RESEÑA: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 de octubre de 2015

4 estrellas

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A menudo se pasa por alto la importancia de una escenografía excelente, sobre todo en montajes de lucimiento para grandes estrellas o en experiencias teatrales en las que se da por hecho que la motivación para asistir es otra distinta a saciar la sed de buen teatro. Pero, de vez en cuando, el diseño se convierte en una parte tan decisiva del éxito global de la función que uno se pregunta cómo se afrontan obras y musicales sin la mejor escenografía posible, esa que ilumina el conjunto. Ejemplos recientes y algo aleatorios incluyen el asombroso decorado de Bob Crowley para Skylight con Carey Mulligan y Bill Nighy, el perspicaz diseño de Justin Nardella para el debut londinense de Casa Valentina y el delicioso trabajo de Robert Howell en Matilda.

Eso mismo ocurre con el extraordinario diseño de Beowulf Boritt para la producción de Roundabout de Thérèse Raquin, una nueva adaptación de Helen Edmunson basada en la célebre novela de Émile Zola, actualmente en cartel en Studio 54, dirigida por Evan Cabnet. El diseño de Boritt es una pieza esencial del tejido emocional y dramático de la puesta en escena y, sin él, esta producción podría resultar floja e ineficaz.

Boritt utiliza el espacio de forma sensacional. A veces se muestra toda la extensión del escenario, con altura, profundidad y anchura a la vista, señalando —deliciosamente— la libertad del mundo. El suelo se prolonga hasta la mitad del fondo del escenario, donde se encuentra con una lámina de agua que recorre toda la boca. El agua representa la evasión, la naturaleza, la purificación. Su presencia constante es tentadora y a uno le entran ganas de chapotear y nadar.

Cuatro pilares altos enmarcan un lado del escenario y, con una delicadeza casi inverosímil, sugieren confinamiento, represión, encarcelamiento. Visto de una manera, el escenario podría ser una ventana al mundo desde una torre cerrada con llave: una abstracción, quizá, del tipo de paisaje que Rapunzel habría contemplado cada día.

Las proyecciones van cambiando la vista de vez en cuando. La más impresionante, y casi asfixiantemente abrumadora, es una variación sobre los famosos Nenúfares de Monet (bueno, uno de ellos). La imagen se reconoce al instante; innegablemente francesa, emotiva, sensual. Pero la paleta resulta inesperada: marrones y dorados; como una imagen en sepia de la obra de Monet a la que se le añade un color poderoso. Tiene una atmósfera inquietante.

Después, desciende la casa en la que vive Thérèse Raquin. Todo es oscuridad, un aire rancio de otro tiempo, estrecho y abarrotado; las dos estancias que vemos parecen diminutas frente a la inmensidad del espacio de la libertad. Los techos son bajos: la sensación de estar enjaulado, atrapado o encarcelado, rodeado de decadencia, es tangible; casi notas cómo se te corta la respiración, por miedo a inhalar el polvo del pasado que se arremolina tan libremente en esas habitaciones.

El decorado de Boritt es tan elocuente que ahorra páginas de diálogo. No hace falta subrayar la situación en la que se encuentra el personaje titular cuando arranca la acción. Basta con verla en el vasto espacio abierto y contrastarlo con la tensión del hogar asfixiante de Madame Raquin —una matriarca tan controladora y malévola como las que se encuentran en la literatura moderna— para que quede clara la desesperación del trance de Thérèse.

Obligada a vivir con su tía y a trabajar en su tienda tras la muerte de su padre, Thérèse es la viva imagen de la desdicha. Quiere escapar de su tía y de sus exigencias milimétricas y experimentar la vida, pero la pobreza y la desaprobación social la mantienen en su sitio. Su tía prodiga atención y dinero a su hijo malcriado, irritante e hipocondríaco, Camille, y al final el destino de Thérèse queda sellado: la casan con Camille, una unión sin amor que trae infelicidad a ambos.

La repetición mecánica y el patrón de su vida —incluidas las partidas de cartas de cada jueves con los amigos algo pretenciosos de Madame— llevan a Thérèse al límite de la cordura. Entonces conoce a Laurent, un viejo amigo de Camille que ahora trabaja con él en el ferrocarril. Laurent y Thérèse inician una aventura apasionada, ambos desesperados el uno por el otro. Mientras tiene a Laurent, Thérèse está viva, de verdad, por primera vez en su vida.

Sus citas tienen lugar en la habitación de Thérèse siempre que Laurent puede escaquearse del trabajo y salir antes. Pero cuando el encargado le impide marcharse temprano, los dos amantes se ven desesperados por encontrar la manera de tenerse, de estar juntos. Impulsados por su necesidad insaciable, acuerdan asesinar a Camille para poder casarse. Lo ahogan, pero antes de morir Camille muerde a Laurent en el cuello.

A medida que la herida del cuello se infecta, también se pudre el vínculo entre Laurent y Thérèse, pues a ambos les persigue lo que han hecho a Camille. La culpa y el miedo convierten su pasión en una desarmonía peligrosa. Madame sufre un ictus y queda paralizada cuando oye a los dos hablar de lo que le hicieron a su querido Camille. Confinada en una silla de ruedas, y con apenas los ojos en movimiento, las miradas vigilantes y conscientes de Madame mantienen a Thérèse y Laurent al borde de un precipicio afilado como una cuchilla. La muerte resulta ser la única salida que pueden aceptar.

