RESEÑA: Reina de la Niebla, Teatro Charing Cross ✭✭✭✭✭

Julian Eaves reseña Queen Of The Mist, de Michael John LaChiusa, actualmente en cartel en el Charing Cross Theatre de Londres.

Queen Of The Mist

Charing Cross Theatre,

31 de agosto de 2019

5 estrellas

Reservar entradas Este es uno de los mejores y más deliciosos musicales que pueden verse ahora mismo en Londres, y nadie que ame este tipo de teatro y tenga el recinto a su alcance debería dejar pasar las próximas cuatro semanas sin hacer todo lo posible por verlo.  La notablemente sinfónica, a menudo compuesta de forma continua, meditación de Michael John LaChiusa sobre la vida y el carácter de Anna Edison Taylor —la primera persona en caer por las cataratas del Niágara y sobrevivir para contarlo— se estrenó en Estados Unidos hace ocho años, y esta primera producción británica se inauguró a principios de primavera en el magnífico Brockley Jack Studio, en el sur de Londres.  Ya grabada como doble CD, aquella producción se ha trasladado después a este teatro Off-West End en una versión muy ampliada y replanteada.  Se ve tan bien como suena y ofrece una historia absorbente y distinta, con una relevancia enorme para nuestro tiempo.

El director Dom O'Hanlon responde a la pieza del mismo modo en que le he visto abordar todo lo demás en el teatro musical: como si fuera una obra de texto.  En su mundo no hay nada que separe a los actores cuando hablan y cuando cantan, lo cual es todavía más asombroso porque la música que deben interpretar no tiene, en absoluto, un carácter conversacional.  LaChiusa posee un talento extraordinario en todas las disciplinas: texto, letras y partitura; y aquí despliega una paleta de estilos "de época" que engañan al oído y nos hacen creer que estamos realmente en los albores del siglo XX: hay cake-walks, valses, baladas y marchas, opereta y sonoridades operísticas que van de Sousa a Irving Berlin, pasando por Charles Ives o Richard Strauss; y luego aparecen ecos de géneros más contemporáneos, como la ingeniosa artesanía de Sondheim.  Brillantemente melódica y orquestada de manera fantástica por Michael Starobin para una banda de foso convencional de ocho músicos (teclados: Erika Gundesen, Ashley Jacobs; cuerdas: Grace Buttler, Hannah Thomas, Jack Cherry; trompa: Maude Wolstenholme; y maderas: Claire Shaw, Simon Williams), combinada con las voces de primera clase del reparto de siete (tres mujeres y cuatro hombres), esta es una de las sonoridades más ricas que se pueden escuchar ahora mismo en Londres.

Pero el factor decisivo en el resultado debe ser la magistral presencia del director musical y director de orquesta Connor Fogel, que maneja la enorme partitura con aplomo, logrando un equilibrio impecable (también gracias al diseño de sonido perfectamente calibrado de Adrian Jeakins, con los asistentes Henry Whittaker y Chris Love) y una claridad expresiva que podría derrotar fácilmente a un profesional de menor nivel.  Aquí, el impulso hacia adelante del espectáculo nunca se pone en duda; el ritmo es impecable en una partitura que, a diferencia de tantos montajes convencionales, se construye de forma continua y aumenta la tensión hasta el último instante.  De hecho, funciona mucho más como una ópera que como cualquier otra cosa: cada número se apoya en el anterior y nos conduce por un viaje musical de descubrimiento y revelación.

En el centro de este logro está la asombrosa interpretación de Trudi Camilleri en el papel protagonista.  Vista no hace mucho como la Madre en Ragtime, demostró una capacidad impresionante al sustituir con poca antelación a la indispuesta Anita Louise Combe.  El productor Blake Klein se acercó a ella y le pidió que hiciera con él un proyecto grande, y después se fue a buscar el espectáculo adecuado.  A su debido tiempo, con el acuerdo de LaChiusa, dio con este: pero este papel supone un desafío de una magnitud muchísimo mayor.  Casi nunca fuera de escena, Anna es la persona a través de la cual —y en la cual— vemos y vivimos el conjunto del drama.  Por suerte, Camilleri tiene práctica en grandes roles operísticos (Butterfly, Mimì, Sieglinde) y además lleva años haciéndolo.  Es, con diferencia, el miembro más veterano del reparto, y desprende una autoridad y una concentración que, con justicia, dominan la función: vocalmente, cambia con absoluta solvencia entre la densidad dramática y unos pianissimi ligerísimos; su dicción es afilada como una cuchilla y su fraseo, fácil y natural.  El único problema —y no es culpa suya— es que el espectáculo tarda unos 15 minutos en arrancar de verdad.  Al ocurrir justo al inicio, parece más grave de lo que realmente es.  El único fallo constructivo de LaChiusa.  Lo que viene después lo compensa con creces.

