RECENSIONE: Queen Of The Mist, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves recensisce Queen Of The Mist di Michael John LaChiusa, ora in scena al Charing Cross Theatre di Londra.

Queen Of The Mist

Charing Cross Theatre,

31 agosto 2019

5 stelle

Prenota i biglietti Questo è uno dei musical più raffinati e deliziosi attualmente in cartellone a Londra, e chiunque ami questo tipo di teatro e possa raggiungere la sala non dovrebbe lasciar passare le prossime quattro settimane senza fare il possibile per vederlo.  La straordinaria meditazione, spesso interamente musicata, di Michael John LaChiusa sulla vita e la personalità di Anna Edison Taylor — il primo essere umano a gettarsi dalle Cascate del Niagara e sopravvivere per raccontarlo — ha debuttato negli Stati Uniti otto anni fa; questa prima produzione britannica ha aperto all’inizio della primavera al meraviglioso Brockley Jack Studio, nel Sud di Londra.  Già incisa in un doppio CD, quella messinscena si è poi trasferita in questo teatro Off-West End in una versione molto ampliata e ripensata nella regia.  È bello quanto suona, e offre una storia coinvolgente e diversa dal solito, con moltissima attinenza al nostro presente.

Il regista Dom O'Hanlon la affronta nello stesso modo in cui l’ho visto trattare ogni altro lavoro di teatro musicale: come un testo di prosa.  Nel suo mondo non esiste una separazione tra attori che parlano e attori che cantano — cosa ancor più sorprendente, perché la musica che devono cantare è tutto fuorché “conversazionale”.  LaChiusa è enormemente dotato in ogni disciplina: scrittura del testo, liriche e partitura; e qui adotta una tavolozza di stili “d’epoca” che ingannano l’orecchio facendoci credere di essere davvero all’alba del Novecento: ci sono cakewalk e valzer, ballate e marce, operetta e sonorità operistiche che vanno da Sousa a Irving Berlin fino a Charles Ives o Richard Strauss; e poi arrivano echi di generi più contemporanei, come la raffinata maestria di Sondheim.  Brillantemente melodico e orchestrato magnificamente da Michael Starobin per una tradizionale buca con otto elementi (tastiere - Erika Gundesen, Ashley Jacobs; archi - Grace Buttler, Hannah Thomas, Jack Cherry; corno francese - Maude Wolstenholme; e legni - Claire Shaw, Simon Williams), il tutto unito alle voci di prim’ordine del cast di sette interpreti (tre donne, quattro uomini), regala uno dei suoni più ricchi che si possano ascoltare in questo momento a Londra.

Ma l’elemento decisivo, sul piano dell’esecuzione, è la presenza magistrale del direttore musicale e direttore d’orchestra Connor Fogel, che governa l’enorme partitura con aplomb, ottenendo un equilibrio impeccabile (anche grazie al sound design perfettamente calibrato di Adrian Jeakins, con i vice Henry Whittaker e Chris Love) e una chiarezza espressiva che metterebbe facilmente in difficoltà un professionista meno solido.  Qui la spinta in avanti dello spettacolo non è mai in discussione; il ritmo è impeccabile, con una partitura che — a differenza di tanti titoli convenzionali — costruisce e accresce la tensione fino all’ultimissimo istante.  In effetti funziona molto più come un’opera che come qualsiasi altra cosa: ogni numero si innesta sul precedente e ci porta in un viaggio musicale di scoperta e rivelazione.

Al centro di questo risultato c’è la straordinaria interpretazione di Trudi Camilleri nel ruolo principale.  Vista qui non molto tempo fa come Mother in Ragtime, si era dimostrata impressionante sostituendo con breve preavviso l’indisposta Anita Louise Combe.  Il produttore Blake Klein le ha proposto di affrontare con lui un progetto importante, e poi è andato a cercare lo spettacolo giusto.  Col tempo, con l’accordo di LaChiusa, è arrivato a questo: ma questa parte è una sfida di tutt’altra, ben maggiore portata.  Quasi mai fuori scena, Anna è la figura attraverso cui e in cui vediamo e viviamo l’intero dramma.  Per fortuna, Camilleri ha alle spalle l’esperienza di grandi ruoli operistici (Butterfly, Mimì, Sieglinde) e anni di pratica in questo repertorio.  È di gran lunga il membro più esperto del cast e sprigiona un’autorità e una concentrazione che dominano giustamente: vocalmente passa con perfetta disinvoltura dalla densità drammatica a pianissimi impalpabili, la dizione è affilatissima e il fraseggio scorrevole e naturale.  L’unico problema che incontra — e non dipende da lei — è che lo spettacolo impiega circa 15 minuti per ingranare davvero.  Messo proprio all’inizio, sembra più un ostacolo di quanto non sia.  L’unica vera debolezza costruttiva di LaChiusa.  Quello che segue la ripaga ampiamente.

