KRITIK: Die Krönung der Poppea, Grimeborn im Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Tim Hochstrasser rezensiert L’Incoronazione di Poppea / Die Krönung der Poppea, präsentiert im Rahmen des diesjährigen Grimeborn-Festivals im Arcola Theatre

Die Krönung der Poppea

Claudio Monteverdi

Grimeborn Festival

Arcola Theatre

5 Sterne

Die erste Oper, die das diesjährige Grimeborn-Festival eröffnet, ist auch eine der ersten geschriebenen, oder zumindest eine der wenigen, die in wiederherstellbarer Form überlebt hat. Monteverdis früheste erhaltene Oper, ‚Orfeo‘, stammt aus dem Jahr 1607, als er am Hof von Mantua arbeitete, während dieses Werk das Ergebnis seines Engagements für Venedig ist, eine Stadt, deren Ursprungsmythos entscheidend für das Verständnis des Kontexts dieses Werks ist.

Oft als ein Werk gesehen, das die üblichen moralischen Gegensätze umkehrt, indem es das Laster erhebt und die Tugend besiegt, ist diese Oper tatsächlich Teil eines größeren Plans, der letzte Teil von drei Opern, die politische Schicksale in der griechisch-römischen Welt erkunden, derer Venedig der natürliche Nachfolger ist. Das hohe Niveau der Diskussion im knapp gehaltenen, anspruchsvollen Libretto offenbart Einblicke in die Politik und den Konflikt mit persönlicher Moral, wie sie in der Geschichte der Oper bis zu Verdis Don Carlos selten zu finden sind.

Die Oper beginnt mit einem Prolog, in dem ein Duell zwischen den Göttinnen der Tugend, des Glücks und der Liebe arrangiert wird, aus dem die Liebe eindeutig als Sieger hervorgehen wird. Die Hauptgeschichte, sehr lose auf historischen Ereignissen basierend, beinhaltet den Versuch des Kaisers Nero, seine Geliebte Poppea an die Stelle seiner Frau Ottavia zu erheben. Dies wird von seinem alten Tutor Seneca und von Ottavia selbst, die Poppeas früheren Liebhaber Othone dazu überredet, einen Mordversuch zu unternehmen, bekämpft. Alle diese Bemühungen scheitern und am Ende vereinen sich die beiden Liebenden in einem wunderschön dahinschmelzenden Duett, ‚Pur ti miro‘, um ihre Vereinigung zu feiern.

Oder auch nicht….

Denn eine der großen Stärken dieser subtilen und durchdachten Produktion ist, dass sie nichts als selbstverständlich hinnimmt und viele Schichten von Mehrdeutigkeit im Werk erkundet. Nicht nur gibt es eine Wendung am Ende, sondern diese wird durch viele Andeutungen zu früheren Zeitpunkten vorweggenommen, dass alle Allianzen und Identitäten, ob politisch oder persönlich oder sexuell, vorläufig und offen für Veränderungen sind. Zu Recht ist das völlige Fehlen jeglicher Gewissheiten die beunruhigendste Lehre von allen, über jede Missachtung moralischer Konventionen hinaus.

Großes Lob gebührt Marcio da Silva, der den vereinheitlichenden Blick für den Abend in seiner Vielzahl von Rollen als Bühnen-, Licht- und Musikdirektor (ganz zu schweigen von seinem Spiel auf verschiedenen Instrumenten im Orchester) bereitstellt. Das von ihm entworfene Setting ist so elegant einfach wie das Bühnenbild eines Stücks von Racine – ein Bett mit Überwurf, ein Stuhl und ein paar flankierende Bildschirme, die nach und nach mit roten Farbstrichen bemalt werden, während die Zahl der Körper steigt.

Die Musik deckt ein Füllhorn an Stilen und Stimmungen ab: Das Ensemble OrQuesta ist mehr als gewachsen, der Herausforderung zu begegnen. Die achtköpfige Band überwand einige kurze Stimmprobleme, um eine scharf artikulierte Fassung der Partitur zu liefern, voller lebendiger, unverwechselbarer instrumentaler Texturen und bereit, die Initiative von den Sängern in den oft aufwendigen Zwischenspielen und Nachspielen zu übernehmen. Der Gesang war durchweg charaktervoll und wurde mit bewundernswert glaubwürdigem Schauspiel kombiniert, das die verschiedenen Ebenen des Hauptausführungsraums der Arcola voll ausnutzte.

In den Hauptrollen vereinigten Helen May als Poppea und Julia Portela Piñón als Nero kunstvoll verführerische Rücksichtslosigkeit und stimmliche Bravour. Sie wurden gut ergänzt durch die ernsten, gemessenen, nachdenklichen Töne von Gheorghe Palcu als Seneca und Hazel Neighbour als der vernachlässigten Ottavia. Eric Schlossberg vermittelte das Dilemma, dem Othone mit einer neurotischen Intensität ausgesetzt ist.

Poppy Shotts bereicherte die Nebenrolle der Drusilla mit reichem Klang und Schauspiel von berührender, wenn auch unerwiderter, Hingabe. Rachel Allen lieferte eine Reihe schillernder Cameos, und Anna-Luise Wagner schwebte als Liebesgöttin üppig über den Ereignissen. Ein besonderes Lob verdient Kieran Wagner, der eine Vielzahl kontrastreicher Tenorrollen mit Schwung spielte, insbesondere als Lucano. Seine außergewöhnliche Arie mit Nero verkörperte das Beste des Abends – auf kühne Weise grafisch in moderne Darbietung extrapolierend, was bereits in der Musik latent ist.

Es mag seltsam erscheinen, mit einer Erwähnung der Programmnotizen zu enden, aber in einer Zeit, in der man schon mit einem QR-Code als Interpretation zufrieden sein kann, bietet die herausragende Broschüre alles, was man nach dem Ereignis zur Kontextualisierung der Oper und zur Erklärung der Prinzipien und Annahmen hinter der Aufführung benötigt.

Diese vorbildliche Produktion verdient es, auf Tournee zu gehen, um zu zeigen, was mit diesem Repertoire erreicht werden kann, um sowohl seine historische Größe zu veranschaulichen als auch seine brennende Relevanz für unsere Zeit.

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