio 54, sous la direction d'Evan Cabnet. Le design de Boritt est une partie intégrante du tissu émotionnel et dramatique de la production et, sans lui, cette production pourrait être terne et inefficace.

Boritt utilise sensuellement l'espace ici. Par moments, l'étendue totale de la scène est exposée, la hauteur, la profondeur et la largeur sont mises en avant, signifiant, délicieusement, la liberté du monde. Le sol s'étend jusqu'à la moitié de la profondeur de la scène où il rencontre de l'eau qui longe toute la scène. L'eau représente l'évasion, la nature, la purification. Sa présence constante est fascinante et on aspire à s'éclabousser et nager.

Quatre hautes colonnes encadrent un côté de la scène et, délicatement de manière improbable, suggèrent confinement, répression, emprisonnement. Vue d'une certaine manière, la scène pourrait être une fenêtre sur le monde depuis une tour verrouillée - un abstrait, peut-être, du genre de vue que Raiponce pourrait contempler quotidiennement.

Les projections changent de vue de temps en temps. La plus impressionnante et presque étouffante est une variation sur les célèbres Nymphéas de Monet (ou du moins l'un d'eux). L'image est instantanément identifiable; indéniablement française, émotive, sensuelle. Mais la palette est inhabituelle - marrons et ors; comme une image sépia de l'œuvre de Monet à laquelle des couleurs puissantes sont ajoutées. C'est une atmosphère envoûtante.

Ensuite, la maison où vit Thérèse Raquin est introduite. Tout en noirceur, ancien monde poussiéreux, exigu et encombré, les deux pièces que nous voyons semblent très petites contre l'immensité de l'espace de liberté. Les plafonds sont bas - la sensation d'être en cage, piégé ou emprisonné, entouré par la déchéance, est palpable; vous avez presque l'impression que votre propre souffle est rétréci, de peur d'inspirer la poussière du passé qui tourbillonne si librement dans ces pièces.

Le plateau de Boritt est si éloquent que des pages de dialogue sont économisées par celui-ci. Il n'est pas nécessaire de s'étendre sur la situation dans laquelle se trouve le personnage principal lorsque l'action commence. La simple vue d'elle dans le vaste espace ouvert et le contraste avec la tension dans le ménage exigu de Madame Raquin, une matriarche malveillante et contrôlante comme on peut en trouver dans la littérature moderne, établit clairement la nature désespérée de la situation de Thérèse.

Forcée de vivre avec sa tante et de travailler dans son magasin après la mort de son père, Thérèse est un tableau de misère. Elle veut fuir sa tante et ses demandes précises et expérimenter la vie, mais la pauvreté et la désapprobation de la société la gardent à sa place. Sa tante lui accorde son attention et son argent à son fils gâté, irritant et hypocondriaque, Camille, et finalement le destin de Thérèse est scellé : elle est mariée à Camille, une union sans amour qui apporte du malheur aux deux.

La répétition insensée et le schéma de sa vie, y compris les soirées de cartes chaque jeudi avec les amis légèrement prétentieux de Madame, amènent Thérèse au bord de la folie. Puis elle rencontre Laurent, un vieil ami de Camille qui travaille maintenant avec lui au chemin de fer. Laurent et Thérèse entament une liaison passionnée, tous deux désespérés l'un pour l'autre. Tant qu'elle a Laurent, Thérèse est vivante, véritablement, pour la première fois de sa vie.

Leurs rencontres ont lieu dans la chambre de Thérèse chaque fois que Laurent peut quitter le travail tôt. Mais quand le supérieur de Laurent arrête ses départs anticipés, les deux amoureux sont désespérés de trouver un moyen de s'avoir, d'être ensemble. Poussés par leur besoin insatiable l'un de l'autre, ils s'accordent pour tuer Camille afin de pouvoir se marier. Ils le noient, mais avant de mourir, Camille mord le cou de Laurent.

À mesure que la blessure au cou s'infecte, le lien entre Laurent et Thérèse se détériore, chacun étant hanté par ce qui a été fait à Camille. La culpabilité et la peur convertissent leur passion en une dangereuse disharmonie. Madame fait une attaque et est rendue paralysée lorsqu'elle surprend le duo discuter de ce qu'ils ont fait à son bien-aimé Camille. Confinée à un fauteuil roulant, avec vraiment seulement ses yeux en mouvement, les regards vigilants et connaissants de Madame maintiennent Thérèse et Laurent sur un précipice tranchant. La mort prouve être la seule échappatoire qu'ils puissent accepter.

La direction claire et perceptive de Cabnet est solide pour la plupart, et il y a un accent mis sur les aspects visuels de la production qui en fait quelque chose de spécial. Thérèse, seule sur un rocher, contemplant l'évasion; le meurtre maladroit et presque inepte de Camille suivi des images des amants trempés, essoufflés sur la terre ferme; la main de Madame apparaissant dans le champ de vision juste lorsque l'attaque la frappe; la sensation agitée de l'esprit de Camille ayant possédé la chambre où Thérèse et Laurent l'ont trompé. Utilisant le silence aussi expressivement que le son, Cabnet préside une production riche en détails et incroyablement tendue à vivre.

