REZENSION: Sylvia, Cort Theater ✭✭

Sylvia

Cort Theatre

6. Oktober 2015

2 Sterne

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Es ist der Central Park. Üppig, grün, einladend. Ein wunderschöner Nachmittag.

Ein Geschäftsmann genießt den Park. Ein Hund stürmt auf ihn zu. Sie freunden sich an. Er liest ihr Halsband, erfährt, dass sie Sylvia heißt, und stiehlt sie dann. Er nimmt Sylvia mit nach Hause, offenkundig ganz hingerissen von der Vorstellung, eine Frau in seinem Leben zu haben, die ihn bedingungslos liebt und nie wirklich mit ihm streitet. Anders als seine Ehefrau seit über zwanzig Jahren, die Mutter seiner Kinder, seine Jugendliebe.

Er drängt Sylvia seiner Frau auf, besteht darauf, dass der Hund zur Familie gehört – ganz gleich, was die Ehefrau davon hält. Er lässt Sylvias Bedürfnisse Vorrang haben und, ehrlich gesagt, er wirkt unnatürlich besessen von Sylvia, so sehr, dass er auf die Hunde eifersüchtig ist, mit denen sie läufig herumrutscht. Er lässt seine Ehe in raues Fahrwasser geraten und gefährlich nahe am Untergang entlangschrammen.

Wer gewinnt diesen Krieg zwischen Ehefrau und Hündin?

Interessiert das überhaupt jemanden?

Dies ist die Broadway-Wiederaufnahme von Sylvia, A.R. Gurneys eigenartigem Stück, das derzeit im Cort Theatre gespielt wird. Unter der Regie von Daniel Sullivan (der bei der von mir gesehenen Voraufführung fleißig Notizen machte) ist dies die Art von Wiederaufnahme, bei der man sich fragt, warum manche Stücke überhaupt jemals wieder auf den Spielplan kommen. Es ist ein zerstrittener, hoffnungsloser, misogyn wirkender Schwall pubertären Unsinns – zumindest in dieser Lesart.

Man vermutet, dass der eigentliche Grund für die Wiederaufnahme darin liegt, dass die zentrale Männerfigur – der alternde Geschäftsmann Greg, der den Hund stiehlt – einem versierten, begabten Schauspieler eine echte Herausforderung bietet: Wie hält man das Publikum bei der Stange, wenn da so ein selbstverliebter, patriarchaler Besserwisser steht? Wie legt man die Nuancen frei, die Ängste, die Unsicherheiten, die fragile Selbstwahrnehmung dieser schwierigen, komplexen Figur?

Es gibt viele Möglichkeiten, das Stück zu lesen – aber die naheliegendste ist vermutlich die richtige. Sylvia ist eine Metapher für eine Trophäenfreundin; sie ist jemand, den Greg benutzen kann, um sich selbst besser zu fühlen, statt an seinen eigenen komplizierten Persönlichkeitsbaustellen zu arbeiten. Jemand, mit dem er seiner Frau quasi vor den Augen fremdgehen kann, mit dem er sie herausfordern, den er einsetzen kann, um seine Frau gefügig zu machen.

Offenkundig hat die Figur auch Shakespeare’sche Züge: Selbstprüfung, Selbsterkenntnis, Selbstverachtung, Aufschub und Narzissmus – mindestens. Greg ist kein Held, aber er ist die zentrale Figur. Soll das Stück mehr sein als eine billige, abstoßende Herabwürdigung von Frauen, muss der Schauspieler, der Greg spielt, so etwas wie ein Wunder vollbringen.

Stattdessen wird Greg hier von Matthew Broderick gespielt. Ich benutze das Wort „gespielt“ im weitesten Sinne. Broderick sagt die Worte, aber von Schauspielkunst ist nichts zu sehen. Eine Elmer-Fudd-Imitation ist noch das Netteste, was man über diesen matschigen Strom aus Vanillemilchreis-Ödnis sagen kann. Immer noch mit der Quietschstimme, die als Leo Bloom in The Producers so niedlich wirkte, ruht Broderick nicht auf seinen Lorbeeren – er zerdrückt sie. Keine Spur von dem Rätsel namens Greg, kein Anzeichen von Konflikten oder Feinheiten. Nur eine Zeichentrickfigur mit alberner Stimme, die lieber Kaninchen jagen würde.

