RECENSIONE: Non Ci Sono Inizi, Leeds Playhouse ✭✭✭✭

Jonathan Hall recensisce There Are No Beginnings, il nuovo testo di Charley Miles attualmente in scena al Leeds Playhouse.

Julie Hesmondhaigh nel ruolo di June in There Are No Beginnings. Foto: Zoe Martin There Are No Beginnings

Leeds Playhouse

4 stelle

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Ho ricordi vividi di quel periodo tra gli anni Settanta e i primi anni Ottanta, quando la paura per lo Yorkshire Ripper condizionava la vita delle persone. Ricordo i miei genitori in ansia per mia sorella a Newcastle, i minibus gratuiti per le donne organizzati dal nostro sindacato studentesco, le marce di Reclaim the Night, fiere e determinate; per chi le ha vissute, furono anni intensi che accesero dibattiti altrettanto intensi—anni e discussioni che il nuovo testo di Charley Miles, appassionato e stimolante, riesce a rievocare in modo eccellente.

There Are No Beginnings racconta le storie delle donne di Leeds che attraversano quegli anni. C’è la Madre, licenziata e spinta dalle sue paure per la figlia, e ci sono le giovani donne fragili dell’ostello dove lavora. C’è una sex worker che vive in un terrore costante, presente ma negato, e una poliziotta che deve lottare il doppio dei colleghi uomini per essere presa sul serio. E c’è la studentessa, costretta a uscire dalla propria zona di comfort per mettere in discussione uno status quo in cui una giovane donna da sola dopo il tramonto può essere considerata come se “se la fosse cercata”. Concentrandosi sulle vite di chi vive all’ombra degli eventi, più che su chi ne è direttamente coinvolto, lo spettacolo riesce a raccontare una storia che va oltre i fatti ormai noti e solleva domande cruciali sulle donne e sul loro posto nella società, allora come oggi.

Jesse Jones (Fiona). Foto: Zoe Martin

A un certo punto della storia un’auto viene lanciata contro la vetrata di un cinema che proietta un film slasher misogino; è un gesto che sembra così giusto e al tempo stesso così futile, se confrontato con il peso delle vite che si dispiegano in quei sei anni bui.

Miles racconta una storia necessariamente ampia e corale, riflettendo la moltitudine di persone con cui ha parlato durante la ricerca per questo progetto; e se a tratti l’argomentazione prevale sul racconto, sono sempre argomenti che vale la pena ascoltare, in un mondo che—quarant’anni dopo—vede ancora la violenza contro le donne come una dinamica brutta e onnipresente. Lo stile di scrittura, così caratteristico già nel debutto di Miles Blackthorn, aggiunge poesia alla passione; un monologo su una carrozzina Silver Cross mi è rimasto impresso da quando l’ho sentito.

Tessa Parr (Sharon) e Natalie Galvin (Helen). Foto: Zoe Martin

La produzione è sostenuta da un cast eccellente, guidato con energia e acume da Amy Letman. Tessa Parr, Natalie Gavin e Jesse Jones garantiscono una presenza costante e appassionata, mentre il cuore emotivo dello spettacolo è affidato a Julie Hesmondhalgh nel ruolo dell’operatrice del Centro e della Madre. Non lascia mai che il personaggio scivoli in una figura-simbolo: ogni battuta, pronunciata con ardore, sembra nascere lì per lì; ogni gesto è attraversato da un’umanità riconoscibile—persino al saluto finale, quando fa scivolare un accappatoio sulle spalle di un personaggio immerso nell’acqua.

Natalie Gavin (Helen) e Tessa Parr (Sharon). Foto: Zoe Martin

Lo spazio essenziale e sorprendente del nuovissimo Bramall Rock Void serve bene lo spettacolo. È un palcoscenico spoglio in un ambiente spoglio, eppure sono uscito con la mente piena di vedute di schiere di case annerite, parchi nebbiosi, fermate dell’autobus e sedie di plastica impilate. Alla fine ho attaccato discorso con una signora che ho poi scoperto essere stata una delle persone intervistate da Charley Miles; i suoi ricordi avevano contribuito a informare alcune parti del testo. Era visibilmente commossa. “Mi ha riportato tutto alla mente,” ha detto. “Ho avuto qualche momento davvero emotivo.”

Fino al 2 novembre 2019