La seule omission réelle est un sens plus clair de la passion imprégnée de luxure entre Thérèse et Laurent. Étant donné que leur besoin l'un de l'autre sexuellement est si intense que le meurtre est plus viable que de se passer l'un de l'autre, Cabnet ne tente vraiment pas de transmettre ce sentiment. Il n'y a pas de scènes où les vêtements sont arrachés des amants par l'autre, pas de nudité, pas de sensation de rencontres charnelles répétitives et compulsives : oui, l'affaire est représentée, mais d'une manière très retenue, ce qui a curieusement affaibli la puissance de l'intrigue.

Il n'y a aucune plainte concernant le casting. Judith Light est en forme exceptionnelle en tant que manipulatrice Madame, dépeignant un sens clair du venin dégoulinant de chaque suggestion utile ou acceptation souriante. Après l'attaque, la performance de Light est vraiment fascinante : il est difficile de ne pas regarder son visage expressif et ses yeux éloquents rayonner des sentiments et des émotions. La scène où elle tente de communiquer avec un alphabet le meurtre de son fils est absolument captivante. C'est une performance phénoménale.

Gabriel Ebert est véritablement odieux en tant que Camille, le frimeur abominable insupportable. Il fait frémir votre peau comme cela doit sûrement avoir été le cas pour Thérèse. C'est fascinant à regarder, car malgré tout ce qui est désastreux chez le personnage, Ebert réussit à le naviguer de sorte que lorsqu'il est assassiné, c'est vraiment choquant et émotionnellement bouleversant. La pensée de Camille qu'Ebert peint est si indélébile que les séquences obsédantes résonnent avec une puissance insidieuse.

Matt Ryan est extrêmement séduisant en tant que Laurent, et on n'a aucune difficulté à comprendre le désir envahissant de Thérèse. Ce n'est pas seulement la beauté physique de Ryan, mais la manière dont il rend le personnage insinuant, séduisant et légèrement, délicieusement, dangereux. C'est une performance très bien jugée, très masculine qui contraste vivement avec le garçon parfaitement joué de Madame par Ebert.

Il y a également d'excellentes prestations de Jeff Still et David Patrick Kelly. Kelly, en particulier, utilise au mieux un moment dramatique clé, créant un moment glacial de pure panique lorsque le secret du meurtre de Camille semble être découvert.

Mais le travail dur de la pièce repose sur les épaules de l'actrice qui joue Thérèse, ici Kiera Knightley, faisant ses débuts tardifs à Broadway après avoir joué deux fois dans le West End. Ses expériences cinématographiques aident énormément Knightley ici - elle peut rendre un regard silencieux très éloquent et elle est à l'aise avec la création d'images visuelles d'une puissance époustouflante. Elle est silencieuse pendant une grande partie de la pièce, mais pas le moindrement en retrait pour autant.

Elle tire le meilleur parti de chaque opportunité, que ce soit en marchant derrière Camille au bord de la mer, en affrontant Madame ou en étant enivrée par la présence de Laurent. Et quand elle parle, chaque mot compte, donnant une beauté lyrique à de nombreux passages et une peur fatiguée et humiliée à d'autres. La décomposition finale de Thérèse est impeccablement jugée, vraiment impressionnante.

Jane Greenwood fournit des costumes exceptionnels, dont la plupart sont dans des tons de noir, gris ou marron, et qui reprennent la palette du décor de Boritt. Un grand bravo à Keith Parham pour un design d'éclairage extraordinaire qui s'exprime à travers l'échelle émotionnelle. Lumière sombre et froide; lumière chaude et lascive; lumière chaude et suffocante; rayons doux de liberté et le gris qui survient lorsque les temps sont moroses. Il est rare de vivre un éclairage aussi émotionnellement accordé que celui de Parham ici. C'est un exploit majeur. Les compositions originales de Josh Schmidt renforcent efficacement l'impact émotionnel de la production.

Zola a écrit un thriller psychologique remarquable et l'adaptation d'Edmundson ici est fidèle à son intention, tendre et terrifiante à parts égales. Le casting de haute qualité de Cabnet fait un excellent travail, vivifiant les nombreux fils interconnectés et créant une délicieuse régalée théâtrale pleine de profondeur. Cela pourrait bénéficier de plus d'accent sur la sensualité qui débloque le destin funeste de Thérèse et Laurent (Camille aussi) mais étant donné la merveilleuse interprétation, les décors, les costumes et l'éclairage, personne ne devrait se sentir lésé.

Thérèse Raquin est à l'affiche au Studio 54 jusqu'au 3 janvier 2016