REZENSION: Dry Land, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭

Dry Land

Jermyn Street Theatre

05/11/15

4 Sterne

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Dry Land wurde vor einem Jahr zum ersten Mal im Here Arts Centre in New York aufgeführt und erhielt großen Beifall von Kritikern und Publikum. Damsel Productions hat sich dafür entschieden, die UK-Premiere als ihre eigene erste Produktion zu präsentieren. Die Ziele ihrer Firma sind es, 'zu provozieren, inspirieren, schockieren und... zu unterhalten mit wahren und ehrlichen Darstellungen der weiblichen Erfahrung.' In diesen Zielen haben sie zweifellos Erfolg.

Die Autorin Ruby Rae Spiegel ist eine frischgebackene Yale-Absolventin und mit gerade einmal 22 Jahren noch jung. Der erste Punkt, den man über dieses außergewöhnlich reife Werk sagen kann, ist, wie glaubwürdig es das Porträt von Teenagerleben und deren Dilemmata bietet. Es gibt wirklich nur sehr wenige Stücke, die die Kombination aus brüchigen und oft überbetonten äußeren Gewissheiten einfangen, die innere Ambivalenzen, Selbstzweifel und Ängste verbergen. Und doch gelingt diesem achtzigminütigen Drama genau dies. Es zeigt auch den allmählichen Übergang zum Erwachsenwerden durch eindringliche, aber völlig plausible Mittel. Alles in allem ist dieses Stück ein bedeutender, wenn auch zweifellos verstörender, Erfolg.

Wir befinden uns in der Umkleidekabine eines Schwimmbads an einer Mädchenschule in Florida. Mit einer kurzen Ausnahme bleibt dies die gesamte Zeit der Schauplatz. Anna Reids einfaches und effektives Bühnenbild besteht nur aus einem Block von Schließfächern, ein paar Bänken im Vordergrund und zwei Ausgängen zu einem Pool und den Duschen. Die Handlung spielt sich ab, während sich die Mädchen auf das Schwimmtraining vorbereiten oder davon zurückkehren, bei dem die beiden Hauptcharaktere sehr kompetent sind und echte Zukunftsaussichten haben. Daher ist auch das Kostüm auf Badeanzüge und Lagen für die Außenwelt beschränkt. Es ist mehr oder weniger eine abgeschlossene Welt mit ein paar Interventionen von Nebenfiguren.

Scheinbar handelt dieses Stück von Abtreibung, und so sehr man den Handlungsverlauf nicht vorwegnehmen möchte, ist es wirklich unmöglich, die Arbeit sinnvoll zu diskutieren, ohne sich eingehend mit diesem Thema auseinanderzusetzen. Der Abend beginnt damit, dass Amy (Milly Thomas) Ester (Aisha Fabienne Ross) einlädt, sie härter und härter in den Bauch zu schlagen, um eine Fehlgeburt herbeizuführen. Die Handlung wird von zunehmend verzweifelten Versuchen unterbrochen, die Schwangerschaft zu beenden, die in einer drastischen Darstellung einer provozierten Totgeburt gipfeln, die sowohl sehr schwer anzusehen als auch ein bemerkenswertes Stück technisches Schauspiel von Thomas und Ross darstellt, die in diesem Moment extremer Traumatisierung eine einzigartige Bindung zeigen.

Ich habe einige Vorbehalte hinsichtlich der Behandlung dieses Themas. Es liegt natürlich ganz bei der Autorin, wie sie dieses Material präsentieren möchte, und die Schrift ist zu keiner Zeit übermäßig didaktisch oder unnötig. Ich denke jedoch, dass es eine verpasste dramatische Gelegenheit war, den Charakteren nicht die Möglichkeit zu geben, die Option zu erkunden, dass Amy die Schwangerschaft bis zur Vollendung austrägt. Damit möchte ich nicht Partei in der Abtreibungsdebatte ergreifen, sondern lediglich bedauern ausdrücken, dass in einer bereits reichhaltig gestalteten Situation eine weitere Möglichkeitsschicht nicht untersucht wurde.

Es gibt jedoch nichts an der Glaubwürdigkeit der Charakterisierungen auszusetzen, die die Details des Lebens der beiden Hauptakteure mit bewundernswerten feinen Details versehen. Was dieses dramatische Debüt so unvergesslich macht, ist nicht so sehr der scharfe Umgang mit dem zentralen Thema, sondern die Tatsache, dass so viele Aspekte des Teenagerlebens berührt und plausibel in einem relativ kurzen Stück integriert werden.

