RECENSIONE: Dry Land, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭

Dry Land

Teatro Jermyn Street

05/11/15

4 Stelle

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Dry Land è stato rappresentato per la prima volta al Here Arts Centre di New York un anno fa, ottenendo grande successo tra critici e pubblico. Damsel Productions ha scelto di presentare la prima nel Regno Unito come loro prima produzione. Gli obiettivi della loro compagnia mirano a 'provocare, ispirare, scioccare e... intrattenere con rappresentazioni vere e oneste dell'esperienza femminile.' In questi obiettivi, riescono senza dubbio.

L'autrice Ruby Rae Spiegel si è laureata di recente a Yale, ha solo 22 anni, e il primo punto da sottolineare su questo pezzo di scrittura eccezionalmente maturo è quanto credibile sia il ritratto delle vite e dei dilemmi adolescenziali che fornisce. Ci sono davvero pochissimi spettacoli che catturano la combinazione di certezze esteriori fragili e spesso esagerate che mascherano ambiguità interiori, auto-dubbio e angoscia. Eppure questo dramma di ottanta minuti fa esattamente questo. Mostra anche una transizione graduale verso l'età adulta attraverso mezzi grafici ma del tutto plausibili. Tutto sommato, questo spettacolo è un grande, sebbene indubbiamente inquietante, successo.

Ci troviamo nello spogliatoio di una piscina in una scuola femminile della Florida. Con una breve eccezione, questo rimane il luogo per tutta la durata. Il semplice ed efficace set di Anna Reid presenta solo un blocco di armadietti, un paio di panche in primo piano e due uscite per la piscina e le docce. L'azione si svolge mentre le ragazze si preparano per o tornano dall'allenamento di nuoto, dove i due personaggi centrali sono altamente competenti e hanno prospettive reali per il futuro. Anche i costumi sono quindi limitati a abiti da bagno e strati per il mondo esterno. È più o meno un mondo chiuso con un paio di interventi lungo la strada da parte di personaggi maschili secondari.

Apparentemente questo spettacolo riguarda l'aborto, e per quanto uno non voglia divulgare la trama, è realmente impossibile discutere l'opera in modo significativo senza esaminare questo fuoco in dettaglio. La serata si apre con Amy (Milly Thomas) che invita Ester (Aisha Fabienne Ross) a colpirla sempre più forte nello stomaco per indurre un aborto spontaneo. L'azione è punteggiata da tentativi sempre più disperati di terminare la gravidanza che culminano in una rappresentazione grafica di un aborto indotto, che è sia molto difficile da guardare che un notevole pezzo di recitazione tecnica di Thomas e Ross, che dimostrano un legame unico in questo momento di estremo trauma.

Ho alcune riserve sulla gestione di questo tema. È ovviamente completamente a discrezione dell'autrice come sceglie di presentare questo materiale e non c'è nulla di gratuito o eccessivamente didattico nella scrittura in nessun punto. Tuttavia, penso che sia stata un'opportunità drammatica mancata non permettere ai personaggi di esplorare la possibilità che Amy porti avanti la gravidanza fino al termine. Dire questo non significa prendere posizione nel dibattito sull'aborto, ma semplicemente esprimere rammarico che in una situazione già riccamente resa un altro strato di possibilità non sia stato esplorato.

Non manca nulla nella credibilità delle caratterizzazioni, che riempiono i dettagli delle vite dei due attori principali con un'ammirevole precisione dettagliata. Ciò che rende questo debutto drammatico così memorabile non è tanto il trattamento spietato del tema centrale, ma il fatto che così tanti aspetti della vita adolescenziale siano toccati e integrati in modo plausibile in un'opera relativamente breve.

Quindi, mentre i titoli di giornale hanno registrato i membri del pubblico che sono svenuti durante le esibizioni e i teatri negli USA che hanno rifiutato di produrre questo lavoro, ciò che ho tratto da questa esperienza, soprattutto, è stata un'ammirazione per il modo in cui le due giovani donne al centro del dramma hanno naturalmente miscelato discussioni di alienazione familiare, disturbi alimentari ed esplorazione e ambivalenza sessuali. Inoltre, non era un ritratto di un'amicizia continua e armoniosa: c'era meschinità e cattiveria da un lato e una commovente franchezza e lealtà mature dall'altro. Né Amy né Ester sono totalmente o persino principalmente simpatiche, ma sono completamente credibili nel modo in cui per un'altra generazione, Il giovane Holden (Catcher in the Rye), era completamente credibile in tutta la sua confusa e struggente confusione emotiva.

Ciò che ha colpito delle due interpretazioni, a parte l'abilità tecnica e la gamma di emozioni rappresentata, è stato il suggerimento accurato di temi e attributi che sono divenuti pienamente evidenti solo in retrospettiva. La rabbia di Amy, la sua sicumera e autostima nasconde una grande fragilità e vulnerabilità, mentre la timidezza apparente di Ester e il suo timido rispetto di fronte alle altre ragazze nasconde una determinazione e una concentrazione che superano le sue coetanee.

Anche gli altri e minori ruoli sono importanti. Cruciale per l'equilibrio dello spettacolo è Reba (Charlotte Hamblin), che manca completamente della ferocia nevrotica delle due protagoniste principali. A suo agio con se stessa in un modo che esse non sono, si muove con leggerezza in e fuori dall'opera, riducendo l'intensità delle tensioni e fornendo diversi momenti di umorismo stralunato e cadenzato. Allo stesso modo, c'è una recitazione molto delicata da parte di Dan Cohen nel ruolo di Victor, la cui scena con Ester si distacca dalla direzione principale dell'opera, ma è strutturalmente importante nel fornirci materiale importante sulla personalità autodissoluta di Amy. Sebbene questo sia consapevolmente un'opera per e sulle donne, il suo ruolo ci permette di vedere i due ruoli centrali da una prospettiva diversa e rivelatrice.

L'altra mia riserva sulla serata è nel modo in cui finisce. Questo è uno studio sul problema posto dall'impatto di un climax sproporzionato. Come si risolvono le cose quando il pubblico è ancora scosso da un evento sopraffacente d difficile e grafico? Cogliete il modo in cui termina con una caduta morente, o come una rappresentazione fattuale della vita che procede quasi come prima, o con un cambiamento di umore altrettanto violento quanto ciò che è appena passato davanti ai nostri occhi?

Il primo passo che l'autrice compie è davvero molto audace, forse allusivamente raggiungendo la scena del portiere nel Macbeth. Mentre lottiamo per assimilare ciò che abbiamo visto, entra un custode (Mark Keegan) per pulire. Questo è drammaticamente molto efficace: l'orrore si approfondisce in una scena in cui non si dice quasi nulla, lasciando all'immaginazione del pubblico il compito di sollevare tutto il peso. Ma è seguito da una scena finale in cui l'umore non si stabilisce mai veramente e non è del tutto chiaro dove l'opera arrivi finalmente al suo termine...Ester sta andando avanti, e anche Amy, ma molto altro tra le due rimane irrisolto.

Questa è stata una delle serate più impegnative che ho avuto in teatro come recensore o spettatore da molto tempo, e ciò è stato pienamente giustificato dalla sfida e dalla rivelazione dell'opera. Sentiremo ancora parlare di questa autrice e di questi attori prima a lungo, di sicuro. Un po' più di dare-e-prendi e un'apertura verso il focus avrebbero beneficiato la costruzione dello spettacolo, ma non si può negare il suo potere avvincente e incessante.

Dry Land sarà in scena al Teatro Jermyn Street fino al 21 novembre 2015