In scharfem Kontrast dazu steht Julie White, eine Schauspielerin mit beeindruckendem Handwerk, die als gebeutelte Ehefrau Kate geradezu grandios ist. Sie stachelt, schmilzt, leidet und leuchtet – und macht aus Gregs schockierend behandelter Frau eine echte, vollständige und zutiefst zerrissene Figur. Es ist unmöglich, Kates Verlassenheit und Verzweiflung nicht zu spüren – White vermittelt diesen nachhallenden Schmerz mit vollendeter Leichtigkeit.

Außerdem bringt sie die Schwierigkeit, die Sylvia für Kate bedeutet, perfekt auf den Punkt: Einerseits ist sie eine kalkulierende Rivalin, andererseits ein wehrloses Tier. White hält diese Balance und spießt die eigentliche Ursache der Tragödie hier auf: Brodericks selbstsüchtigen Greg. Das ist von White eine punktgenau ausbalancierte Leistung – umso bemerkenswerter, weil Broderick ihr keinerlei echte Unterstützung liefert.

Die hinreißende Annaleigh Ashford spielt Sylvia. Der Kunstgriff ist anspruchsvoll: Sie muss ein Hund sein – aber ein Hund, der spricht und sich nicht auf allen Vieren bewegt. Wie ein Meerhundwesen ist Sylvia im Kern teils geschlechtsreife Frau, teils hüpfender Labradoodle (oder irgendein ähnlicher Mix). Ashford ist bemerkenswert, körperlich wendig und einnehmend, aber zugleich entschieden „anders“. White spielt eine Frau; Ashford spielt eine Hündin – mehr Mensch als Tier, aber mit ordentlich Scooby-Charakter. Es gibt Momente, in denen ihr Geist frei läuft, und die sind am wunderbarsten – und andere, in denen Sullivans Regie spürbar wird, wenn sie unnötig eingeschränkt wirkt.

Ashfords Sylvia ist von Beginn an sympathisch, und sie füllt die Figur zu gleichen Teilen mit Schärfe und Sanftheit. Sie ist jedermanns Vorstellung vom perfekten Haustier – und zugleich scheut sie nicht die fiese Trophäenfrau-Seite von Sylvias Dasein. Es ist eine komplette Darstellung, und es gibt Augenblicke, in denen man tatsächlich vergisst, dass sie – nun ja – ein Mensch ist. Wenn in den Schlussszenen des Stücks ein riesiges Foto des echten Hundes Sylvia gezeigt wird, ist es eindeutig ein Hund – und doch eindeutig Ashford. Bemerkenswert.

Das offensichtlichste Versagen des Stücks liegt in den Nebenrollen. Ein Schauspieler soll drei Figuren spielen: einen machohaften Hundebesitzer, vollgestopft mit angelesenem Wissen; eine hochnäsige Vassar-Frau, eine alte Freundin von Kate, deren Genitalien – unerklärlicherweise – für Sylvia unwiderstehlich sind; und einen androgynen Paartherapeuten, der Kates und Gregs Ehe beurteilt. Im besten Fall sind diese Figuren albern; im schlimmsten Fall untergraben sie das Stück aktiv mit anstößiger, überflüssiger Irrelevanz.

Robert Sella spielt die drei Parts ordentlich, wobei sowohl seine Phyllis als auch Leslie (die Frau und das Fragezeichen) entsetzlich stereotyp sind und die Lacher eher erzwungen als natürlich wirken. Es gibt so viele Pseudo-Frauen in der Figurenliste des Stücks – das ist geradezu bizarr.

David Rockwells Bühnenbild ist passend überbordend – die Grüntöne des Central Park sind naiv und unwirklich, was Gurneys Erzählweise durchaus entspricht. Warme Innenräume fliegen herein und geben der Häuslichkeit von Greg, Kate und Sylvia ein Gefühl von plüschigem Wohlstand. Japhy Weideman beleuchtet alles sorgfältig und klug und stiftet Wärme, wo sie in den Darstellungen oder in der Geschichte fehlt.

Sullivans Regie ist hölzern und fantasielos. Der interessante Unterbau dieses Theaterwesens wird nie gekratzt. Nur Whites vorbildliche Anstrengungen und Ashfords gewinnende Raffinesse heben das hier über das Niveau der Katzentoilette.

Kate macht gegen Ende des Stücks eine trocken-ironische Bemerkung und zitiert den dritten Akt von Was ihr wollt:

Würde dies jetzt auf einer Bühne gespielt, ich könnte

es als unwahrscheinliche Erfindung verdammen.

Allerdings.

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