KRITIK: Zerrissen, Theater N16 ✭✭✭✭

Zerrissen

Theater N16

14. September 2016

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Theater N16 hat es wieder geschafft.  Erneut hat dieses unternehmerische und innovative Theaterkollektiv im aufstrebenden Balham, das in den Räumen des weitläufigen und hoch aufragenden Pubs The Bedford beheimatet ist, ein weiteres neues Ensemble eingeladen, das überraschende und brillant produzierte neue Werke anbietet.  B J McNeill ist hier der Autor und Regisseur eines bemerkenswerten neuen Stücks, das drei verschiedene Paare in denselben allgemeinen Raum stellt: ein Schlafzimmer.  Oder nicht?  Der Raum, in einem Design des Architekten Szymon Ruszczewski, ist vom Publikum durch ein großes Holzgerüst abgeschirmt, das vom Boden bis zur Decke mit Saiten bespannt ist und die äußeren Wände und die Decke des Raumes annähert und einem Käfig ähnelt; doch der Boden dieses 'Raumes' entpuppt sich bei näherer Betrachtung als Tanzfläche; außerdem werden die 'Saitenwände' oft von den Charakteren gezupft, gestrichen oder bespielt.  Offensichtlich ist nicht alles so, wie es scheint.

Eine Folge von Duologen entfaltet sich zwischen diesen Paaren.  Der erste davon, eine gespielte Szene von Liebesspielen, ist stilistisch kühn naturalistisch – ganz im Gegensatz zur teilweise expressionistischen Inszenierung.  Er ist in vollem Gange, als das Publikum eintrifft: allmählich intensiviert sich die Bühnenbeleuchtung und das Saallicht dimmt, und wir befinden uns im Anfang des Stücks.  Ein US-Soldat, Simon Donohue, und seine polnische Geliebte, Nastazja Somers, tollen in einer unbeschwerten Szene umher: es scheint eine pragmatische Vereinbarung zu sein, die für beide Seiten vorteilhaft ist, zwischen einem Bewohner Ost-Berlins und einem Besuch des NATO-Soldaten, während der Schlussphase des Kalten Krieges.   Der Soldat muss die Ausgangssperre beachten und kann nach Mitternacht nicht im Gebiet der DDR bleiben.   Dies belastet zwangsläufig die Beziehung.  Wir beobachten ihren allmählichen Verfall.

Zwischengeschnitten sind Szenen aus zwei weiteren Lebensgemeinschaften: In den 1990er Jahren, in Großbritannien, möchte ein Engländer, Elliott Rogers, seine australische Freundin, Christina Baston, behalten, aber sie – nach Ablauf ihres Zweijahresvisums – muss auf die andere Seite der Welt zurückkehren (er bietet immer wieder Heirat an, aber sie weigert sich, 'der Bequemlichkeit halber' zu heiraten); und dann, in der Gegenwart, auch in England, gibt es die neu schwule oder bisexuelle Sarah Hastings und ihre erfahrenere, weltgewandtere Liebhaberin, Monty Leigh, die dann mit einer schweren Krankheit diagnostiziert wird, was die Kontinuität dieser speziellen Beziehung gefährdet.  Wir werden aufgefordert, das Leben dieser Menschen mit all der kühlen, Brechtschen Intellektualität zu beobachten, zu hören und darüber nachzudenken, die wir aufbringen können; doch der oft extreme Realismus dessen, was wir sehen, versucht ständig, unsere Zurückhaltung zu durchbrechen und unser direktes emotionales Engagement für diese Menschen zu fordern: die anhaltende Spannung zwischen zwei gegensätzlichen dramatischen Haltungen ist eine der Freuden dieses Stücks.

Innerhalb einer sauber harmonischen Palette von Weiß, Schwarz und Fleischtönen, kombiniert mit Blitzlichtern von Braunrot und Khaki für den US-Soldaten, verschmelzen diese Paare sowohl sprachlich als auch narrativ.   Linien tauchen sporadisch über die Grenzen von Zeit und Raum hinweg auf, manchmal werden sie gleichzeitig auf der Bühne von Charakteren aus verschiedenen Erzählungen gesprochen; tatsächlich entstehen ganze Seiten von Dialogen aus einer 'Collage' von Stimmen, die auf raffinierte Weise sympathetisch miteinander in Einklang stehen, obwohl sie aus völlig verschiedenen Schicksalen stammen.  Oder etwa nicht?  Im Verlauf hören wir mehr und mehr Details, die diese Charaktere zu verbinden scheinen, als hätten sie sich von einem modernen Priestley verirrt, der die seltsamen Zufälle untersucht, die durch die Vorhersehbarkeit menschlicher Ambitionen angetrieben werden.

Indem wir von einer Zeit zur anderen wechseln, hören wir oft Musik, die der Epoche entspricht, in die wir eintreten: dasselbe, altertümliche, tragbare On-Stage-Radio erzielt denselben Effekt.  Aktuelle Referenzen verstopfen den Diskurs dieser scheinbar freien Agenten, die alle in einer von McNeill geschaffenen sartre'schen Hölle gefangen zu sein scheinen.  Die Bedrohung durch Gewalt und die animalische Triebhaftigkeit von Sex sind allgegenwärtig, als würde Pinter alles inszenieren.  Die 'Neuartigkeit' der Produktion scheint daher immer noch auf einer detaillierten und leidenschaftlichen Beschäftigung mit der großen modernen Tradition des Theaters zu beruhen.

Die Spieler selbst kommen, sehr interessant, hauptsächlich aus weniger konventionellen Wegen in die Branche, einschließlich des Brian Timoney Actors’ Studio im The Courtyard, Hoxton.  Und im Laufe der letzten zwei Jahre hat sich das Stück zu der Arbeit entwickelt, die wir heute sehen.  Der Stil der Aufführung ist im Großen und Ganzen naturalistisch – außer wenn er es nicht ist: gelegentlich bewegen sich einige der Charaktere auf theatralisch gestische Weise, aber sie neigen eher dazu, sich in ergreifend einfachen Umarmungen zu bewegen.  Manchmal ist eine Rauheit in der Aktion zu spüren, ein Mangel an Glanz, aber sie ist immer überzeugend und fesselnd: Die wunderbare Paradoxie hier ist, dass, während das Stück fortschreitet und manchmal sehr fragmentiert und unzusammenhängend wird, seine gesamte Wirkung umso eindringlicher ist.  Szenen scheinen an Umfang und Dauer zu verlieren, was die 'Applikationstechnik' des Übereinanderlegens fast – aber nicht ganz – verwirrend macht, bis schließlich der Schluss, so eng komprimiert, in seiner emotionalen Kraft überwältigend ist.

So ist No Offence Theatre eine weitere großartige Ergänzung in diesem Bereich.  Machen Sie sich auf den Weg nach Balham, um dieses faszinierende, zum Nachdenken anregende Drama zu sehen.

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