CRITIQUE : There Are No Beginnings, Leeds Playhouse ✭✭✭✭

Jonathan Hall critique There Are No Beginnings, une nouvelle pièce de Charley Miles actuellement jouée au Leeds Playhouse.

Julie Hesmondhaigh dans le rôle de June dans There Are No Beginnings. Photo : Zoe Martin There Are No Beginnings

Leeds Playhouse

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Je me souviens vivement de cette période des années soixante-dix et début des années quatre-vingt lorsque la peur du Yorkshire Ripper influençait la vie des gens. Je me rappelle mes parents inquiets pour ma sœur à Newcastle, les minibus gratuits pour les femmes de notre union étudiante, les marches défiantes Reclaim the Night ; pour ceux qui les ont vécues, ce furent des temps puissants déclenchant de puissants débats, des temps et des débats que la nouvelle pièce passionnante et provocante de Charley Miles a brillamment évoqués.

« There are no beginnings raconte les histoires des femmes de Leeds vivant pendant cette période. Il y a la mère, animée et motivée par ses peurs pour sa fille, et les jeunes femmes fragiles dans l'auberge où elle travaille. Il y a une travailleuse du sexe vivant dans une crainte constante mais niée et une policière devant se battre deux fois plus que ses collègues masculins pour être prise au sérieux. Et il y a l'étudiante, poussée hors de sa zone de confort pour défier un statu quo où les jeunes femmes seules après la tombée de la nuit peuvent être considérées comme 'le cherchant'. En se concentrant sur la vie de ceux qui vivent à l'ombre des événements plutôt que d'être directement liés à eux, la pièce est capable de raconter une histoire qui transcende les faits bien connus et soulève des questions vitales sur les femmes et leur place dans la société à la fois alors et maintenant.

Jesse Jones (Fiona). Photo : Zoe Martin

À un moment de l'histoire, une voiture traverse la fenêtre d'un cinéma projetant un film d'horreur misogyne ; c'était une action qui semblait si juste et pourtant si futile à la lumière des vies qui se déroulaient durant ces six sombres années.

Miles raconte une histoire nécessairement vaste et dispersée, reflétant la myriade de personnes qu'elle a rencontrées pendant ses recherches pour ce projet et si parfois l'argument domine sur la narration, ces arguments valent toujours la peine d'être écoutés dans un monde quarante ans plus tard où la violence contre les femmes reste une dynamique laide omniprésente. Le style d'écriture magnifique qui a si bien caractérisé la première pièce de Miles « Blackthorn » ajoute une poésie à la passion ; un discours sur une poussette Silver Cross est resté gravé dans mon esprit depuis que je l'ai entendu.

Tessa Parr (Sharon) et Natalie Galvin (Helen). Photo : Zoe Martin

La production est servie par une excellente distribution dirigée avec une énergie perspicace par Amy Letman. Tessa Parr, Natalie Gavin et Jesse Jones offrent une présence constante et passionnée et un cœur émotionnel est donné à la pièce par Julie Hesmondhalgh dans le rôle de la travailleuse du centre et de la mère. Jamais elle ne laisse son rôle glisser dans un cliché ; chaque réplique livrée avec passion semble être quelque chose qui lui vient à l'esprit, chaque action est caractérisée par une humanité relatable, même lors de l'appel de fin, lorsqu'elle glisse un peignoir autour des épaules d'un personnage immergé dans l'eau.

Natalie Gavin (Helen) et Tessa Parr (Sharon). Photo : Zoe Martin

L'espace simple et excitant dans le Bramall Rock Void nouvellement créé sert bien la pièce. C'est une scène nue dans un espace nu, mais je suis reparti avec des vues de terrasses sombres et de parcs brumeux, d'arrêts de bus et de chaises en plastique empilées plein la tête. À la fin de la pièce, j'ai engagé une conversation avec une dame qui s'est avérée être l'une des personnes interrogées par Charley Miles ; les souvenirs de cette dame ont informé certaines parties de la pièce. Elle était visiblement émue. « Ça m'a tout rappelé », a-t-elle dit. « J'ai eu quelques moments d'émotion. »

Jusqu'au 2 novembre 2019