RESEÑA: La Coronación de Poppea, Grimeborn en el Teatro Arcola ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser reseña L’Incoronazione di Poppea / La Coronación de Poppea presentada como parte del Festival Grimeborn de este año en el Teatro Arcola

La Coronación de Poppea

Claudio Monteverdi

Festival Grimeborn

Teatro Arcola

5 Estrellas

La primera ópera que inaugura el Festival Grimeborn de este año es también una de las primeras escritas, o al menos que sobreviven en forma recuperable. La ópera más antigua de Monteverdi que ha sobrevivido, ‘Orfeo’ data de 1607 cuando trabajaba en la corte de Mantua, mientras que esta obra es la culminación de su compromiso con Venecia, una ciudad cuyo mito de origen es crucial para entender el contexto de esta obra.

A menudo vista como una obra que invierte las polaridades morales habituales al elevar el vicio y demostrar la derrota de la virtud, esta ópera es de hecho parte de un plan más amplio, la parte final de tres óperas que exploran las fortunas políticas en el mundo grecorromano del cual Venecia es la sucesora natural. El alto nivel de debate en el libreto sofisticado y bien trazado revela ideas sobre la política y el choque con la moralidad personal que raramente se encuentran en la historia de la ópera hasta Don Carlos de Verdi.

La ópera comienza con un prólogo en el que se establece un duelo entre las diosas de la Virtud, la Fortuna y el Amor del cual el Amor claramente emergirá victorioso. La trama principal, basada muy libremente en eventos históricos, involucra el intento del emperador Nerón de elevar a su amante Poppea para reemplazar a su esposa Ottavia. Esto es opuesto por su viejo tutor, Séneca, y por la propia Ottavia, quien persuade al antiguo amante de Poppea, Othone, para que intente asesinarla. Todos estos esfuerzos fracasan y al final, los dos amantes se unen en un dúo bellamente conmovedor, ‘Pur ti miro’, para celebrar su unión.

O no...

Porque una de las grandes fortalezas de esta producción sutil y reflexiva es que no toma nada por sentado y explora muchas capas de ambigüedad en la obra. No solo hay un giro en la trama al final, sino que esto es anticipado por muchas sugerencias en puntos anteriores de que todas las lealtades e identidades, ya sean políticas, personales o sexuales, son provisionales y están abiertas a cambios. Con razón, la total ausencia de cualquier certeza es la lección más perturbadora de todas, por encima y más allá de cualquier desafío a las convenciones morales.

Un inmenso crédito pertenece a Marcio da Silva, quien proporciona la visión unificadora para la noche en sus múltiples roles como director escénico, de iluminación y musical (sin dejar de lado que también toca una variedad de instrumentos en la orquesta). La escenografía que ha ideado es tan elegantemente simple como el decorado de una obra de Racine: una cama con una colcha, una silla y un par de pantallas flanqueantes que se pintan progresivamente de rojo a medida que el número de cadáveres aumenta.

La música abarca un cornucopia de estilos y estados de ánimo: Ensemble OrQuesta está más que a la altura del desafío. La banda de ocho integrantes superó algunos breves problemas de afinación para ofrecer una interpretación nítidamente articulada de la partitura, llena de texturas instrumentales vivaces y distintivas y lista para tomar la iniciativa de los cantantes en los a menudo elaborados interludios y postludios. El canto fue uniformemente caracterizado y acompañado de una actuación admirablemente creíble que aprovechó completamente los diversos niveles en el espacio principal de actuación del Arcola.

En los roles principales, Helen May como Poppea y Julia Portela Piñón como Nerón combinaron seductoramente la rudeza artística con el virtuosismo vocal. Fueron bien complementadas por los tonos graves y reflexivos de Gheorghe Palcu como Séneca y Hazel Neighbour como la descuidada Octavia. Eric Schlossberg transmitió el dilema enfrentado por Othone con una intensidad neurótica.

Poppy Shotts completó el papel secundario de Drusilla con un tono rico y una actuación de devoción conmovedora, aunque no correspondida. Rachel Allen ofreció una serie de cameos brillantes y Anna-Luise Wagner se cernía voluptuosamente sobre el escenario como la diosa del Amor. Una mención especial debe hacerse a Kieran Wagner, quien interpretó una variedad de roles de tenor contrastantes con gran estilo, especialmente como Lucano. Su extraordinaria aria con Nerón ejemplificó lo mejor de la noche: extrapolando audazmente a una actuación moderna gráfica lo que ya está latente en la música.

Parecería extraño terminar mencionando las notas del programa, pero en una era en la que tienes suerte si obtienes incluso un código QR como interpretación, el excepcional folleto proporciona todo lo que uno podría necesitar después del evento tanto para contextualizar la ópera como para explicar los principios y suposiciones detrás de la representación.

Esta producción ejemplar merece ir de gira para demostrar lo que se puede hacer con este repertorio, tanto para ilustrar su grandeza histórica como su saliente y punzante relevancia para nuestros tiempos.

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