CRÍTICA: A Strange Loop, Barbican Theatre ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser reseña el traslado a Londres del premiado musical de Michael R Jackson, A Strange Loop, que actualmente se representa en el Barbican Theatre.

Kyle Ramar Freeman. Foto: Marc Brenner A Strange Loop

Barbican Theatre

29 de junio de 2023

4 estrellas

Reservar entradas Tras el notable éxito en Broadway el año pasado y después de hacerse con un Tony y un Pulitzer en su trayectoria, este nuevo musical llega al Barbican Theatre para su temporada británica con una enorme expectación. En la noche de prensa recibió una ovación atronadora y, sin duda, será un gran éxito de público. Pero, ¿qué tal resiste un análisis más minucioso?

Se trata de un musical sobre un escritor de teatro musical en Nueva York: negro, queer y de talla grande, que se gana la vida trabajando como acomodador en El Rey León. Este hombre, llamado sencillamente Usher, a su vez está escribiendo un musical sobre un escritor de teatro musical en Nueva York: negro, queer y de talla grande, que se gana la vida trabajando como acomodador en El Rey León. Y así sucesivamente. Este es el «bucle extraño» del título. A su lado hay seis acompañantes, todos proyecciones de sus distintas corrientes de pensamiento —el autodesprecio, la ambivalencia sexual, la reprimenda parental, por ejemplo—. Gran parte de la acción es un diálogo confrontativo entre todos ellos, en el que Usher explora tanto su propia identidad como las identidades negras urbanas en general. Un tema clave es hasta qué punto la cultura negra, la fe, la música y la expresión sexual pueden ser libres, y hasta qué punto dependen del permiso blanco o quedan limitadas por estereotipos impuestos por una autoridad externa.

El elenco de A Strange Loop.

La manera de presentar la acción tiene fortalezas extraordinarias y una originalidad deslumbrante, pero también algunas debilidades estructurales sorprendentes. El libreto, la música y las letras son obra de Michael R. Jackson, que se apoya en su propia experiencia vital. Aunque por el camino se rinde tributo estilístico a muchos de los grandes de la tradición del musical estadounidense, lo que destaca —como ocurría con Hamilton— es lo libre e independientemente imaginativa que es la escritura. Partimos de lugares neoyorquinos —un teatro, un apartamento, el metro—, pero pronto nos adentramos en fantasías cada vez más barrocas, a medida que Usher se cruza con figuras clave de la historia afroestadounidense, se enfrenta a sus padres en la casa familiar y —en una antiapoteosis final— utiliza una elaborada secuencia de iglesia góspel para dramatizar su propio odio interiorizado hacia sí mismo.

La paleta musical es variada, y a este crítico le han resonado más tiempo muchas de las canciones más contenidas que los números de relumbrón. Las melodías son memorables y las letras ingeniosas, aunque densas y recargadas de palabras de un modo que probablemente Sondheim habría desaprobado, pero que encaja con la exploración del exceso y del dolor que lo subyace, en el centro mismo de la obra. Quizá lo más llamativo sea lo explícito y gráficamente directo del diálogo. Pero, al estar al servicio del proyecto y no ser gratuito, funciona, y uno se deja llevar.

Kyle Ramar Freeman y Nathan Armarkwei Laryea. Foto: Marc Brenner

Los valores de producción son intensos e impresionantes. El decorado básico ofrece seis puertas, una por cada uno de los distintos «pensamientos»; pero pronto dan paso a estructuras cada vez más elaboradas que acompañan la vertiginosa imaginación del protagonista. Lo mismo puede decirse del vestuario: cómo consigue el elenco tantos cambios rápidos desafía la imaginación; ¡debe de haber metros de velcro en uso y un ejército de ayudantes entre bambalinas! No llegué a ver a la banda, pero hubo algunos solos elegantes junto a un incisivo trabajo de conjunto dirigido por Candida Caldicot. Raja Feather Kelly ideó una coreografía deliciosamente viva e intrincada que, apoyándose en el tema de los «bucles», permite que los «pensamientos» se entretejan y se enrosquen alrededor de Usher siguiendo el fluir de la acción.

El papel central es exigente en todos los sentidos y Kyle Ramar Freeman lo llena de delicadeza y brío. Usher oscila entre la duda autodestructiva y un feroz desdén público; Freeman encuentra ambos extremos con destreza y con la agilidad verbal necesaria. La interpretación también está emocionalmente centrada, de modo que se percibe cómo su mente va avanzando hacia una aceptación final de sí mismo.

Kyle Ramar Freeman y Danny Bailey. Foto: Marc Brenner

A su alrededor, los seis «pensamientos» obran maravillas de canto y baile, cada uno claramente caracterizado y diferenciado del resto. Son interpretaciones de primer nivel, que cumplen en todos los frentes.

Mis reservas, en la medida en que las hay, giran en torno a la solidez estructural de la obra. Hay bastante repetición temática y cierto estancamiento, especialmente en la sección central. Aunque la función dura solo 100 minutos, aún podría permitirse recortar una o dos escenas para ganar, afinando el impacto del conjunto. No se trata tanto de que «menos es más»; más bien de que, cuando cada escena asesta un golpe emocional tan contundente, no conviene terminar insensibilizado.

En conjunto, sin embargo, este espectáculo es un logro mayor y original que seguramente se ganará un lugar duradero en el repertorio y en la historia del teatro musical. En cierto modo, es una versión negra y actualizada de Company: sin trama, y con muchos personajes aconsejando al protagonista central sobre cómo cambiar su vida para mejor. Pero quizá todavía le queda evolucionar hasta su versión final y más lograda.

En cartel hasta el 9 de septiembre de 2023