Während die Schlagzeilen über die Zuschauer berichten, die während der Aufführungen in Ohnmacht gefallen sind, und die Theater in den USA, die sich weigerten, dieses Werk zu produzieren, war das, was ich aus dieser Erfahrung mitgenommen habe, vor allem die Bewunderung dafür, wie die beiden jungen Frauen im Zentrum des Dramas ganz natürlich Diskussionen über Entfremdung in der Familie, Essstörungen und sexuelle Erforschung und Ambivalenz integrierten. Es war auch kein Porträt einer kontinuierlichen und harmonischen Freundschaft: Es gab einerseits Schattenboxen-Kleinlichkeiten und Gemeinheiten, und andererseits klangvolle Direktheit und reife Loyalitäten. Weder Amy noch Ester ist vollständig oder auch nur größtenteils sympathisch, aber sie sind völlig glaubhaft, ebenso wie für eine andere Generation der Fänger im Roggen in all seiner feinkörnigen Unordentlichkeit und emotional gequälten Verwirrung völlig glaubwürdig war.

Was an beiden Darbietungen beeindruckte, abgesehen von der technischen Fertigkeit und dem dargestellten Spektrum an Emotionen, war die sorgfältige Vorwegnahme von Themen und Attributen, die erst im Nachhinein voll zur Geltung kamen. Amys wütende, prahlerische Selbstsicherheit verbirgt letztendlich große Fragilität und Verletzlichkeit, während Esters scheinbare Schüchternheit und ehrfürchtige Zurückhaltung gegenüber den anderen Mädchen eine Zähigkeit und Zielstrebigkeit vergeht, die die ihrer Zeitgenossen bei weitem übertrifft.

Auch die anderen und kleineren Rollen sind wichtig. Entscheidend für das Gleichgewicht des Stücks ist Reba (Charlotte Hamblin), die gänzlich die neurotische Wildheit der beiden Hauptprotagonistinnen fehlt. In ihrer eigenen Haut wohlfühlend, weht sie in das Stück hinein und wieder heraus und mindert die Intensität der Spannungen, indem sie mehrere Momente skurrilen und benebelten Humors bietet. Ebenso gibt es sehr feines Schauspiel von Dan Cohen als Victor, dessen Szene mit Ester ein Ausreißer aus der Hauptrichtung des Stücks ist, und doch strukturell wichtig, da es uns wichtiges Material über Amys selbstverachtende Persönlichkeit liefert. Während dies bewusst ein Stück für und über Frauen ist, ermöglicht seine Rolle es uns, die beiden zentralen Rollen aus einer anderen und aufschlussreichen Perspektive zu sehen.

Mein anderer Vorbehalt gegenüber dem Abend lag darin, wie er endet. Dies ist eine Fallstudie des Problems, das durch die Auswirkungen eines unverhältnismäßigen Höhepunkts entsteht. Wie löst man Angelegenheiten, wenn das Publikum noch immer von einem überwältigend schwierigen und eindrucksvollen Ereignis betroffen ist? Lässt man die Dinge in einem schwindenden Fall ausklingen, oder als eine sachliche Darstellung des Lebens, das ziemlich wie zuvor weitergeht, oder durch eine gewalttätige Stimmungsänderung so heftig wie das, was gerade vor unseren Augen geschehen ist?

Der erste Schritt, den die Autorin unternimmt, ist ein sehr gewagter, vielleicht anspielend auf die Szene mit dem Portier in Macbeth. Während wir uns bemühen, das Gesehene zu begreifen, tritt ein Hausmeister (Mark Keegan) ein, um aufzuräumen. Dies ist dramatisch sehr wirkungsvoll: Das Grauen vertieft sich in einer Szene, in der fast nichts gesagt wird und die Phantasie des Publikums die gesamte schwere Arbeit leisten muss. Aber darauf folgt eine Schlussszene, in der sich die Stimmung nie wirklich beruhigt und es nicht ganz klar ist, wohin das Stück letztendlich gelangt… Ester bewegt sich weiter, ebenso Amy, aber vieles andere zwischen den beiden bleibt ungelöst.

Dies war einer der forderndsten Abende, die ich als Kritiker oder Zuschauer seit langem im Theater erlebt habe, und das war völlig gerechtfertigt durch die Herausforderung und Enthüllung des Stücks. Von dieser Autorin und diesen Schauspielern werden wir sicherlich bald mehr hören. Ein wenig mehr Geben und Nehmen und ein Öffnen des Fokus hätte dem Aufbau des Stücks gut getan, aber man kann seine fesselnde, unermüdliche Kraft nicht leugnen.

Dry Land läuft im Jermyn Street Theatre bis zum 21. November 2015