REZENSION: The Silver Tassie, Nationaltheater ✭✭✭✭

Ronan Raferty als Harry Heegan in The Silver Tassie. Foto: Tristram Kenton The Silver Tassie

National Theatre

18. Mai 2014

4 Sterne

Ein Tanzsaal in einer Kleinstadt. Der Dunst von Zigarettenrauch deutet auf eine vergangene Epoche hin – ebenso wie die Kleidung, sogar der Rhythmus der Musik. In der Ecke legt eine kleine Band los und unterstützt den örtlichen Schwarm mit samtiger Stimme und gutem Aussehen. Sechs Frauen tanzen mit ihren Soldaten-Partnern. Dass es Soldaten sind, erkennt man daran, dass sie alle Uniform tragen. Zunächst wirken die Frauen glücklich, doch je länger der Tanz dauert, je mehr sich das Licht verändert, je weiter die Paare nach vorn rücken, desto klarer wird: glücklich sind sie keineswegs. Denn ihre Soldaten sind nicht echt, nicht menschlich; sie sind Hüllen, Leichentücher der Männer, die sie einmal waren. Und die Frauen – diese wunderbaren Frauen – tun alles, um sie über Wasser zu halten, aufrecht, als Teil der Welt. Ein oder zwei wanken, doch die Frauen fangen sie wieder auf. Und der Beat geht weiter.

Dieses ungeheuer kraftvolle und gespenstische Bild beschließt Howard Davies’ erstaunlich gelungene Wiederentdeckung von Sean O’Caseys vernachlässigtem Stück The Silver Tassie, derzeit im Lyttelton Theatre am National zu sehen. Doch diese Szene ist nicht nur der perfekte Schluss für O’Caseys Drama – sie ist auch eine kluge, nachhallende Erinnerung daran, wofür das National Theatre da ist und was es leisten kann.

Das Lyttelton war in den vergangenen gut sieben Jahren nicht gerade reich an durchgehend erfolgreichen Produktionen, und allzu oft wurden dort Stücke aus merkwürdigen, schwer nachvollziehbaren Gründen gezeigt. Mit The Silver Tassie demonstriert Davies jedoch eindrucksvoll, wozu dieser Raum gedacht ist – und wie die Ressourcen und der Anspruch des National Theatre theatrales Gold hervorbringen können.

Oft verströmen die Bühnenbilder im Lyttelton vor allem: Geld – und nicht viel mehr. Unweigerlich sind sie teuer und ausladend; selten stützen oder erhellen sie den Text wirklich, für den sie entworfen wurden. Doch Vicki Mortimers Bühnenbild tappt in keine dieser Fallen.

Es ist köstlich und prachtvoll. Das düstere, schäbige, aber realistische Mietskasernen-Setting im ersten Akt spricht beredt von Armut, Rauheit und Ungewissheit im Leben der irischen Menschen, die es bevölkern. Dieser Realismus weicht – faszinierend und vor den Augen des Publikums – einer impressionistischen Darstellung der Schlachtfelder des Ersten Weltkriegs und spiegelt damit die Veränderung wider, die auch der Text durchläuft.

Dann verwandelt sich das Bild in eine Art Zwischenzustand: ein Lazarett, zugleich real und impressionistisch, in dem die Welten der ersten beiden Akte aufeinanderprallen. Schließlich weicht das Krankenhaus lautlos, beinahe verlassen – und wir befinden uns in einem Vorraum eines Tanzlokals, einem kleinen, klaustrophobischen Zimmer, während im Hintergrund die Welt weiter tanzt.

Alles an Ausstattung und Regie ist hier erstklassig. Genauso wie das Ensemble.

