CRITIQUE : Dry Land, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭

Terrain Sec

Théâtre de la rue Jermyn

05/11/15

4 Étoiles

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Terrain Sec a été joué pour la première fois au Centre des Arts Here de New York il y a un an, recevant un grand accueil de la part des critiques et du public. Damsel Productions a choisi de donner la première britannique comme leur propre première production. Leurs objectifs de la compagnie sont de «provoquer, inspirer, choquer et... divertir avec des représentations vraies et honnêtes de l'expérience féminine». Dans ces objectifs, ils réussissent indubitablement.

L'auteure Ruby Rae Spiegel est récemment diplômée de Yale, âgée seulement de 22 ans, et le premier point à souligner à propos de ce texte exceptionnellement mature est la crédibilité du portrait qu'il donne des vies et dilemmes adolescents. Il existe vraiment très peu de pièces qui capturent la combinaison de certitudes extérieures fragiles et souvent excessivement affirmées qui masquent des ambiguïtés intérieures, des doutes de soi et des angoisses. Et pourtant ce drame de quatre-vingts minutes fait exactement cela. Il montre aussi une transition graduelle vers l'âge adulte par des moyens graphiques mais entièrement plausibles. Globalement, cette pièce est une réalisation majeure, bien que indubitablement troublante.

Nous nous trouvons dans le vestiaire d'une piscine d'un lycée de filles en Floride. Sauf une brève exception, c'est le lieu tout au long. Le décor simple et efficace d'Anna Reid ne fournit qu'un bloc de casiers, quelques bancs au premier plan, et deux sorties vers la piscine et les douches. L'action se déroule alors que les filles se préparent ou reviennent de l'entraînement de natation où les deux personnages centraux sont très compétents et ont de réelles perspectives futures. Ainsi, le costume est également limité aux tenues de natation et aux couches pour le monde extérieur. C'est plus ou moins un monde fermé avec quelques interventions en cours de route de personnages masculins secondaires.

Apparemment, cette pièce parle de l'avortement, et bien que l'on ne souhaite pas dévoiler l'intrigue, il est vraiment impossible de discuter du travail de manière significative sans examiner attentivement ce point focal. La soirée commence avec Amy (Milly Thomas) invitant Ester (Aisha Fabienne Ross) à la frapper de plus en plus fort dans l'estomac pour provoquer une fausse couche. L'action est ponctuée par des tentatives de plus en plus désespérées d'interrompre la grossesse qui culminent dans une représentation graphique d'une mortinaissance induite, à la fois difficile à regarder et une remarquable pièce d'acteur technique par Thomas et Ross, qui démontrent un lien unique à ce moment de traumatisme extrême.

J'ai quelques réserves sur le traitement de ce thème. Bien sûr, c'est entièrement au choix de l'auteur de présenter ce matériel et il n'y a rien de gratuit ou excessivement didactique dans l'écriture à aucun moment. Je pense cependant qu'il était une opportunité dramatique manquée de ne pas permettre aux personnages d'explorer la possibilité qu'Amy mène la grossesse à terme. Dire cela n'est pas prendre parti dans le débat sur l'avortement, simplement exprimer le regret que dans une situation déjà richement rendue, une autre couche de possibilités n'ait pas été explorée.

Il n'y a rien de manquant dans la crédibilité des caractérisations cependant, qui remplissent les détails des vies des deux acteurs principaux avec un détail admirablement détaillé. Ce qui rend ce début dramatique si mémorable n'est pas tant le traitement brusque du thème central mais le fait que tant d'aspects de la vie adolescente sont abordés et intégrés de manière plausible dans une pièce relativement courte.

Ainsi, tandis que les rédacteurs ont enregistré les spectateurs qui se sont évanouis lors des représentations et les théâtres aux États-Unis qui ont refusé de produire ce travail, ce que j'ai retenu de cette expérience, c'est avant tout une admiration pour la manière dont les deux jeunes femmes au cœur du drame ont naturellement mélangé des discussions sur l'aliénation familiale, les troubles alimentaires, et l'exploration et l'ambivalence sexuelle. Ce n'était pas non plus le portrait d'une amitié continue et harmonieuse : il y avait de la mesquinerie et de la méchanceté d'un côté et de la franchise poignante et des loyautés matures de l'autre. Ni Amy ni Ester ne sont entièrement ou même principalement sympathiques, mais elles sont entièrement crédibles de la manière dont, pour une autre génération, L'Attrape-Cœur était parfaitement crédible dans son désordre détaillé et ses confusions émotionnelles angoissées.

Ce qui a impressionné à propos des deux performances, en plus de la compétence technique et de la gamme d'émotions dépeintes, était la soigneuse annonce des thèmes et attributs qui ne devinrent pleinement apparents qu'en rétrospective. La confiance en soi en colère et flamboyante d'Amy se révèle cacher une grande fragilité et vulnérabilité, tandis que la timidité apparente et la réserve inspirée de crainte d'Ester face aux autres filles se révèle masquer une ténacité et une détermination qui dépasse ses contemporaines.

Les rôles secondaires ont également leur importance. Crucial pour l'équilibre de la pièce est Reba (Charlotte Hamblin) qui manque complètement de la férocité névrotique des deux principaux protagonistes. À l'aise dans sa peau d'une manière qu'elles ne le sont pas, elle traverse la pièce, réduisant l'intensité des tensions et offrant plusieurs moments d'humour naïf et déjanté. De même, il y a une interprétation très délicate de Dan Cohen en tant que Victor, dont la scène avec Ester est à la périphérie de la direction principale de la pièce, et pourtant importante structurellement pour nous fournir du matériel important sur la personnalité auto-dénigrante d'Amy. Alors que c'est consciemment une pièce pour et sur les femmes, son rôle nous permet de voir les deux rôles centraux d'une perspective différente et révélatrice.

Mon autre réserve concernant la soirée réside dans la façon dont elle se termine. Il s'agit de l'étude de cas du problème posé par l'impact d'un climax disproportionné. Comment résoudre les questions lorsque le public est encore secoué par un événement exceptionnellement difficile et graphique ? Doit-on conclure en laissant tomber, ou comme une représentation factuelle de la vie continuant peu comme avant, ou par un changement d'humeur scandaleux aussi violent que ce qui vient de passer devant nos yeux ?

Le premier pas que prend l'auteur est vraiment audacieux, peut-être tendant vers la scène du Portier dans Macbeth. Alors que nous luttons pour comprendre ce que nous avons vu, un concierge (Mark Keegan) entre pour nettoyer. Ceci est dramatiquement le plus efficace : l'horreur s'approfondit dans une scène où presque rien n'est dit du tout, laissant l'imagination du public faire tout le travail. Mais il est suivi dans une scène finale où l'humeur ne se calme jamais vraiment et il n'est pas entièrement clair où la pièce finit par résider...Ester passe à autre chose, et Amy aussi, mais bien d'autres choses entre elles restent non résolues.

C'était l'une des nuits les plus exigeantes que j'ai eues au théâtre en tant que critique ou spectateur depuis longtemps, et cela était entièrement justifié par le défi et la révélation de la pièce. Nous entendrons bientôt davantage parler de cette auteure et de ces actrices, c'est certain. Un peu plus de souplesse et d'ouverture de l'axe aurait bénéficié à la construction de la pièce, mais il n'y a pas de nier son pouvoir captivant et implacable.

Terrain Sec est présenté au Théâtre de la rue Jermyn jusqu'au 21 novembre 2015