La dirección clara y perspicaz de Cabnet funciona bien en su mayor parte, y hay un énfasis en los aspectos visuales de la producción que la convierten en algo especial. Thérèse, sola sobre una roca, contemplando la huida; el asesinato torpe, casi inepto, de Camille, seguido por las imágenes de los amantes empapados, sin aliento en tierra firme; la mano de Madame asomando poco a poco, justo cuando el ictus la derriba; la inquieta sensación de que el espíritu de Camille ha poseído el dormitorio donde Thérèse y Laurent le fueron infieles. Usando el silencio con tanta expresividad como el sonido, Cabnet dirige una puesta en escena rica en detalles e increíblemente tensa de vivir.

La única carencia real es una sensación más nítida de la pasión cargada de lujuria entre Thérèse y Laurent. Dado que su necesidad sexual es tan intensa que el asesinato parece más viable que pasar el uno sin el otro, Cabnet no hace un verdadero esfuerzo por transmitirlo. No hay escenas en las que los amantes se desgarren la ropa, ni desnudez, ni sensación de encuentros carnales repetidos y compulsivos: sí, la aventura está ahí, pero de una forma muy contenida, lo cual, curiosamente, resta fuerza a la trama.

En cuanto al reparto, no hay queja posible. Judith Light está sensacional como la manipuladora Madame, dejando ver con claridad el veneno que rezuma de cada sugerencia servicial o cada sonrisa de asentimiento. Tras el ictus, su interpretación es realmente hipnótica: cuesta no quedarse mirando su rostro expresivo y sus ojos elocuentes irradiando sentimientos y emociones. La escena en la que intenta deletrear con un alfabeto el asesinato de su hijo es absolutamente sobrecogedora. Es una actuación descomunal.

Gabriel Ebert está debidamente espantoso como el baboso e insoportable pelmazo de Camille. Da auténtico repelús, como sin duda le ocurriría a Thérèse. Es fascinante de ver, porque, a pesar de todo lo detestable del personaje, Ebert consigue transitarlo de tal modo que, cuando lo asesinan, resulta de verdad impactante y conmovedor. Tan indeleble es la imagen de Camille que traza Ebert, que las secuencias fantasmales resuenan con un poder insidioso.

Matt Ryan es tremendamente atractivo como Laurent, y no cuesta entender el deseo arrollador de Thérèse. No es solo la belleza física de Ryan, sino la manera en que convierte al personaje en alguien insinuante, seductor y ligeramente —excitante— peligroso. Es una interpretación muy bien calibrada, muy masculina, que contrasta de forma tajante con el “niño de mamá” perfectamente afinado de Ebert.

También hay excelentes intervenciones de Jeff Still y David Patrick Kelly. Kelly, en particular, aprovecha al máximo un giro dramático clave, creando un momento helado de puro pánico cuando parece que el secreto del asesinato de Camille está a punto de descubrirse.

Pero el peso duro de la obra recae sobre los hombros de la actriz que interpreta a Thérèse, aquí Kiera Knightley, que debuta por fin en Broadway tras haber aparecido dos veces en el West End. Su experiencia cinematográfica le ayuda enormemente: puede hacer que una mirada silenciosa lo diga todo y se mueve como pez en el agua creando imágenes visuales de un poder deslumbrante. Permanece callada durante buena parte de la función, pero ni por un instante queda en segundo plano por ello.

Aprovecha cada oportunidad, ya sea caminando detrás de Camille junto al mar, plantándole cara a Madame o embriagándose con la presencia de Laurent. Y cuando habla, hace que cada palabra cuente, aportando una belleza lírica a muchos pasajes y, en otros, un miedo cansado y humillado. El derrumbe final de Thérèse está medido con una precisión impecable: verdaderamente impresionante.

Jane Greenwood firma un vestuario excepcional, en su mayoría en tonos negros, grises o marrones, que recoge la paleta del paisaje escénico de Boritt. Y chapó para Keith Parham por un diseño de iluminación extraordinario, que recorre con destellos toda la escala emocional a medida que se desarrollan los acontecimientos: luz oscura y fría; luz caliente y lasciva; luz cálida y sofocante; suaves rayos de libertad y el gris que llega cuando todo es desolador. Es raro encontrar una iluminación tan afinada emocionalmente como la de Parham. Es un logro mayor. Las composiciones originales de Josh Schmidt aumentan eficazmente el impacto emocional de la producción.

Zola escribió un thriller psicológico formidable y la adaptación de Edmundson es fiel a su intención, tierna y aterradora a partes iguales. El reparto de primera de Cabnet hace un trabajo estupendo, dando vida a los muchos hilos entrelazados y ofreciendo un potente festín teatral, con cuerpo. Le vendría bien un mayor énfasis en la carnalidad que desencadena la perdición de Thérèse y Laurent (y también de Camille), pero con la magnífica interpretación, la escenografía, el vestuario y la iluminación, nadie debería sentirse defraudado.

Thérèse Raquin estará en cartel en Studio 54 hasta el 3 de enero de 2016