RESEÑA: Desgarrado, Teatro N16 ✭✭✭✭

Torn Apart

Theatre N16

14 de septiembre de 2016

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Theatre N16 lo ha hecho de nuevo.  Una vez más, este colectivo teatral innovador y emprendedor en el prometedor Balham, ubicado en las salas del pub espacioso y elevado, The Bedford, ha presentado otra nueva compañía que ofrece trabajos sorprendentes y brillantemente producidos.  B J McNeill es tanto el escritor como el director de esta notable nueva obra que enfrenta a tres parejas diferentes entre sí en el mismo espacio genérico: un dormitorio.  ¿O lo es?  El cuarto, en un diseño del arquitecto Szymon Ruszczewski, está separado del público por un gran marco de madera, colgado del suelo al techo con cuerdas, aproximando las paredes exteriores y el techo del espacio y asemejándose a una jaula; sin embargo, el suelo de esta ‘habitación’, al examinarlo más detenidamente, se revela como una pista de baile; además, las ‘paredes de cuerda’ a menudo son pulsadas, rasgueadas o manipuladas por los personajes.  Claramente, no todo es lo que parece.

Se desarrolla una secuencia de diálogos entre estas parejas.  El primero de ellos, una escena de juego de hacer el amor, es audazmente naturalista en estilo, bastante diferente a la representación parcialmente expresionista.  Está en pleno desarrollo cuando llega el público: finalmente, la iluminación del escenario se intensifica y las luces del auditorio se atenúan, y entramos en la apertura de la obra.  Un soldado estadounidense, Simon Donohue, y su pareja polaca, Nastazja Somers, están retozando en una escena despreocupada: parece un arreglo pragmático, mutuamente beneficioso, entre un residente de Berlín Este y un militar de la OTAN de visita, durante las etapas finales de la Guerra Fría.   El soldado debe observar el toque de queda y después de la medianoche no puede permanecer en el territorio de la RDA.   Inevitablemente, esto tensiona la relación.  Observamos su deterioro gradual.

Intercaladas con esto, hay escenas de otros dos matrimonios de hecho: en los años 90, en el Reino Unido, un inglés, Elliott Rogers, quiere mantener a su novia australiana, Christina Baston, pero ella, tras expirar su visado de dos años, debe regresar al otro lado del mundo (él ofrece matrimonio repetidamente, pero ella se niega a casarse ‘por conveniencia’); y luego, en la actualidad, también en Inglaterra, están las recién gay o bisexual, Sarah Hastings, y su amante más experimentada y culta, Monty Leigh, a quien le diagnostican una enfermedad grave, poniendo en peligro la continuidad de esa relación particular.  Se nos pide que observemos, escuchemos y reflexionemos sobre las vidas de estas personas, con todo el intelectualismo brechtiano que podamos reunir; sin embargo, el realismo a menudo extremo de lo que vemos busca constantemente romper nuestra reserva y exigir nuestro compromiso emocional directo con estas personas: la sostenida tensión entre dos actitudes dramáticas contrarias es uno de los placeres de esta obra.

Dentro de una paleta armoniosa de tonos blancos, negros y carne, combinada con destellos de ámbar quemado y caqui para el militar estadounidense, estas parejas se fusionan lingüísticamente, así como narrativamente.   Las líneas reaparecen esporádicamente a través de los límites del tiempo y el lugar, a veces siendo pronunciadas simultáneamente en el escenario por personajes de diferentes narrativas; de hecho, páginas enteras de diálogo surgen de un ‘collage’ de voces, ingeniosamente resonando en simpatía unas con otras, a pesar de provenir de destinos completamente separados.  ¿O sí?  A medida que avanzamos, escuchamos más y más detalles que parecen vincular a estos personajes entre sí, como si se hubieran apartado de un Priestley contemporáneo, investigando las extrañas coincidencias impulsadas por la previsibilidad de las ambiciones humanas.

Cambiándonos de un tiempo a otro, a menudo escuchamos música pertinente a la época a la que estamos entrando: la misma radio portátil arcaica en el escenario logra el mismo efecto.  Las referencias tópicas obstruyen el discurso de estos aparentemente agentes libres, todos los cuales parecen atrapados en un infierno sartreano creado por McNeill.  La amenaza de violencia y la bestialidad animal del sexo son omnipresentes, como si Pinter estuviera dirigiendo todo.  La ‘novedad’ de la producción, por lo tanto, todavía parece descansar en un detallado y apasionado involucramiento con la gran tradición moderna del teatro.

Los propios actores, muy interesantemente, provienen principalmente de rutas menos convencionales hacia la industria, incluyendo el Brian Timoney Actors’ Studio en The Courtyard, Hoxton.  Y en los últimos dos años, la obra se ha desarrollado en el trabajo que vemos hoy.  El estilo de la actuación, hablando en términos generales, es naturalista, excepto cuando no lo es: ocasionalmente, algunos de los personajes se mueven de manera gestual teatral, pero es más probable que se abracen de manera conmovedoramente sencilla.  A veces hay una crudeza en la acción, una falta de pulido, pero siempre es convincente e involucrante: de hecho, la maravillosa paradoja aquí es que, a medida que avanza la obra, volviéndose a veces muy fragmentada y desarticulada, es su efecto general lo que resulta convincente.  Las escenas parecen contraerse en alcance y duración, haciendo que la técnica de ‘aplicar’ capas una sobre otra resulte casi – pero no del todo – desconcertante, hasta que finalmente, la conclusión, tan densamente comprimida, es devastadora en su poder emocional.

Así que, No Offence Theatre es otra gran adición al campo.  Dirijase a Balham para ver este drama fascinante y que provoca reflexión.

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