RECENSIONE: The Silver Tassie, National Theatre ✭✭✭✭

Ronan Raferty nel ruolo di Harry Heegan in The Silver Tassie. Foto: Tristram Kenton The Silver Tassie

National Theatre

18 maggio 2014

4 stelle

Una sala da ballo di provincia. La foschia del fumo di sigaretta suggerisce un’epoca passata, così come gli abiti, perfino il ritmo della musica. Un piccolo complesso suona senza sosta in un angolo, sostenendo il beniamino del posto, quello dalla voce vellutata e dal bell’aspetto. Sei donne ballano con i loro partner soldati. Capiscono che sono soldati perché indossano tutti la divisa. All’inizio, le donne sembrano felici, ma man mano che il ballo prosegue, che le luci cambiano, che le coppie avanzano, è chiaro che felici non lo sono affatto. Perché i loro soldati non sono reali, non sono umani: sono gusci, involucri degli uomini che erano. E le donne, queste splendide donne, fanno tutto il possibile per tenerli a galla, in piedi, parte del mondo. Uno o due vacillano, ma le donne li sorreggono. E il ritmo continua.

Questa immagine, potentissima e inquietante, chiude la sorprendentemente riuscita ripresa di Howard Davies del trascurato testo di Sean O’Casey, The Silver Tassie, ora in scena al Lyttelton Theatre del National. Ma questa scena non è solo il modo perfetto per concludere il dramma di O’Casey: è anche un promemoria abile e risonante di a cosa serve il National Theatre e di ciò che può riuscire a realizzare.

Negli ultimi sette anni il Lyttelton non è stato esattamente una fucina di successi e, più spesso che no, lì sono stati allestiti spettacoli per ragioni strane e imperscrutabili. Con The Silver Tassie, però, Davies mostra con chiarezza a cosa serve davvero quello spazio e come le risorse e l’ambizione del National possano trasformarsi in oro teatrale.

Spesso, al Lyttelton, le scenografie sanno di soldi e poco altro. Inevitabilmente sono costose e imponenti; raramente sostengono davvero il testo per cui sono state concepite o lo illuminano. Ma la scenografia di Vicki Mortimer non cade in nessuna di queste trappole.

È deliziosa e magnifica. L’ambiente cupo, squallido ma realistico del caseggiato del primo atto parla con eloquenza della povertà, dell’asprezza e dell’incertezza della vita degli irlandesi che lo abitano. Quel realismo lascia poi spazio, in modo intrigante e sotto gli occhi del pubblico, a una rappresentazione impressionistica dei campi di battaglia della Prima guerra mondiale, rispecchiando il cambio di registro del testo.

Poi si trasforma in una posizione intermedia: un ospedale che è insieme reale e impressionistico, dove i mondi dei primi due atti si scontrano. Infine, l’ospedale svanisce, in silenzio, quasi con malinconia, e ci ritroviamo in un’anticamera di una sala da ballo: una stanzetta angusta e claustrofobica in cui, sullo sfondo, il mondo continua a danzare.

Tutto, qui, dal disegno alla regia è di prim’ordine. Così come il cast.

Ronan Raferty è straordinario nei panni di Harry Heegan: il perfetto figlio d’Irlanda, il ragazzo capace di far vincere alla sua squadra il trofeo d’argento per tre anni consecutivi; quello che prende con noncuranza l’ordine di tornare al fronte; quello che ha occhi solo per Jessie, la splendida donna statuaria il cui libretto di risparmio suggerisce un reddito di cui lui non sa nulla; quello che ha tutta la vita davanti e dei genitori che lo adorano. Ma in guerra le sue gambe vengono distrutte e negli ultimi due atti Raferty dipinge un ritratto impeccabile di un uomo spezzato, perduto e disperato: uno che viene abbandonato dalla sua ragazza, uno che preferirebbe morire piuttosto che andare avanti. È una rappresentazione tanto devastante e vera di un reduce quanto si possa sperare — o desiderare — di vedere, incorniciata da due momenti splendidi con sua madre (l’addio finale prima del ritorno al fronte e l’istante in cui lo accompagna via da Jessie che, più delle ferite, gli ha strappato la capacità di funzionare).

Il momento in cui Harry manda in frantumi il Silver Tassie potrebbe risultare banale e melodrammatico al massimo — ma non qui. La bellissima interpretazione di Raferty fa sì che questo Harry sia totalmente reale, totalmente credibile e incredibilmente tragico. Raferty è una stella in ascesa — senza dubbio.

Forse la cosa più raffinata che Raferty fa è scolpire con cura, quasi con naturalezza, il personaggio di Harry e poi abbandonare completamente quell’interpretazione nel secondo atto, dove lui e tutti gli altri interpretano personaggi del tutto scollegati: figure-simbolo che rappresentano l’orrore della guerra. La sua prova qui è, ancora una volta, precisa e solidissima, ma non ha nulla — e tutto — a che fare con il suo Harry.

Sean O’Casey, in paradiso, starà applaudendo e tifando.

Naturalmente, Raferty è sostenuto in modo eccellente. In particolare, la meravigliosa Josie Walker, quasi irriconoscibile in questa irreprensibile e severa matriarca irlandese, con più cuore e intelligenza di chiunque altro, è sublime sotto ogni aspetto.

Il suo primo ingresso, quando smorza la goliardia di Sylvester (Aidan McArdle) e Simon Norton (Stephen Kennedy) — ottime prove da parte di entrambi — e abbassa le luci, dice più su questa donna straordinaria di quanto potrebbero fare pagine di dialogo. Walker è perfetta per tutta la durata, ma spiccano tre scene: le sue domande incisive sul reddito nascosto di Jessie; il silenzioso e straziante addio a Harry; e la sua denuncia devastante di Jessie quando lo spirito del figlio è stato schiacciato irreversibilmente. Ipnotica. Radiosa. Ed è il fulcro dell’immagine finale: l’incubo inquietante dei gusci di soldati danzanti.

Judith Roddy è davvero splendida nei panni della timorata e devota Susie Monican e le sue scene nel reparto ospedaliero sono particolarmente appaganti. Deirdre Mullins brilla come la sinistra Jessie e rende quasi soddisfacente vederla demolita e messa a nudo.

Nei panni della coppia più stramba d’Irlanda, Aoife McMahon e Aidan Kelly sono deliziosamente bravi. Lui, violento e spaventosamente ripugnante, poi fragile e umiliato; lei, sfacciata e dolorosamente esibita, poi perduta tra alcol e vergogna. Interpretazioni magnificamente sfaccettate da attori di grande talento.

Non c’è una sola persona da criticare nel cast o nell’ensemble. Davies modella il materiale nella forma migliore che probabilmente potrà mai avere. Il suo senso, le scintillanti punte di dolore che riesce a far emergere, resteranno a lungo.

Il testo non è un capolavoro. Ma offrire a un’opera del genere — una parte importante della storia del teatro irlandese — una vetrina su un palcoscenico contemporaneo è una delle cose che il National Theatre dovrebbe assolutamente fare. E non solo una vetrina: ma una produzione splendida, ricca, pienamente teatrale, che trascende il materiale di partenza.

The Silver Tassie mostra con chiarezza ciò che il National Theatre e, in particolare, il palco del Lyttelton possono fare.

Magnifico!