Ronan Raferty ist herausragend als Harry Heegan: der perfekte irische Sohn; der Junge, der drei Jahre in Folge den Silver Tassie für sein Team holen kann; der, der seine Order zur Rückkehr an die Front nonchalant nimmt; der, der Jessie im Herzen trägt – die wunderschöne, hochgewachsene Frau, deren Sparbuch ein Einkommen vermuten lässt, von dem er nichts ahnt; der, der sein ganzes Leben noch vor sich hat und Eltern, die ihn vergöttern. Doch im Krieg werden seine Beine zerschmettert, und in den letzten beiden Akten zeichnet Raferty ein vollkommen stimmiges Porträt eines gebrochenen, verlorenen und verzweifelten Mannes: eines, den das Mädchen verlässt; eines, der lieber sterben würde, als weiterzumachen. Es ist so erschütternd und wahrhaftig wie jede Darstellung eines Kriegsveteranen, die man sich erhoffen – oder überhaupt sehen – möchte, gerahmt von zwei großartigen Momenten mit seiner Mutter (dem letzten Abschied, bevor er zurück an die Front geht, und dem Augenblick, in dem sie ihn von Jessie wegschiebt – die, mehr noch als die Verletzungen, ihm die Fähigkeit zu funktionieren entrissen hat).

Der Moment, in dem Harry den Silver Tassie zerschlägt, könnte so kitschig und melodramatisch sein, wie es nur geht – aber nicht hier. Rafertys wunderbares Spiel sorgt dafür, dass dieser Harry vollkommen echt, vollkommen glaubhaft und atemberaubend tragisch ist. Raferty ist ein Star im Werden – ohne Zweifel.

Vielleicht das Feinste an Rafertys Arbeit ist, wie er die Figur Harry sorgfältig, beinahe beiläufig herausmeißelt – und diese Darstellung dann für den zweiten Akt vollständig fallenlässt, in dem er und alle anderen völlig unabhängige Rollen spielen: Chiffren, die das Grauen des Krieges verkörpern. Auch hier ist seine Leistung wieder geschickt und felsenfest – und zugleich nichts, und alles, mit seinem Harry zu tun.

Sean O’Casey wird im Himmel applaudieren und jubeln.

Natürlich wird Raferty hervorragend unterstützt. Besonders die wunderbare Josie Walker, als diese sittsame, strenge irische Matriarchin fast nicht wiederzuerkennen – mit mehr Herz und Verstand als alle anderen – ist in jeder Hinsicht erhaben.

Schon ihr erster Auftritt, wenn sie die Ausgelassenheit von Aidan McArdles Sylvester und Stephen Kennedys Simon Norton (beide mit starken Leistungen) im Keim erstickt und das Licht dimmt, sagt mehr über diese bemerkenswerte Frau aus, als Seiten voller Dialoge es könnten. Walker ist durchweg perfekt, doch drei Szenen stechen heraus: ihre messerscharfen Fragen zu Jessies verborgenem Einkommen; der herzzerreißende, stumme Abschied von Harry; und ihre vernichtende Anklage gegen Jessie, als der Geist ihres Sohnes unwiderruflich zerbrochen ist. Hypnotisierend. Strahlend. Und sie ist das Zentrum des Schlussbildes, dieses spukhaften Albtraums der tanzenden Soldatenhüllen.

Judith Roddy ist ganz wunderbar als gottesfürchtige, gottliebende Susie Monican, und ihre Szenen auf der Krankenstation sind besonders lohnend. Deirdre Mullins glänzt als die schaurige Jessie – und macht es zu einer Genugtuung, sie zerstört und entblößt zu sehen.

Als seltsamstes Paar Irlands sind Aoife McMahon und Aidan Kelly üppig gut. Er: gewalttätig und kaum erträglich, dann fragil und gedemütigt; sie: skandalös und laut leidend, dann verloren an Alkohol und Scham. Wunderbar abgerundete Leistungen begabter Schauspieler*innen.

Im Ensemble gibt es keine einzige Fehlbesetzung. Davies bringt das Material in eine Form, besser als es je wahrscheinlich sein wird. Sein Sinn, die glitzernden Schmerzspitzen, die es erzeugt, werden lange nachhallen.

Das Stück ist kein Meisterwerk. Aber einem solchen Werk – einem wichtigen Teil der Geschichte des irischen Theaters – auf einer modernen Bühne eine Plattform zu geben, ist genau eine der Aufgaben, die das National Theatre unbedingt erfüllen sollte. Und nicht nur eine Plattform, sondern eine wunderbare, saftige, durch und durch theatrale Inszenierung, die das Rohmaterial übersteigt.

The Silver Tassie zeigt ganz klar, was das National Theatre – und insbesondere die Lyttelton-Bühne – vermag.

Großartig!