CRITIQUE : La Reine de la Brume, Théâtre Charing Cross ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique Queen Of The Mist de Michael John LaChiusa, actuellement à l'affiche au Charing Cross Theatre, Londres.

Queen Of The Mist

Charing Cross Theatre,

31 août 2019

5 Étoiles

Réserver des Billets C'est l'une des comédies musicales les plus exquises et délicieuses actuellement proposées à Londres et personne qui aime le théâtre et se trouve à proximité ne devrait laisser passer les quatre prochaines semaines sans faire de son mieux pour la voir.  La méditation remarquablement symphonique, souvent composée de Michael John LaChiusa sur la vie et le caractère d'Anna Edison Taylor, la première personne à avoir franchi les chutes du Niagara et à avoir survécu pour raconter l'histoire, a été créée aux États-Unis il y a huit ans et cette première production britannique a été ouverte plus tôt au printemps au merveilleux Brockley Jack Studio dans le sud de Londres.  Déjà enregistrée sous forme de double CD, cette production a ensuite été transférée dans cette maison Off-West End sous une forme bien augmentée et réorientée.  Elle est aussi belle qu'elle sonne et offre une histoire engageante et différente à voir, avec une abondance de pertinence pour notre temps.

Le metteur en scène Dom O'Hanlon y répond de la même manière que je l'ai vu faire dans tous ses autres travaux de théâtre musical : comme une pièce de théâtre.  Dans son monde, rien ne sépare les acteurs qui parlent et chantent, ce qui est d'autant plus étonnant que la musique qu'ils doivent chanter est tout sauf conversationnelle.  LaChiusa est immensément talentueux dans toutes les disciplines d'écriture de texte, de paroles et de musique, et ici, il utilise une palette de styles 'd'époque' qui trompent l'oreille en nous faisant croire que nous sommes vraiment à l'aube du 20ème siècle : il y a des cake-walks, des valses, des ballades et des marches, des sonorités d'opérette et d'opéra s'étendant de Sousa à Irving Berlin en passant par Charles Ives ou Richard Strauss; et puis, nous entendons des échos de genres plus contemporains, comme le talent artistique intelligent de Sondheim.  Brillamment mélodieux et fantastiquement bien orchestré par Michael Starobin pour un orchestre conventionnel de huit musiciens (claviers - Erika Gundesen, Ashley Jacobs; cordes - Grace Buttler, Hannah Thomas, Jack Cherry; cor - Maude Wolstenholme; et bois - Claire Shaw, Simon Williams), combinés avec les voix de premier ordre du casting de sept (trois femmes, quatre hommes), c'est l'un des sons les plus riches que vous entendrez actuellement à Londres.

Mais le facteur décisif de la performance doit être la présence magistrale du directeur musical et chef d'orchestre Connor Fogel, qui gère l'immense partition avec aplomb, réalisant un équilibre impeccable (grâce également à la conception sonore parfaitement jugée d'Adrian Jeakins, avec des suppléants Henry Whittaker et Chris Love), et une clarté d'expression qui pourrait facilement défaire un professionnel moindre.  Ici, l'élan avant du spectacle n'est jamais en doute; le rythme est impeccable avec une partition qui, contrairement à tant de spectacles conventionnels, continue de construire et d'augmenter en tension jusqu'au tout dernier moment.  En fait, elle fonctionne bien plus comme un opéra que n'importe quoi d'autre, chaque numéro se construisant sur le précédent pour nous emmener dans un voyage musical de découverte et de révélation.

Au centre de cette réalisation se trouve la performance étonnante dans le rôle principal de Trudi Camilleri.  Vue ici il n'y a pas si longtemps comme la Mère dans 'Ragtime', elle était remarquablement capable de remplacer à court préavis Anita Louise Combe indisposée.  Le producteur Blake Klein l'a approchée et lui a demandé de faire un grand projet avec lui, puis est parti à la recherche du bon spectacle.  En temps voulu, avec l'accord de LaChiusa, il est arrivé avec celui-ci : mais ce rôle est un défi d'une ampleur bien, bien plus grande.  Presque jamais hors scène, Anna est la personne à travers laquelle et en qui nous voyons et vivons toute la drame.  Heureusement, Camilleri a déjà pratiqué des rôles d'opéra exigeants (Butterfly, Mimi, Sieglinde) et a des années d'expérience en la matière.  Elle est de loin le membre le plus expérimenté du casting et dégage une autorité et une concentration qui dominent à juste titre : vocalement, elle est parfaitement apte à passer d'une gravité dramatique à des pianissimi légers comme l'air, sa diction est tranchante et son phrasé facile et naturel.  Le seul problème qu'elle a - et ce n'est pas de son fait - est que le spectacle met environ 15 minutes à vraiment démarrer.  Au tout début, cela semble un problème plus important qu'il ne l'est vraiment.  La seule faille de LaChiusa dans la construction.  Ce qui suit compense largement.

