KRITIK: Shook, Southwark Playhouse - Little ✭✭✭✭✭

Julian Eaves rezensiert Shook, ein Stück von Samuel Bailey, präsentiert von Papatango im Southwark Playhouse.

Joshua Finan (Cain). Foto: The Other Richard Shook Southwark Playhouse Little,

1. November 2019

5 Sterne

Jetzt buchen Es war eine ziemlich volle Woche mit Premieren und neuen Arbeiten, und es gab einige erstklassige Angebote.  Tatsächlich ist es fast so, als würde das Theater, während die Standards im öffentlichen Leben weiter sinken, ein Gegengewicht schaffen, indem es Kunst von immer stratosphärischer Qualität hervorbringt.  Denn hier an der Newington Causeway in South London, wo mit Produzent Chris Foxons Papatango-Company eine prominent besetzte nationale Tournee startet (die im Hope Street Theatre, Liverpool, im Theatr Clwyd in Mold, im Stephen Joseph in Scarborough und im Marlowe in Canterbury fortgesetzt wird – wobei ich mich bei diesem Tempo keineswegs wundern würde, wenn dieser höchstwahrscheinlich ausverkaufte Lauf noch um weitere Spielstätten erweitert würde), wird ein weiteres brillantes Juwel zu unserer Begutachtung, unserem Vergnügen und unserer Erbauung auf die Bühne gebracht.

Andrea Hall (Grace) und Ivan Oyik (Riyad) Foto: The Other Richard

Der Autor Samuel Bailey ist ein neuer Name im Bereich des Dramas.  Ursprünglich aus den West Midlands stammend, entwickelte er Arbeiten mit dem Bristol Old Vic, Tobacco Factory Theatres und Theatre West, bevor er nach London zog und Absolvent des London Old Vic 12 sowie des Orange Tree Writers' Collective wurde.  Ursprünglich durch ein MGCfutures-Stipendium unterstützt, ist Shook sein erstes abendfüllendes Stück (90 Minuten, keine Pause) – und eines der erschütternd souveränen und kraftvollen Debüts, die ich je gesehen habe.  Dieser Mann ist ein Gigant.  Gestern Abend, als wir am Ende seiner außergewöhnlich verdichteten und geschickt geführten Untersuchung dreier junger Männer in einer Jugendstrafanstalt ankamen, schien das gesamte Publikum in dem intimen Raum mit gut 120 Plätzen einer Meinung zu sein: Wir hatten gerade eines der wichtigsten Theaterdebüts dieses Jahrzehnts erlebt.

Josef Davies (Jonjo) und Ivan Oyik (Riyad) Foto: The Other Richard

Baileys Gabe – und sie ist beträchtlich – liegt in seinem Gespür dafür, alltägliche Menschen so zu zeichnen, dass sie für große Ideen und enorm starke Gefühle stehen, und das mit größter Zurückhaltung und fast schon Zauberkunst: Kaum bemerken wir die beachtliche Kunstfertigkeit, mit der er seine Wirkung erzielt.  So werden wir in dieser scheinbar einfachen, kargen und fast handlungsarmen Inszenierung von Regisseur George Turvey (Mitgründer und künstlerischer Leiter der Company) unmerklich immer tiefer in das Leben der drei jungen Männer hineingezogen, ohne recht zu merken, wie sehr wir uns irgendwann grundsätzlich dafür verantwortlich fühlen, was aus ihnen wird.  In dem nüchternen, klassisch „naturalistischen“ Bühnenbild von Jasmine Swan (dessen Präzision sich heimlich bis in jedes Detail der Kostüme fortsetzt) erhalten wir einen vordergründig konventionellen und unspektakulären „Raum“, in dem sich die Geschichte entfaltet.  Unerbittlich ausgeleuchtet von Johanna Town, bedrängt von Richard Hammartons harter Musik- und Soundgestaltung.  Bailey bringt dennoch Luft und Weite in diese Welt, wenn er scheinbar den Fuß vom Gas nimmt und den Verlauf mit sechs Unterbrechungen akzentuiert: Sie lassen Zeit vergehen – vermerkt auf dem Whiteboard des Klassenraums – und, noch wichtiger, sie erlauben der unsichtbaren, gelegentlich jedoch hörbaren Außenwelt, ihren Einfluss auf das Leben unserer drei (Anti-)Helden auszuüben.

