RECENSIONE: A Strange Loop, Teatro Barbican ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser recensisce il trasferimento londinese del pluripremiato musical di Michael R Jackson, A Strange Loop, attualmente in scena al Barbican Theatre.

Kyle Ramar Freeman. Foto: Marc Brenner A Strange Loop

Barbican Theatre

29 giugno 2023

4 stelle

Prenota i biglietti Dopo il notevole successo a Broadway lo scorso anno e dopo aver conquistato lungo il percorso un Tony e un Pulitzer, questo nuovo musical arriva al Barbican Theatre per la sua stagione britannica tra grande attesa. Alla prima stampa è stato accolto con ovazioni e con ogni probabilità sarà un grande successo di pubblico. Ma come regge a un esame più attento?

È un musical che racconta di un autore di musical a New York: nero, queer e plus-size, che paga le bollette lavorando come maschera a “The Lion King”. Quest’uomo, chiamato semplicemente Usher, sta a sua volta scrivendo un musical su un autore di musical a New York: nero, queer e plus-size, che paga le bollette lavorando come maschera a “The Lion King”. E così via. È questo il “strange loop” del titolo. Accanto a lui ci sono sei compagni, tutte proiezioni delle diverse correnti del suo pensiero – autocondanna, ambivalenza sessuale, ammonimenti genitoriali, per esempio. Gran parte dell’azione è un dialogo frontale tra tutti loro, in cui Usher esplora sia la propria identità sia, più in generale, le identità nere urbane. Un tema chiave è fino a che punto cultura, fede e musica nere, e l’espressione sessuale, possano essere libere; e quanto invece dipendano dal permesso bianco o siano limitate da stereotipi imposti da un’autorità esterna.

Il cast di A Strange Loop.

La messa in scena dell’azione mostra punti di forza straordinari e un’originalità fuori dal comune, ma anche alcune sorprendenti debolezze strutturali. Libretto, musiche e testi sono di Michael R. Jackson, che attinge alla propria esperienza di vita. Pur rendendo lungo la strada omaggio stilistico a molti grandi della tradizione del musical americano, ciò che colpisce – proprio come in “Hamilton” – è quanto la scrittura sia libera e autonomamente immaginifica. Si parte da luoghi newyorkesi – un teatro, un appartamento, la metropolitana – ma presto ci si spinge in fantasie sempre più barocche, mentre Usher incontra figure chiave della storia afroamericana, affronta i genitori nella casa di famiglia e – in un finale di anti-apoteosi – utilizza un elaborato segmento ambientato in una chiesa gospel per mettere in scena il proprio odio di sé interiorizzato.

La tavolozza musicale è varia: per questo recensore molte delle canzoni più intime risuonano più a lungo dei numeri scintillanti da grande show. Le melodie restano in testa e i testi sono spiritosi, ma anche verbosi ed elaborati in un modo che probabilmente Sondheim non avrebbe approvato; eppure si addice all’esplorazione dell’eccesso e del dolore che vi si nasconde dietro, cuore dell’opera. Forse ciò che colpisce di più è la natura esplicitamente grafica e diretta dei dialoghi. Ma, poiché è al servizio del progetto e non gratuita, funziona: ci stai dentro e vai avanti.

Kyle Ramar Freeman e Nathan Armarkwei Laryea. Foto: Marc Brenner

I valori produttivi sono intensi e impressionanti. La scenografia di base offre sei porte, una per ciascuno dei vari “pensieri”; ma presto lasciano spazio a strutture sempre più elaborate, in parallelo con l’immaginazione vertiginosa del protagonista. Lo stesso vale per i costumi – come riesca tutto il cast a gestire un numero simile di cambi rapidissimi è difficile da immaginare: devono esserci metri di Velcro e un esercito di assistenti dietro le quinte! Non sono mai riuscito a vedere la band, ma ci sono stati alcuni assoli eleganti accanto a un ensemble incisivo diretto da Candida Caldicot. Raja Feather Kelly ha ideato coreografie deliziosamente vivaci e intricate, costruite sul tema dei “loop”, che permettono ai “pensieri” di tessere e intrecciare i propri movimenti intorno a Usher, seguendo il flusso dell’azione.

Il ruolo centrale è impegnativo a ogni livello e Kyle Ramar Freeman lo riempie di delicatezza e slancio. Usher oscilla tra dubbi auto-laceranti e un feroce disprezzo pubblico: Freeman trova entrambi gli estremi con destrezza e con la necessaria agilità verbale. La prova è anche emotivamente ben centrata, così che si percepisce come la sua mente si sviluppi verso un’accettazione finale di sé.

Kyle Ramar Freeman e Danny Bailey. Foto: Marc Brenner

Intorno a lui i sei “pensieri” compiono miracoli di canto e danza, ciascuno caratterizzato con chiarezza e distinto dagli altri. Sono interpretazioni di prim’ordine, che funzionano su ogni piano.

I miei dubbi, per quanto ci siano, riguardano la tenuta strutturale dell’opera. C’è una buona dose di ripetizione tematica e di “girare a vuoto”, soprattutto nella sezione centrale. Pur durando appena 100 minuti, la serata potrebbe comunque permettersi di perdere una o due scene, a vantaggio dell’insieme e per affilarne l’impatto. Non è tanto una questione di “less is more”; piuttosto, quando ogni scena assesta un colpo emotivo così pesante, non vuoi finire stordito dai colpi.

Nel complesso, però, questo spettacolo è un traguardo importante e originale, che con ogni probabilità si ritaglierà un posto duraturo nel repertorio e nella storia del teatro musicale. Per certi versi è una versione nera aggiornata di “Company”: niente trama e molti personaggi che consigliano al protagonista centrale come cambiare la propria vita in meglio. Ma forse deve ancora evolvere verso la sua iterazione finale e migliore.

In scena fino al 9 settembre 2023