CRITIQUE : Torn Apart, Théâtre N16 ✭✭✭✭

Torn Apart

Theatre N16

14 septembre 2016

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Theatre N16 l’a encore fait.  Une fois de plus, ce collectif théâtral entreprenant et innovant dans le quartier en plein essor de Balham, basé dans les salles du pub vaste et imposant, The Bedford, a accueilli une nouvelle compagnie proposant un travail surprenant et brillamment réalisé.  B J McNeill est l’auteur et metteur en scène ici d’une pièce remarquable qui oppose trois couples différents dans le même espace générique : une chambre.  Ou bien est-ce?  La pièce, dans un design de l’architecte Szymon Ruszczewski, est séparée du public par une grande charpente en bois, tendue du sol au plafond avec des cordes, approximant les murs extérieurs et le plafond de l’espace et ressemblant à une cage ; pourtant, le sol de cette ‘chambre’, à y regarder de plus près, se révèle être une piste de danse ; de plus, les ‘murs’ de cordes sont souvent pincés, ou grattés, ou manipulés par les personnages.  Clairement, tout n'est pas ce qu'il semble.

Une séquence de duos se déroule entre ces couples.  Le premier d'entre eux, une scène de jeu d'amour, est audacieusement naturaliste dans son style – tout à fait à l'opposé de la mise en scène partiellement expressionniste.  Elle est en plein essor alors que le public arrive : finalement, les éclairages scéniques s'intensifient, et les lumières de la salle s'atténuent, et nous sommes à l'ouverture de la pièce.  Un soldat américain, Simon Donohue, et sa compagne polonaise, Nastazja Somers, gambadent dans une scène insouciante : il semble s’agir d’un arrangement pragmatique, mutuellement bénéfique, entre un résident de Berlin-Est et un militaire visitant de l’OTAN, pendant les dernières étapes de la Guerre froide.   Le soldat doit respecter le couvre-feu et ne peut pas rester sur le territoire de la RDA après l'heure du sorcière.   Inévitablement, cela met à l'épreuve la relation.  Nous observons sa détérioration progressive.

Entrecoupées de cela, se trouvent des scènes de deux autres unions de fait : dans les années 1990, au Royaume-Uni, un Anglais, Elliott Rogers, veut garder sa petite amie australienne, Christina Baston, mais elle – après l'expiration de son visa de deux ans – doit retourner de l'autre côté du monde (il propose le mariage, à plusieurs reprises, mais elle refuse de se marier « pour convenance ») ; et puis, de nos jours, également en Angleterre, il y a la nouvelle bisexuelle ou lesbienne, Sarah Hastings, et son amante plus expérimentée, plus mondaine, Monty Leigh, qui est ensuite diagnostiquée avec une maladie grave, menaçant la continuité de cette relation particulière.  Nous sommes invités à observer, écouter et réfléchir sur la vie de ces personnes, avec tout le calme intellectuel brechtien que nous pouvons rassembler ; pourtant, le réalisme souvent extrême de ce que nous voyons cherche constamment à briser notre réserve et à exiger notre engagement émotionnel direct envers ces personnes : la tension soutenue entre deux attitudes dramatiques contraires est un des plaisirs de cette pièce.

Dans une palette harmonieusement ordonnée de blanc, de noir et de tons chair, combinée avec des éclats d'ocre brûlé et de kaki pour le militaire américain, ces couples fusionnent linguistiquement, aussi bien que narrativement.   Des répliques réapparaissent sporadiquement au-delà des frontières du temps et du lieu, parfois prononcées simultanément sur scène par des personnages de différents récits ; en fait, des pages entières de dialogue émergent d'un 'collage' de voix, résonnant de manière ingénieuse et sympathique les unes avec les autres, même si elles émanent de destinées totalement séparées.  Ou peut-être pas?  Au fur et à mesure que nous progressons, nous entendons de plus en plus de détails qui semblent lier ces personnages ensemble, comme s'ils avaient dévié d'un Prêtre contemporain, enquêtant sur les étranges coïncidences entraînées par la prévisibilité des ambitions humaines.

En nous transportant d'une époque à une autre, nous entendons souvent de la musique pertinente à l'ère dans laquelle nous entrons : le même, archaïque, poste radio portable sur scène atteint le même effet.  Les références d’actualité encombrent le discours de ces agents apparemment libres, qui semblent tous piégés dans un enfer sartrien créé par McNeill.  La menace de violence et la bassesse animale du sexe sont omniprésentes comme si Pinter dirigeait tout.  La « nouveauté » de la production, donc, semble encore reposer sur une implication détaillée et passionnée avec la grande tradition moderne du théâtre.

Les acteurs eux-mêmes, très intéressants, viennent principalement de parcours moins conventionnels dans l’industrie, y compris le Brian Timoney Actors’ Studio au The Courtyard, Hoxton.  Et au cours des deux dernières années, la pièce s'est développée pour devenir le travail que nous voyons aujourd'hui.  Le style de la représentation est globalement naturaliste – sauf lorsqu'il ne l'est pas : parfois, certains des personnages bougent d'une manière théâtralement gestuelle, mais ils sont plus susceptibles de se câliner dans des étreintes touchantes et simples.  Il y a parfois une crudité dans l'action, une absence de vernis, mais elle est toujours convaincante et captivante : en fait, le merveilleux paradoxe ici est que, alors que la pièce progresse, devenant parfois très fragmentée et disjointe, son effet global est d'une puissance attrayante.  Les scènes semblent se réduire en portée et en durée, rendant la technique ‘appliquée’ de les superposer presque – mais pas tout à fait – déroutante, jusqu'à ce que finalement, la conclusion, tellement fortement compressée, soit dévastatrice dans son pouvoir émotionnel.

Donc, No Offence Theatre est une autre excellente addition dans le domaine.  Rendez-vous à Balham pour voir ce drame fascinant et qui incite à la réflexion.

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