Le reste de la compagnie constitue un excellent 'chœur' commentant la stagnation de Taylor en tant que professeur, entraîneur, thérapeute opprimée, ignorée et négligée dans une petite ville américaine qui ne comprend tout simplement pas la 'grandeur' non accomplie et non exprimée qu'elle possède ; et ensuite, ils sont entendus en train de commenter son ascension remarquable en tant qu'instigatrice et planificatrice scientifique de l'une des plus audacieuses 'cascades' qui a émerveillé un public avide de sensation au tournant du siècle dernier ; finalement, ils sont là pour nous parler de son retour progressif à l'obscurité, et nous montrent ce qui est arrivé à tous ceux qui ont essayé d'imiter et de surpasser sa réalisation.  Cependant, c'est dans leurs capacités plus personnelles, en tant qu'incarnations de personnes réelles dans sa vie qu'ils sont le plus mémorés.

Will Arundell a un rôle bien écrit à jouer lui-même en tant qu'agent', Frank Russell, trouvant des notes surprenantes à frapper dans son rôle, surtout dans la seconde moitié.  Également parfois entendue dans la fonction de remplaçante pour Anna, Emily Juler joue généralement sa sœur, Jane, et aussi un autre personnage complètement contrasté, la 'Blonde' ; elle est un merveilleux contrepoint à la bombasticité assertive et à la détermination de sa sœur veuve et désespérée.  Tout aussi remarquable est Emma Ralston, qui arrive à maturité dans cette production avec une caractérisation et une performance qui la placent parmi celles que vous verrez castées encore et encore dans des rôles du West End : son duel au 2ème acte avec Taylor, en tant qu'adversaire déterminée, Carrie Nation, est une bataille de titans digne de Handel et un des points forts dramatiques de cette production.  Son attention minutieuse aux détails et sa maîtrise glaciale et son contrôle sont, sans aucun doute, le résultat d'une direction typiquement sensible et intelligente d'O'Hanlon, qui a travaillé avec tout le casting avec une concentration et une finesse précises.  Tom Blackmore est un autre bénéficiaire de cet art : il se renforce visiblement et devient plus fascinant à mesure que la performance se développe, son Soldat Jeune étant une caractérisation d'économie et de modestie éloquente.  Enfin, le baryton chaudement timbré de Conor McFarlane s'accorde bien avec la basse encore plus sombre et plus luxueuse d'Andrew Carter.  À la performance que j'ai assistée, j'ai également vu Matthew Gent monter sur scène pour remplacer un Carter soudainement indisposé : son intensité nerveuse et angulaire s'intégrait tout aussi bien avec le reste de l'ensemble.  Natalie Williams est l'autre suppléante.

Tout cela se déroule sur la scène ouverte et en traversée de ce théâtre, qui est un cadre parfait pour tout théâtre musical de chambre modeste.  Les côtés sont habillés - surchargés - de bibelots décoratifs assemblés par Tara Usher.  La richesse de l'écriture dans le texte, cependant, de même que son concept impressionnant pour les costumes (réalisé et complété avec flair par Lemington Ridley - Karolina Pociute s'occupe brillamment des cheveux et maquillages de tout le monde), rendent une grande partie de cet encombrement plutôt redondant et gênant.  Cela ne vaut pas pour le design d'éclairage parfaitement adapté de Beth Gupwell, qui commande une grandeur épique avec des effets expressionnistes audacieux et une assimilation presque mystique des flux et reflux des contours de la partition musicale. Globalement, en tant que création combinée, c'est une production dont tous les concernés peuvent à juste titre être immensément fiers.  C'est un spectacle ravissant, en miniature, qui mérite bien une production plus grande et un superbe enregistrement que vous aimerez écouter encore et encore pour toutes ses belles mélodies, son énergie dramatique et son histoire ingénieuse.  C'est un excellent témoignage des forces et dons de Michael John LaChiusa, et s'il vous plaît, pouvons-nous en voir et entendre beaucoup plus de lui?  Dans des décennies, j'anticipe que nous nous demanderons tous pourquoi son travail n'a pas été plus souvent joué et vu.  Pour le reste de ce mois, vous avez une opportunité de faire quelque chose à ce sujet, alors saisissez votre chance à pleines mains.  Juste comme Anna!