RESEÑA: Juventud sin Dios, Teatro Coronet ✭✭✭

Julian Eaves reseña Juventud sin Dios, dramatizada por Christopher Hampton y dirigida por Stephanie Mohr, ahora en escena en el Coronet Theatre.

Malcolm Cumming - Neumann, Finnian Garbutt - Bauer, Raymond Anum - Ziegler, Owen Alun - Reiss, Nicholas Nunn - Trauner, Brandon Ashford - Feuerbach. Foto: Tristram Kenton Juventud sin Dios

Coronet Theatre

23 de septiembre de 2019

3 Estrellas

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Para cualquiera que piense que la historia tiende a repetirse y que ve en el estado de ánimo y el rumbo de nuestros tiempos un incómodo paralelismo con lo que afligió al mundo hace unas generaciones, no podría encontrarse una mejor lección que en la severa novela de Ödön von Horváth, 'Juventud sin Dios' ('Jugend ohne Gott'). Publicada en Ámsterdam en 1937, describe la vida contemporánea en Alemania bajo los nacionalsocialistas, vista desde el punto de vista de un pequeño pueblo, a través de los ojos de un maestro local, un observador sardónicamente distante (¿algo así como el propio Horváth?), quien, no obstante, está atormentado por la necesidad de buscar y encontrar la verdad. Horváth era esencialmente un dramaturgo, que solo recurrió a la prosa porque, después de que los nazis llegaron al poder, no podía poner en escena sus obras. A lo largo de los años, se han realizado varias adaptaciones, algunas de las cuales han modernizado y dado inmediatez y relevancia a la historia, otras más tradicionales. Hace diez años en Viena, Christopher Hampton, un especialista en llevar escritores europeos a los escenarios, presentó su dramatización, traducida y luego vuelta a traducir al alemán por otras manos. La versión cuidadosa y respetuosa de Hampton en inglés ha llegado ahora a la bohemia Notting Hill Gate y al interior decrépito y neobarroco del Coronet Theatre, justo cuando el mundo a nuestro alrededor parece estar deslizándose nuevamente hacia la demagogia populista de derecha.

Christopher Bowen, David Beames, Finnian Garbutt, Anna Munden, Nicholas Nunn, Raymond Anum, Alex Waldmann. Foto: Tristram Kenton

Dirigir esta producción es otra nueva incorporación del teatro principalmente de habla alemana de Europa Central, Stephanie Mohr, haciendo su debut en el Reino Unido. Trabajando con el diseñador Justin Nardella, nos ofrece una interpretación de aire de época, enmarcada por tres paredes de pizarras, sobre las cuales el elenco escribe y dibuja con tiza blanca a medida que avanza la narrativa. Seis jóvenes actores adultos, vistos primero con acordeones colgados de sus hombros, interpretan a los escolares, con calcetines largos y pantalones cortos, con un personaje femenino joven, tres hombres y una mujer interpretando los otros papeles. Para un teatro tan pequeño, parece un elenco grande. Sin embargo, hay una sensación de que la producción no sabe muy bien qué hacer con estos recursos.

Nicholas Nunn. Foto: Tristram Kenton

La trama, tal como es, es una especie de thriller: de hecho, se convierte en un misterio de asesinato. Pero, ¿quién lo lidera y cuál es su objetivo? Comenzamos con un padre que se queja (uno de los muchos papeles hábilmente ejecutados de Christopher Bowan), antes de cambiar a las investigaciones más serias perseguida por el maestro de escuela (Alex Waldmann, apacible y curiosamente sin pasión) y el fiscal local (una de las encarnaciones múltiples y bien dibujadas de David Beames). Al mismo tiempo, los jóvenes están todos haciendo sus propias indagaciones. Ahora, capturar esta atmósfera de espionaje y fisgoneo omnipresente, ¿y culpa universal? - es una tarea complicada, y aquí solo se realiza imperfectamente. Cuanto más permanecemos con la obra, más sentimos que tenemos una noción de hacia dónde debería, o podría, ir, y nos preguntamos por qué no es capaz de llegar allí, o al menos de hacernos creer que está más definitivamente en el camino correcto. Hay algunos elementos interesantes, pero no se sienten del todo cohesionados.

Malcolm Cumming, David Beames, Nicholas Nunn, Brandon Ashford, Raymond Anum, Christopher Bowen, Finnian Garbutt, Alex Waldmann

¿Qué falta? Bueno, aquí está una posible idea: el teatro alemán que conozco se apoya firmemente en la riqueza del idioma en sí mismo y en una intensidad de entrega que es asombrosamente directa en comparación con el enfoque más indirecto y naturalista que se favorece en el teatro británico. Mientras veía esta obra, constantemente re-traducía el diálogo al alemán, así: por ejemplo, 'La luna desapareció detrás de una nube' suena levemente pictórico en inglés, pero 'Der Mond verschwand hinter eine Wolke' está lleno del simbolismo romántico alemán más extremadamente potente, evocando imágenes de Caspar David Friedrich (et al) y todo el poder filosófico, 'weltanschauliche', de la respuesta a los valores de la Ilustración que se presentó en el establecimiento del nacionalismo alemán. Todo eso no puede ser transmitido simplemente por 'La luna desapareció detrás de una nube'. Se deben usar otros medios para hacer que ese drama hable. Pero, ¿qué medios y cómo deben articularse?

Clara Onyemere. Foto: Tristram Kenton

Ese, si se quiere, es el problema que el Coronet se ha planteado al montar esta fascinante obra. Es un movimiento audaz para esta casa experimental y arriesgada. He visto otras producciones que han tenido un éxito admirable. En otras ocasiones, las apuestas no salen del todo bien. Aquí, se pueden encontrar cosas para disfrutar. Hay una ocasional gravedad urgente que el debutante Finnian Garbutt encuentra como uno de los chicos, Franz Bauer. Anna Munden logra crear una impresión duradera con su insuficientemente desarrollado papel de Eva. Nicholas Nunn muestra algo de amenaza como Dieter Trauner, mientras que Malcolm Cumming aparece de manera más elocuente como un fantasma. Sin embargo, la pérdida de melancolía de Raymond Anum como el vacilante Robert Ziegler no lo ayuda a reconciliar las extrañas contradicciones en su papel. Owen Alun (Heinrich Reiss) y Brandon Ashford (Arno Feuerbach - ¡qué nombre filosófico!) completan el grupo de chicos. Clara Onyemere, quizás, tiene el trabajo más difícil de todos en sus tres muy esquemáticamente construidos papeles.

Con una iluminación tenue de Joshua Carr y niveles de volumen muy variables en los sonidos de Mike Winship, es una producción en la que es difícil sentirse a gusto. Es una pena. La novela original fue muy elogiada por Thomas Mann, y es fácil ver por qué. Horváth y Mann comparten muchos de los mismos rasgos estéticos y filosóficos. Creo que el lenguaje de Horváth es más robusto y vivaz que el de Mann, sin duda gracias a su crecimiento como artista en el ámbito de la palabra hablada más que de la impresa, pero tienen en común un amor por la cultura que ambos vieron amenazada por la barbarie del Tercer Reich. En estos días, es muy valioso recordarnos este hecho, incluso si es solo a través de una realización imperfecta de esta obra difícil pero intrigante.