CRITIQUE : Le Couronnement de Poppée, Grimeborn au Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser critique L’Incoronazione di Poppea / Le Couronnement de Poppée présenté dans le cadre du Festival Grimeborn de cette année au Théâtre Arcola

Le Couronnement de Poppée

Claudio Monteverdi

Festival Grimeborn

Théâtre Arcola

5 Étoiles

Le premier opéra à ouvrir le Festival Grimeborn de cette année est également l'un des premiers écrits, ou du moins à survivre dans une forme récupérable. Le plus ancien opéra survivant de Monteverdi, « Orfeo », date de 1607 alors qu'il travaillait à la cour de Mantoue, tandis que cette œuvre est le point culminant de son engagement envers Venise, une ville dont le mythe des origines est essentiel à la compréhension du contexte de cette œuvre.

Souvent considérée comme une œuvre qui renverse les polarités morales habituelles en élevant le vice et en démontrant la défaite de la vertu, cet opéra fait en fait partie d'un plan plus large, la dernière partie de trois opéras explorant les fortunes politiques dans le monde gréco-romain dont Venise est la successeur naturelle. Le débat élevé dans le livret sophistiqué et concis révèle des aperçus sur la politique et le choc avec la morale personnelle qu’on trouve rarement dans l’histoire de l’opéra jusqu’au Don Carlos de Verdi.

L'opéra s'ouvre avec un prologue dans lequel un duel est mis en place entre les déesses de la Vertu, de la Fortune et de l'Amour d'où l'Amour émergera clairement vainqueur. L'intrigue principale, très vaguement basée sur des événements historiques, implique la tentative de l'empereur Néron d'élever sa maîtresse Poppée pour remplacer sa femme Ottavia. Cela est contesté par son ancien tuteur, Sénèque, et par Ottavia elle-même, qui persuade l'ancien amant de Poppée, Othone, de tenter son assassinat. Tous ces efforts échouent et à la fin, les deux amants s'unissent dans un duo d'une beauté fondante, « Pur ti miro » pour célébrer leur union.

Ou pas...

Car l’un des grands atouts de cette production subtile et réfléchie est qu’elle ne prend rien pour argent comptant et explore de nombreuses couches d’ambiguïté dans l’œuvre. Non seulement il y a un rebondissement à la fin, mais cela est anticipé par de nombreuses suggestions à des moments antérieurs selon lesquelles toutes les allégeances et identités, qu'elles soient politiques, personnelles ou sexuelles, sont provisoires et sujettes à changement. À juste titre, l'absence totale de certitudes est la leçon la plus dérangeante de toutes, au-delà de toute défiance des conventions morales.

Un immense crédit revient à Marcio da Silva qui offre la vision unificatrice de la soirée dans ses multiples rôles de metteur en scène, d'éclairagiste et de directeur musical (en plus de jouer une variété d'instruments dans l'orchestre également). Le décor qu’il a imaginé est aussi élégamment simple que celui d’une pièce de Racine – un lit avec un plaid, une chaise et quelques écrans latéraux qui sont progressivement couverts de traits de peinture rouge à mesure que le nombre de corps augmente.

La musique couvre une corne d’abondance de styles et d’humeurs : l’Ensemble OrQuesta est plus qu’à la hauteur du défi. Le groupe de huit musiciens a surmonté quelques brefs problèmes d'accordement pour offrir une interprétation vivement articulée de la partition, pleine de textures instrumentales vivantes et distinctives, prêt à prendre l’initiative des chanteurs dans les intermèdes et postludes souvent élaborés. Le chant était uniformément caractéristique et associé à un jeu d’acteur admirablement crédible qui exploitait pleinement les divers niveaux de l’espace principal de représentation de l’Arcola.

Dans les rôles principaux, Helen May en Poppea et Julia Portela Piñón en Nero ont combiné avec art une séduction impitoyable et une bravoure vocale. Ils ont été bien complétés par les tons graves, mesurés et réfléchis de Gheorghe Palcu en Sénèque et de Hazel Neighbour en Ottavia négligée. Eric Schlossberg a exprimé le dilemme auquel Othone est confronté avec une intensité névrotique.

Poppy Shotts a rempli le rôle secondaire de Drusilla avec une tonalité riche et un jeu d'acteur touchant, bien que non partagé. Rachel Allen a offert une série de caméos scintillants, et Anna-Luise Wagner a plané voluptueusement sur les événements en tant que déesse de l'Amour. Une mention spéciale doit être faite à Kieran Wagner qui a joué une variété de rôles de ténor contrastés avec panache, notamment en tant que Lucano. Son aria extraordinaire avec Néron a représenté le meilleur de la soirée – extrapolant audacieusement en une performance moderne graphique ce qui est déjà latent dans la musique.

Il peut sembler étrange de finir par une mention des notes de programme, mais à une époque où l'on a de la chance d'obtenir même un code QR comme interprétation, la brochure exceptionnelle fournit tout ce dont on pourrait avoir besoin après l'événement pour à la fois contextualiser l'opéra et expliquer les principes et les hypothèses derrière la performance.

Cette production exemplaire mérite de partir en tournée pour démontrer ce qui peut être fait avec ce répertoire pour illustrer à la fois sa grandeur historique et sa brûlante pertinence pour notre époque.

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