Joshua Finan (Cain) und Ivan Oyik (Riyad). Foto: The Other Richard

Das Vorbild dafür ist natürlich Jean Genets „Haute surveillance“ („Deathwatch“) – das Nonplusultra des Gefängnisdramas, in dem endloses Posieren und Taktieren dreier Häftlinge den Rang einer mythischen Untersuchung der conditio humana erreicht.  Hier wird der Tanz durch die leibhaftige Präsenz einer Frau in ihrer Mitte verkompliziert („Notre-Dame-des-Fleurs“?), und sie trägt den sprechenden Namen Grace.  Ihre Aufgabe, die in ihrem Leben sehr stark wie ein fast, aber eben nicht ganz göttlicher Eingriff funktioniert, ist es, einen „Parenting“-Kurs zu leiten: Alle drei sind Väter oder werden es bald.  Ihre Kinder bleiben jedoch weit entfernt, von ihnen getrennt durch die gnadenlosen Vorgaben des britischen Strafvollzugs – die Männer zeigen nicht einmal ein Foto ihrer Kinder – doch sie dürfen Plastikpuppen benutzen, um grundlegende Fähigkeiten der Elternschaft zu „üben“. Dass diese „Spielzeuge“ das Echte kläglich nicht ersetzen können, wird schließlich zur körperlichen Verkörperung dieser herzzerreißenden Geschichte.  Andrea Hall ist perfekt als die wohlmeinende, aber zwangsläufig etwas distanzierte Lehrerin, die still und beharrlich versucht, Menschlichkeit in das metallgraue Innere der Anstalt zu bringen – und nur zu gut weiß, wie oft ihr Auftrag zum Scheitern verurteilt ist.  Großbritannien (solange es noch existiert) hat eine der höchsten Inhaftierungs- – und Rückfall –quoten in der entwickelten Welt.  Darauf kann man nicht stolz sein, und wir können es auch nicht Brüssel in die Schuhe schieben.

Joshua Finan (Cain). Foto: The Other Richard

Doch es ist das Trio der eingesperrten Jugendlichen, das unsere Aufmerksamkeit ganz in Anspruch nimmt.  Baileys untrügliches Ohr für Wahrhaftigkeit im Dialog und seine geradezu übernatürliche Beherrschung von Tempo, Schwung, Struktur und Tonwechseln ermöglichen es ihm, diese drei mit sorgfältig ausgearbeiteten Rollen auszustatten, wie wir sie eher mit deutlich erfahreneren Autoren verbinden.  Josh Finan ist der laute Wirbelsturm Cain (noch ein sprechender Name!), dessen gewaltsam-ballettartige Energie die wichtigste „Erschütterungs“-Kraft im Drama liefert.  Sein vorgesehenes Opfer, Josef Davies’ lähmend introvertierter und verletzter Jonjo, ist derjenige, der sich vor unseren Augen am stärksten verändert, an Selbstvertrauen gewinnt und entspannter wird, während er sich öffnet und das ganze Grauen dessen offenbart, was ihn in diese Zelle geführt hat.  Doch der Platzhirsch ist in Wahrheit Ivan Oyiks mürrischer, glimmender, straßenschlauer und schlagfertiger Riyad (ein weiterer Name voller kraftvoller Assoziationen): Er ist zugleich der Dreh- und Angelpunkt, um den ein Großteil des Humors in ihrem reich dynamischen und herzhaften Schlagabtausch kreist.

Am Ende – obwohl sie wirklich nie, nie darum bitten, irgendetwas zu bekommen – gewinnen diese drei, deren Leben aus den Fugen geraten und gefährlich ist, das Publikum vollständig für sich.  Und wenn wir ihnen diese Fürsorge, diesen Gedanken, dieses Engagement entgegenbringen, fragen wir uns schon, warum so viele Bereiche unserer Gesellschaft offenbar unfähig sind, sie auf eine freundliche, nährende Weise zu erreichen.  Eine ernüchternde Erkenntnis, die man aus dem Theater mitnimmt – und wer weiß: Vielleicht bewirkt sie sogar etwas Gutes.  In seinen Danksagungen im gedruckten Text des Stücks (der zugleich als Programmheft dient) überlässt Bailey das letzte Wort „den Jungs daheim, die Theater für Quatsch halten, aber in irgendeiner Form in jedem Stück vorkommen, das ich je geschrieben habe“.  Das ist für sie, weil sie wir sind.

SHOOK – TOURNEE-TERMINE