CRÍTICA: Torn Apart, Theatre N16 ✭✭✭✭

Torn Apart

Theatre N16

14 Setembro 2016

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O Theatre N16 fez de novo.  Mais uma vez, este coletivo de teatro empreendedor e inovador em ascensão em Balham, baseado em salas no espaçoso e imponente pub The Bedford, trouxe outra nova companhia oferecendo um novo trabalho surpreendente e brilhantemente produzido.  B J McNeill é o escritor e diretor aqui de uma nova peça notável que coloca três casais diferentes uns contra os outros no mesmo espaço genérico: um quarto.  Ou é?  O quarto, em design pelo arquiteto Szymon Ruszczewski, é isolado do público por uma grande estrutura de madeira, estendida do chão ao teto com cordas, aproximando-se das paredes externas e do teto do espaço e parecendo uma gaiola; ainda que o piso deste ‘quarto’, em uma inspeção mais próxima, revele-se ser uma pista de dança; além disso, as ‘paredes’ de corda são frequentemente dedilhadas, ou tocadas, ou brincadas pelos personagens.  Claramente, nem tudo é o que parece.

Uma sequência de duos se desenrola entre esses casais.  O primeiro deles, uma cena de brincadeira amorosa, é ousadamente naturalista em estilo – bem diferente da encenação parcialmente expressionista.  Está em pleno andamento quando o público chega: eventualmente, a iluminação do palco intensifica-se, e as luzes da casa se apagam, e estamos na abertura da peça.  Um soldado dos EUA, Simon Donohue, e sua namorada polonesa, Nastazja Somers, estão se divertindo em uma cena despreocupada: parece um acordo pragmático, mutuamente benéfico, entre um residente de Berlim Oriental e um membro visitante das forças da OTAN, durante as etapas finais da Guerra Fria.   O soldado deve observar o toque de recolher e após a hora fantasma não pode permanecer no território da RDA.   Inevitavelmente, isso tensiona o relacionamento.  Assistimos ao seu gradual deterioramento.

Intercaladas a isso, estão cenas de dois outros casamentos em união estável: nos anos 1990, no Reino Unido, um inglês, Elliott Rogers, quer manter sua namorada australiana, Christina Baston, mas ela – após a expiração de seu visto de dois anos – deve retornar para o outro lado do mundo (ele oferece casamento, repetidamente, mas ela recusa casar-se 'por conveniência'); e então, nos dias de hoje, também na Inglaterra, temos a recém-gay ou bissexual, Sarah Hastings, e sua amante mais experiente e mundana, Monty Leigh, que é então diagnosticada com uma doença grave, ameaçando a continuidade desse relacionamento particular.  Somos convidados a observar, ouvir e refletir sobre as vidas dessas pessoas, com todo o intelecto brechtiano que podemos reunir; ainda assim, o realismo frequentemente extremo do que vemos busca constantemente romper nossa reserva e exigir nosso compromisso emocional direto com essas pessoas: a tensão sustentada entre duas atitudes dramáticas contrárias é uma das delícias desta peça.

Dentro de uma paleta harmoniosa de branco, preto e tons de pele, combinados com lampejos de umbra queimada e caqui para o militar dos EUA, esses casais se fundem linguisticamente, assim como narrativamente.   Linhas se repetem esporadicamente através das fronteiras de tempo e lugar, às vezes sendo faladas simultaneamente no palco por personagens de diferentes narrativas; de fato, páginas inteiras de diálogo emergem de uma 'colagem' de vozes, engenhosamente ressoando em sincronia umas com as outras, mesmo que emanem de destinos totalmente separados.  Ou são?  À medida que progredimos, ouvimos mais e mais detalhes que parecem ligar esses personagens, como se eles tivessem saído de um Priestley dos tempos modernos, investigando as estranhas coincidências impulsionadas pela previsibilidade das ambições humanas.

Alternando-nos de um tempo para outro, frequentemente ouvimos música pertinente à era que estamos entrando: o mesmo, arcaico, rádio portátil no palco alcança o mesmo efeito.  Referências tópicas entopem o discurso desses agentes ostensivamente livres, todos os quais parecem presos em um inferno sartreano criado por McNeill.  A ameaça de violência e a natureza animalesca do sexo são onipresentes, como se Pinter estivesse dirigindo tudo.  A 'novidade' da produção, portanto, ainda parece repousar sobre um envolvimento detalhado e apaixonado com a grande tradição moderna do teatro.

Os próprios atores, muito interessantemente, vêm principalmente de rotas menos convencionais para a indústria, incluindo o Brian Timoney Actors’ Studio no The Courtyard, Hoxton.  E, ao longo dos últimos dois anos, a peça se desenvolveu no trabalho que vemos hoje.  O estilo de atuação é, de modo geral, naturalista – exceto quando não é: ocasionalmente, alguns dos personagens se movem de maneira teatral e gestual, mas são mais propensos a trocar carinhos em abraços tocantemente simples.  Às vezes há uma crueza na ação, uma ausência de refinamento, mas é sempre convincente e envolvente: de fato, o maravilhoso paradoxo aqui é que, à medida que a peça avança, tornando-se às vezes muito fragmentada e desconexa, o efeito geral é compelindo.  As cenas parecem se contrair em escopo e duração, tornando a técnica 'aplique' de colocá-las uma sobre a outra quase – mas não completamente – confusa, até que, finalmente, a conclusão, tão compactamente comprimida, é devastadoramente poderosa em seu impacto emocional.

Portanto, o No Offence Theatre é uma grande adição ao campo.  Faça o seu caminho até Balham para ver este drama fascinante e instigante.

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