El resto de la compañía conforma un excelente "coro" que comenta el estancamiento de Taylor como maestra de pueblo, pisoteada, ignorada y pasada por alto —docente, entrenadora, terapeuta— en una América provinciana que no alcanza a comprender la grandeza no cumplida, no expresada, que hay en ella; y luego los escuchamos comentar su extraordinario ascenso como instigadora y planificadora "científica" de una de las hazañas temerarias más osadas, que asombró a un público hambriento de sensaciones en el cambio de siglo; finalmente, están ahí para contarnos cómo después vuelve a desvanecerse en la oscuridad y para mostrarnos qué ocurrió con todos los que intentaron imitar y superar su logro.  Con todo, es en sus facetas más personales, como encarnaciones de personas reales en su vida, cuando resultan más memorables.

Will Arundell también recorre un viaje muy bien escrito como su "agente", Frank Russell, encontrando matices sorprendentes en su papel, especialmente en la segunda mitad.  Emily Juler, que en ocasiones también se encarga de la función de suplente de Anna, suele interpretar a su hermana Jane y, además, a otro personaje completamente contrastado, la "Rubia"; es un contrapunto magnífico a la fanfarronería asertiva y a la determinación de su hermana viuda y desesperada.  Igual de impactante es Emma Ralston, que alcanza la madurez en esta producción con una caracterización y una interpretación que la sitúan entre esas intérpretes a las que verás una y otra vez en repartos del West End: su enfrentamiento del segundo acto con Taylor, como su firme oponente Carrie Nation, es una batalla de titanes digna de Händel y uno de los puntos álgidos dramáticos de esta producción.  Su atención minuciosa al detalle y su gélida compostura y control son, sin duda, fruto de la dirección sensible e inteligente —típica— de O'Hanlon, que ha trabajado con todo el reparto con una precisión y una delicadeza extraordinarias.  Tom Blackmore es otro beneficiario de este arte: se hace visiblemente más sólido y fascinante conforme avanza la función, con un Joven Soldado construido con una economía y una modestia muy elocuentes.  Por último, el barítono cálido de Conor McFarlane combina bien con el bajo aún más oscuro y sensualmente más opulento de Andrew Carter.  En la función a la que asistí, también pude ver a Matthew Gent incorporarse para sustituir a un Carter que enfermó de repente: su intensidad fibrosa y angulosa encajó igual de bien con el resto del conjunto.  Natalie Williams es la otra suplente.

Todo esto ocurre sobre el escenario abierto y en pasarela de este teatro, un marco perfecto para cualquier musical de cámara de dimensiones modestas.  Los laterales están vestidos —demasiado vestidos— con elementos decorativos reunidos por Tara Usher.  Sin embargo, la riqueza de la escritura del texto, así como su concepto de vestuario, impresionantemente hermoso (realizado y rematado con tino por Lemington Ridley; Karolina Pociute se ocupa de forma brillante del pelo y el maquillaje de todos), hace que buena parte de ese abarrotamiento parezca redundante y un estorbo.  No ocurre lo mismo con el diseño de iluminación, impecable, de Beth Gupwell, que impone una grandeza épica con atrevidos efectos expresionistas y una asimilación casi mística del flujo y reflujo de los contornos de la partitura musical. En conjunto, sin embargo, como creación combinada, es una producción de la que todos los implicados pueden sentirse inmensamente orgullosos, con toda justicia.  Es un espectáculo deslumbrante, en miniatura, que merecería una producción mayor y una magnífica grabación que te encantará poner una y otra vez para saborear sus bellas melodías, su energía dramática y su ingeniosa manera de contar la historia.  Es un gran testimonio de las fortalezas y los dones de Michael John LaChiusa; ¿podremos ver y escuchar mucho más de él?  Dentro de décadas, lo anticipo, todos nos preguntaremos por qué su obra no se representó y vio con más frecuencia.  Durante lo que queda de este mes, tienes la oportunidad de hacer algo al respecto: así que aprovecha la ocasión con ambas manos.  ¡Igual que Anna!