RESEÑA: Tierra Secada, Teatro Jermyn Street ✭✭✭✭

Tierra Seca

Jermyn Street Theatre

05/11/15

4 Estrellas

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Tierra Seca se representó por primera vez en el Here Arts Centre de Nueva York hace un año con gran aclamación de crítica y público por igual. Damsel Productions ha elegido dar el estreno en el Reino Unido como su primera producción. Sus objetivos son 'provocar, inspirar, sorprender y... entretener con representaciones verdaderas y honestas de la experiencia femenina'. En estos objetivos sin duda logran éxito.

La autora Ruby Rae Spiegel es una reciente graduada de Yale, con solo 22 años, y el primer punto a destacar sobre esta pieza de escritura excepcionalmente madura es cuán creíble es el retrato de las vidas y dilemas adolescentes que proporciona. Realmente hay muy pocas obras que capturen la combinación de certezas exteriores frágiles y a menudo sobreafirmadas que ocultan ambigüedades interiores, dudas y angustias. Y sin embargo, este drama de ochenta minutos hace precisamente eso. También muestra una transición gradual a la edad adulta a través de medios gráficos pero totalmente plausibles. En definitiva, esta obra es un logro importante, aunque indudablemente perturbador.

Nos encontramos en el vestuario de una piscina en un instituto de Florida para chicas. Con una breve excepción, este sigue siendo el lugar durante toda la obra. El sencillo y efectivo decorado de Anna Reid solo proporciona un bloque de taquillas, un par de bancos en primer plano, y dos salidas hacia la piscina y las duchas. La acción transcurre mientras las chicas se preparan para o regresan del entrenamiento de natación, donde los dos personajes centrales son altamente competentes y tienen verdaderas perspectivas de futuro. Por lo tanto, el vestuario se limita a trajes de baño y capas para el mundo exterior. Es más o menos un mundo cerrado con un par de intervenciones de personajes masculinos menores.

Aparentemente, esta obra habla sobre el aborto, y aunque no se desea revelar la trama, es realmente imposible discutir el trabajo de manera significativa sin examinar este enfoque en detalle. La noche comienza con Amy (Milly Thomas) invitando a Ester (Aisha Fabienne Ross) a golpearla cada vez más fuerte en el estómago para inducir un aborto espontáneo. La acción está marcada por intentos cada vez más desesperados de terminar el embarazo, que culminan en una representación gráfica de un aborto inducido, que es muy difícil de ver y una actuación técnica notable por parte de Thomas y Ross, quienes demuestran un vínculo único en este momento de trauma extremo.

Tengo algunas reservas sobre cómo se maneja este tema. Por supuesto, depende enteramente del autor cómo elige presentar este material y no hay nada gratuito ni demasiado didáctico en la escritura en ningún momento. Sin embargo, creo que fue una oportunidad dramática perdida no permitir que los personajes exploren la posibilidad de que Amy lleve el embarazo a término completo. Decir esto no es tomar partido en el debate sobre el aborto, sino simplemente expresar el pesar de que en una situación tan ricamente representada no se explorara otra capa de posibilidades.

No falta credibilidad en las caracterizaciones, que llenan los detalles de las vidas de los dos protagonistas centrales con detalle admirable. Lo que hace este debut dramático tan memorable no es tanto el tratamiento crudo del tema central, sino el hecho de que se tocan e integran de manera plausible muchos aspectos de la vida adolescente en una obra relativamente corta.

Así que, aunque los escritores de titulares han registrado a los miembros del público que se han desmayado en las funciones y los teatros de EE. UU. que han declinado producir este trabajo, lo que me llevé de esta experiencia fue, sobre todo, una admiración por la forma en que las dos jóvenes en el corazón del drama mezclaban de manera natural la discusión del alejamiento familiar, los trastornos alimentarios y la exploración sexual y la ambivalencia. Tampoco era un retrato de una amistad continua y armoniosa: había trivialidades y mezquindades como boxeo de sombra por un lado, y una plañidera franqueza y lealtades maduras por el otro. Ni Amy ni Ester son totalmente o siquiera principalmente simpáticas, pero son totalmente creíbles de la manera que, para otra generación, Catcher in the Rye, fue totalmente creíble en toda su desordenada pulcritud y angustiosa confusión emocional.

Lo que impresiona de las dos actuaciones, aparte de la habilidad técnica y la gama de emociones retratadas, fue la cuidadosa prefiguración de temas y atributos que solo se volvieron plenamente aparentes en retrospectiva. La iracunda, presumida y autoconfianza de Amy resulta ocultar gran fragilidad y vulnerabilidad, mientras que la aparente timidez y reserva de Ester ante las otras chicas oculta una dureza y determinación que supera a sus contemporáneas por completo.

Los papeles secundarios también importan. Crucial para el equilibrio de la obra es Reba (Charlotte Hamblin), que carece completamente de la ferocidad neurótica de las dos protagonistas principales. Cómoda en su propia piel de una manera en que ellas no lo están, entra y sale de la obra, reduciendo la intensidad de las tensiones y proporcionando varios momentos de humor chiflado y drogado. Del mismo modo, hay una actuación muy delicada de Dan Cohen como Víctor, cuya escena con Ester es una anomalía respecto a la dirección principal de la obra, y sin embargo es importante estructuralmente al proporcionarnos material importante sobre la personalidad de autodesprecio de Amy. Mientras que esta obra se presenta conscientemente para y sobre mujeres, su papel nos permite ver los dos roles centrales desde una perspectiva diferente y reveladora.

Mi otra reserva sobre la velada se encuentra en la forma en que termina. Este es un estudio de caso del problema planteado por el impacto de un clímax desproporcionado. ¿Cómo resuelves las cosas cuando el público todavía está tambaleándose por un evento abrumadoramente difícil y gráfico? ¿Terminas las cosas en un desenlace apagado, o como una representación hecha de la vida que sigue como antes, o por un cambio de humor tan violento como lo que acaba de suceder ante nuestros ojos?

El primer paso que toma la autora es muy audaz, quizá aludiendo a la escena del Portero en Macbeth. Mientras luchamos por asimilar lo que hemos visto, un conserje (Mark Keegan) entra a limpiar. Esto es dramáticamente más efectivo: el horror se profundiza en una escena donde casi no se dice nada, dejando que la imaginación del público haga todo el trabajo duro. Pero le sigue una escena final en la que el ambiente nunca se asienta realmente y no queda completamente claro dónde termina finalmente la obra... Ester está avanzando, y Amy también lo hace, pero mucho entre ellas sigue sin resolverse.

Esta fue una de las noches más exigentes que he tenido en el teatro como crítico o miembro del público en mucho tiempo, y eso fue completamente justificado por el desafío y la revelación de la obra. Sin duda, volveremos a oír hablar de esta autora y estos actores antes de mucho tiempo. Un poco más de dar y recibir y apertura del enfoque hubiera beneficiado la construcción de la obra, pero no se puede negar su poder convincente e implacable.

Tierra Seca se presenta en el Jermyn Street Theatre hasta el 21 de noviembre de 2015