CRÍTICA: Dry Land, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭

Dry Land

Teatro Jermyn Street

05/11/15

4 Estrelas

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Dry Land foi apresentado pela primeira vez no Centro de Artes Here de Nova York há um ano, ganhando grandes elogios de críticos e públicos. A Damsel Productions escolheu fazer a estreia no Reino Unido como sua primeira produção. Os objetivos da sua companhia são 'provocar, inspirar, chocar e... entreter com representações verdadeiras e honestas da experiência feminina'. Nesses objetivos, eles indubitavelmente têm sucesso.

A autora Ruby Rae Spiegel é uma recente graduada de Yale, ainda com apenas 22 anos, e o primeiro ponto a se destacar sobre esta peça excepcionalmente madura é quão credível é o retrato das vidas e dilemas adolescentes que ela fornece. Realmente existem poucas peças que capturam a combinação de certezas exteriores frágeis e frequentemente exageradas que mascaram ambiguidades internas, dúvidas e angústias. E, no entanto, este drama de oitenta minutos faz exatamente isso. Mostra uma transição gradual para a idade adulta através de meios gráficos, mas totalmente plausíveis. No geral, esta peça é uma grande, embora indubitavelmente perturbadora, realização.

Nos encontramos no vestiário de uma piscina em uma escola só para meninas na Flórida. Com uma breve exceção, este permanece o local durante toda a peça. O cenário simples e eficaz de Anna Reid fornece apenas um bloco de armários, alguns bancos em primeiro plano e duas saídas para a piscina e chuveiros. A ação acontece enquanto as meninas se preparam ou retornam do treino de natação, onde as duas personagens principais são altamente proficientes e têm reais perspectivas para o futuro. Portanto, o vestuário também é limitado a trajes de natação e camadas para o mundo exterior. É mais ou menos um mundo fechado com algumas intervenções ao longo do caminho de personagens masculinos menores.

Ostensivamente, esta peça é sobre aborto, e por mais que não se deseje divulgar o enredo, é realmente impossível discutir o trabalho de forma significativa sem examinar esse foco em detalhes. A noite começa com Amy (Milly Thomas) convidando Ester (Aisha Fabienne Ross) para bater nela cada vez mais forte no estômago na tentativa de provocar um aborto espontâneo. A ação é pontuada por tentativas cada vez mais desesperadas de interromper a gravidez, culminando em uma representação gráfica de um aborto induzido muito difícil de assistir, um notável pedaço de atuação técnica de Thomas e Ross, que demonstram um vínculo único neste momento de trauma extremo.

Tenho algumas ressalvas sobre o tratamento deste tema. É claro que depende inteiramente da autora como ela escolhe apresentar este material, e não há nada gratuito ou excessivamente didático na escrita a qualquer momento. No entanto, penso que foi uma oportunidade dramática perdida não permitir que as personagens explorassem a possibilidade de Amy levar a gravidez até o fim. Dizer isso não é tomar partido no debate sobre o aborto, mas apenas expressar arrependimento de que em uma situação já rica em detalhes, outra camada de possibilidades não foi explorada.

No entanto, nada falta na credibilidade das caracterizações, que preenchem os detalhes das vidas das duas protagonistas com detalhes admiravelmente minuciosos. O que torna esta estreia dramática tão memorável não é tanto o manuseio franco do tema central, mas sim o fato de que muitos aspectos da vida adolescente são tocados e integrados de forma plausível em uma peça relativamente curta.

Assim, enquanto os redatores de manchetes registraram os membros da audiência que desmaiaram nas apresentações e os teatros nos EUA que se recusaram a produzir este trabalho, o que levei desta experiência acima de tudo foi uma admiração pela maneira como as duas jovens mulheres no coração do drama misturaram de forma bastante natural a discussão sobre alienação familiar, transtornos alimentares e exploração e ambivalência sexual. Nem foi um retrato de uma amizade contínua e harmoniosa: havia petulância e malícia de um lado e direta e madura lealdade do outro. Nem Amy nem Ester são totalmente ou mesmo principalmente simpáticas, mas são totalmente críveis da mesma forma que para outra geração, O Apanhador no Campo de Centeio, era totalmente crível em toda a sua bagunça detalhada e confusão emocional angustiada.

O que impressionou sobre as duas performances, além da habilidade técnica e da gama de emoções retratadas, foi a cuidadosa antecipação de temas e atributos que só se tornam totalmente evidentes em retrospectiva. A confiança arrogante e zangada de Amy acaba por esconder uma grande fragilidade e vulnerabilidade, enquanto a aparente timidez de Ester e a reticência assombrada diante das outras garotas acabam por mascarar uma dureza e determinação que supera suas contemporâneas.

Os outros papéis, menores mas ainda assim importantes. Crucial para o equilíbrio da peça é Reba (Charlotte Hamblin) que falta totalmente a ferocidade neurótica das duas protagonistas principais. À vontade em sua própria pele de uma forma que elas não estão, ela paira dentro e fora da peça, reduzindo a intensidade das tensões e proporcionando vários momentos de humor bobo e de humor drogado. Da mesma forma, há uma atuação muito delicada de Dan Cohen como Victor, cuja cena com Ester é um desvio da direção principal da peça, e ainda assim, estruturalmente importante ao nos fornecer material importante sobre a personalidade autodepreciativa de Amy. Embora esta peça seja intencionalmente para e sobre mulheres, seu papel nos permite ver os dois papéis centrais de uma perspectiva diferente e reveladora.

Minha outra reserva sobre a noite reside na maneira como ela termina. Este é um estudo de caso do problema colocado pelo impacto de um clímax desproporcional. Como você resolve as questões quando o público ainda está atordoado por um evento esmagadoramente difícil e gráfico? Você acalma as coisas em uma queda morna, ou em uma representação factual da vida continuando mais ou menos como antes, ou por uma mudança de humor tão violenta quanto o que acabou de passar na frente de nossos olhos?

O primeiro passo que o autor dá é realmente muito ousado, talvez aludindo à cena do Porteiro em Macbeth. Enquanto lutamos para absorver o que vimos, um zelador (Mark Keegan) entra para limpar. Isso é dramaticamente mais eficaz: o horror aprofunda-se em uma cena onde quase nada é dito e a imaginação do público faz todo o trabalho pesado. Mas é seguido por uma cena final em que o humor nunca realmente se acomoda e não está totalmente claro onde a peça finalmente chega ao fim... Ester está seguindo em frente, e Amy também, mas muito entre elas permanece não resolvido.

Esta foi uma das noites mais exigentes que tive no teatro, como crítico ou membro da audiência em muito tempo, e foi totalmente justificada pelo desafio e revelação da peça. Certamente ouviremos mais sobre esta autora e estas atrizes em breve. Um pouco mais de dar e receber e abrir o foco teria beneficiado a construção da peça, mas não se pode negar seu poder impressionante e incessante.

Dry Land está em cartaz no Teatro Jermyn Street até 21 de novembro de 2015