CRITIQUE : La Reine de la Brume, Théâtre Charing Cross ✭✭✭✭✭

Julian Eaves passe en revue Queen Of The Mist de Michael John LaChiusa actuellement au Charing Cross Theatre, Londres.

Queen Of The Mist

Charing Cross Theatre,

31 août 2019

5 Étoiles

Réservez vos billets C'est l'une des plus belles et des plus délicieuses comédies musicales actuellement proposées à Londres, et nul amateur de théâtre qui se respecte et qui est à proximité ne devrait laisser passer les quatre prochaines semaines sans faire de son mieux pour la voir. Michael John LaChiusa propose une méditation remarquablement symphonique, souvent composée, sur la vie et le caractère d'Anna Edison Taylor, la première personne à avoir franchi les chutes du Niagara et à avoir survécu pour raconter son histoire. Créée aux États-Unis il y a huit ans, cette première production britannique a débuté plus tôt au printemps au merveilleux Brockley Jack Studio dans le sud de Londres. Déjà enregistrée en double CD, cette production a ensuite été transférée dans cette salle Off-West End sous une forme beaucoup plus élaborée et redirigée. Elle est aussi belle visuellement qu’auditivement et propose une histoire captivante, différente à voir, dotée d’une grande pertinence pour notre époque.

Le metteur en scène Dom O'Hanlon y répond de la même manière que je l'ai vu faire pour tout le reste du théâtre musical : comme une pièce. Il n'y a rien dans son monde pour distinguer les acteurs qui parlent de ceux qui chantent, ce qui est d'autant plus étonnant que la musique qu'ils doivent chanter est tout sauf conversationnelle. LaChiusa possède un talent immense dans toutes les disciplines de l'écriture de texte, de paroles et de musique, et ici il adopte une palette de styles « d’époque » qui trompent l’oreille en nous faisant croire que nous sommes vraiment à l’aube du 20ème siècle : il y a des cake-walks, des valses, des ballades et des marches, des sons d’opérette et d’opéra allant de Sousa à Irving Berlin, de Charles Ives à Richard Strauss ; puis, nous entendons des échos de genres plus contemporains, comme l’art intelligent de Sondheim. Brillamment mélodieux et formidablement orchestré par Michael Starobin pour un orchestre conventionnel de huit musiciens (claviers - Erika Gundesen, Ashley Jacobs ; cordes - Grace Buttler, Hannah Thomas, Jack Cherry ; cor français - Maude Wolstenholme ; et anches – Claire Shaw, Simon Williams), associé aux voix de premier ordre des sept membres de la distribution (trois femmes, quatre hommes), c’est l’un des sons les plus riches que vous entendrez actuellement à Londres.

Mais le facteur décisif de la performance doit être la présence magistrale du directeur musical et chef d'orchestre Connor Fogel, qui gère l'énorme partition avec aplomb, obtenant un équilibre impeccable (également grâce à la conception sonore parfaitement jugée d'Adrian Jeakins, avec les suppléants Henry Whittaker et Chris Love), et une clarté d’expression qui pourrait facilement vaincre un professionnel moins qualifié. Ici, l'élan du spectacle n'est jamais en doute ; le rythme est impeccable avec une partition qui, à l'inverse de tant de spectacles conventionnels, se construit et augmente continuellement en tension jusqu'au tout dernier moment. En fait, il fonctionne beaucoup plus comme un opéra que tout autre chose, chaque numéro s’appuyant sur son prédécesseur pour nous emmener dans un voyage musical de découverte et de révélation.

Au centre de cette réussite, on retrouve la performance étonnante dans le rôle principal de Trudi Camilleri. Vue ici il n'y a pas si longtemps en tant que Mère dans 'Ragtime', elle a montré sa capacité impressionnante en remplaçant à court préavis Anita Louise Combe indisposée. Le producteur Blake Klein l’a approchée et lui a proposé de faire un grand projet avec lui, puis il est parti à la recherche du bon spectacle. Finalement, avec l'accord de LaChiusa, il a proposé celui-ci : mais ce rôle est un défi d'une ampleur tout à fait inédite. Presque toujours sur scène, Anna est la personne à travers laquelle et en qui nous voyons et expérimentons l'intégralité du drame. Heureusement, Camilleri a eu la pratique de chanter de grands rôles d’opéra (Butterfly, Mimi, Sieglinde) et a des années d’expérience dans ce domaine. Elle est de loin le membre le plus expérimenté de la distribution et exsude une autorité et une concentration qui dominent à juste titre : vocalement, elle est parfaitement apte à passer de la lourdeur dramatique à des pianissimi légers comme l’air, sa diction est aiguisée et son phrasé facile et naturel. Le seul problème qu’elle rencontre - et ce n’est pas de son fait - est que le spectacle met environ 15 minutes à vraiment démarrer. Arrivant directement au début, cela semble être un problème plus important qu'il ne l'est vraiment. La seule faille de LaChiusa dans la construction. Ce qui suit compense largement cela.