Il resto della compagnia forma un ottimo “coro”, commentando la stagnazione di Taylor come insegnante di provincia, schiacciata, ignorata e trascurata — insegnante, trainer, terapista — in una piccola America che non riesce a cogliere quale “grandezza” inappagata e inespressa porti dentro di sé; poi li sentiamo raccontare la sua straordinaria ascesa come ideatrice e pianificatrice scientifica di una delle imprese più spericolate, una “stunt” da temerari che, a cavallo del secolo scorso, lasciò a bocca aperta un pubblico affamato di sensazioni; infine, sono lì per narrarci il suo successivo sbiadire di nuovo nell’oscurità e mostrarci cosa accadde a tutti coloro che tentarono di imitarla e superare la sua impresa.  Eppure, è nelle loro dimensioni più personali — come incarnazioni di persone reali della sua vita — che risultano davvero memorabili.

Will Arundell ha un percorso scritto molto bene anche per sé, nel ruolo del suo “agente” Frank Russell, trovando nel personaggio note sorprendenti, soprattutto nella seconda metà.  Talvolta impiegata anche come cover di Anna, Emily Juler interpreta di norma la sorella Jane e anche un altro personaggio del tutto contrastante, la “Bionda”; è un contrappunto splendido alla determinazione e al bombast assertivo della sorella vedova e disperata.  Altrettanto incisiva è Emma Ralston, che in questa produzione arriva a una piena maturità con una caratterizzazione e una performance che la collocano tra quelle interpreti che vedrete scritturate ancora e ancora per ruoli nel West End: il suo scontro del Secondo Atto con Taylor, nei panni della sua tenace avversaria Carrie Nation, è una battaglia tra titani degna di Handel e uno dei vertici drammatici della serata.  La sua minuziosa attenzione al dettaglio e la sua gelida compostezza e padronanza sono, senza dubbio, frutto della regia sensibile e intelligente di O'Hanlon, che ha lavorato con tutto il cast con precisione, concentrazione e finezza.  Tom Blackmore è un altro beneficiario di questa arte: cresce visibilmente in forza e fascino con il procedere della recita, e il suo Giovane Soldato è una caratterizzazione di eloquente economia e misura.  Infine, il baritono caldo di Conor McFarlane si abbina bene al basso ancora più scuro, sensualmente più ricco, di Andrew Carter.  Alla recita a cui ho assistito, ho visto anche Matthew Gent entrare in scena per sostituire un Carter improvvisamente indisposto: la sua intensità nervosa e spigolosa si è integrata altrettanto bene con il resto dell’ensemble.  Natalie Williams è l’altra cover.

Tutto questo avviene sul palcoscenico aperto in traversa di questo teatro, una cornice perfetta per qualsiasi musical da camera di dimensioni contenute.  I lati sono vestiti — anzi, troppo vestiti — con un corredo decorativo assemblato da Tara Usher.  La ricchezza della scrittura del testo, però, così come la sua notevolmente elegante idea per i costumi (realizzata e rifinita con gusto da Lemington Ridley — Karolina Pociute si occupa brillantemente dei capelli e del trucco di tutti), rende molta di questa “baraonda” piuttosto superflua e d’intralcio.  Non così per il lighting design impeccabile di Beth Gupwell, che sprigiona una grandiosità epica con audaci effetti espressionisti e una quasi mistica assimilazione dell’andamento e riflusso dei profili della partitura musicale. Nel complesso, però, come creazione unitaria, è una produzione di cui tutti i coinvolti possono giustamente sentirsi immensamente orgogliosi.  È uno spettacolo incantevole, in miniatura, che meriterebbe una produzione più grande e una registrazione superba che vi verrà voglia di riascoltare ancora e ancora per godervi le sue splendide melodie, l’energia drammatica e l’ingegnosa capacità di raccontare.  È una grande testimonianza dei punti di forza e dei doni di Michael John LaChiusa: possiamo, per favore, vederne e sentirne molto di più?  Tra decenni, prevedo, ci chiederemo tutti perché il suo lavoro non sia stato messo in scena e visto più spesso.  Per il resto di questo mese avete l’occasione di fare qualcosa al riguardo: quindi coglietela al volo, con entrambe le mani.  Proprio come Anna!