Le reste de la troupe forme un excellent « chœur » commentant la stagnation de Taylor en tant qu'institutrice négligée, ignorée et oubliée, entraîneur, thérapeute, dans une petite ville américaine qui ne comprend tout simplement pas la ‘grandeur’ inassouvie, inexpressée qu’elle possède ; et ensuite, on les entend commenter son ascension remarquable en tant qu'instigatrice et planificatrice scientifique de l'un des plus audacieux de ces « exploits » casse-cou qui ont fasciné un public avide de sensations à la fin du siècle dernier ; finalement, ils sont là pour nous raconter sa suite d'obscurité, et nous montrer ce qui est arrivé à tous ceux qui ont essayé d’imiter et de surpasser son exploit. Cependant, c’est dans leurs capacités plus personnelles, en tant qu’incarnations de personnes réelles dans sa vie, qu'on les retient le mieux.

Will Arundell a lui-même un voyage bien écrit à entreprendre en tant qu’agent d'Anna, Frank Russell, trouvant d’étonnantes notes à frapper dans son rôle, notamment dans la seconde moitié. Parfois également entendue dans la fonction de secours pour Anna, Emily Juler joue généralement sa sœur, Jane, et aussi un autre personnage complètement contrasté, la 'Blonde' ; elle est un merveilleux contrepoint à la bombastique affirmation de son aînée veuve désespérée. Tout aussi marquante, Emma Ralston prend de l'âge dans cette production avec une caractérisation et une performance qui la placent parmi ceux que vous verrez être distribués encore et encore dans les rôles du West End : son affrontement du 2ème acte avec Taylor, en tant qu’adversaire acharné, Carrie Nation, est une bataille de titans digne de Handel et l’un des grands moments dramatiques de cette production. Sa minutieuse attention aux détails et son sang-froid et contrôle glacés sont, sans aucun doute, le résultat de la direction typiquement sensible et intelligente d'O'Hanlon, qui a travaillé avec toute la distribution avec une concentration et une finesse si précises. Tom Blackmore est un autre bénéficiaire de cet art : il devient visiblement plus fort et plus fascinant à mesure que la performance se développe, avec son Jeune Soldat en une caractérisation d’économie et de modestie éloquente. Enfin, le baryton chaleureux de Conor McFarlane se marie bien avec le basse encore plus sombre et sensuellement plus riche d'Andrew Carter. Lors de la représentation à laquelle j'ai assisté, j'ai également vu Matthew Gent substituer au Carter soudainement souffrant : son intensité angulaire et nerveuse a aussi bien fonctionné avec le reste de l'ensemble. Natalie Williams est l'autre doublure.

Tout cela se déroule sur la scène ouverte et en travers de ce théâtre, qui est un cadre parfait pour tout modeste théâtre musical de chambre. Les côtés sont décorés – sur-décorés – avec du bric-à-brac décoratif assemblé par Tara Usher. Cependant, la richesse de l'écriture dans le texte, tout comme son concept impressionnant pour les costumes (réalisé et terminé avec une flair appropriée par Lemington Ridley - Karolina Pociute veille brillamment aux coiffures et maquillages de chacun), rendent une grande partie de ce désordre plutôt superflue et gênante. Ce n'est pas le cas avec la conception d'éclairage d'une justesse absolue de Beth Gupwell, qui commande une grandeur épique avec des effets expressionnistes audacieux et une assimilation presque mystique du flux et du reflux des contours de la partition musicale. Dans l'ensemble, cependant, en tant que création combinée, c'est une production dont tous les concernés peuvent légitimement être immensément fiers. C'est un spectacle ravissant, réduit, qui mériterait une production plus grande et un superbe enregistrement que vous aimerez écouter encore et encore pour savourer toutes ses belles mélodies, son énergie dramatique et son récit ingénieux. C’est un grand témoignage des forces et des dons de Michael John LaChiusa, et laissez-nous espérer que nous verrons et entendrons beaucoup plus de son travail ! Des décennies plus tard, je prévois, nous nous demanderons tous pourquoi son travail n’a pas été plus souvent interprété et vu. Pour le reste de ce mois, vous avez l'opportunité de faire quelque chose à ce sujet, alors saisissez votre chance à pleines mains. Tout comme Anna !