KRITIK: Midnight Your Time, Donmar Warehouse Online ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser bespricht Diana Quick in Midnight Your Time, online präsentiert vom Donmar Warehouse in London.

Midnight Your Time Donmar Warehouse Digital

Online bis 20. Mai 2020

Online ansehen Wenn man plötzlich von Live-Spielstätten abgeschnitten ist, müssen Theaterregisseur*innen intensiv darüber nachdenken, wie sie ihrem Publikum neue Inhalte bieten können. Archivmaterial früherer Inszenierungen wieder aufzulegen, kann zunächst nur eine Übergangslösung sein – nostalgische Erinnerungsmomente oder eine Chance für diejenigen, die damals nicht dabei waren, einen Blick auf einzigartige dramatische Erfahrungen zu erhaschen. Nick Hytners Entscheidung, Alan Bennetts zwei Monologzyklen fürs Fernsehen neu zu beleben – Talking Heads – ist das meistzitierte Beispiel für das, was sich inzwischen als Trend abzeichnet: Stücke, die für eine einzelne Figur geschrieben sind, unabhängig vom Medium, online zu präsentieren – und dabei die gemeinsame „Einschließung“ von Schauspieler*in und Zuschauer*in direkt anzusprechen.

Michael Longhurst greift auf einen halbstündigen Monolog zurück, den Diana Quick 2010 in Edinburgh erstmals auf der Bühne spielte. Wir sehen eine Reihe kurzer Videos direkt in die Kamera, auf die niemals eine Antwort eingeht. Vor zehn Jahren war die Technik der Videobotschaften noch vergleichsweise ungewohnt; heute steht sie im Zentrum unserer alltäglichen Kommunikation. Was damals neu war, ist heute selbstverständlich – und zugleich umso plötzlicher zentral für unsere aktuelle Lage. Das ist eine kluge Materialwahl: ein genau kalibriertes Fenster in unsere Gegenwart.

Wir beginnen mit einem Blick auf Judys Desktop, während sie eine Nachricht für ihre abwesende Tochter Helen aufnimmt. Wir erfahren, dass Judy eine pensionierte Anwältin mit zwei erwachsenen Kindern ist, die mit ihrem Mann in einem wohlhabenden, aktiven Ruhestand im Norden Londons lebt. Mit jeder der etwa ein Dutzend Nachrichten erfahren wir schrittweise mehr über ihr Leben – und, da Antworten ausbleiben, vor allem über die schwierige Beziehung zu ihrer Tochter, die nach einem Streit mit der Mutter nach Palästina gegangen ist, um dort zu leben und zu arbeiten.

Adam Brace bemüht sich nicht darum, diese Frau besonders sympathisch zu zeichnen. Ihr fehlt Selbsterkenntnis – vor allem darüber, wie manipulativ und kontrollierend sie ist, während sie den Anschein erweckt, es nicht zu sein. Man kann die Weigerung der Tochter, sich darauf einzulassen, gut verstehen. Zudem hat man den Eindruck, dass auch die anderen Menschen, denen sie begegnet – ob ein afghanischer Geflüchteter, den sie zum Abendessen einlädt, oder die „vertriebene“ Präsidentin der Frauenliga für den Frieden, deren Leitung sie kürzlich übernommen hat – einiges auszuhalten haben. Aber genau darin liegt wohl die dramatische Spannung von Monologen: Wir erhalten eine privilegierte Perspektive auf die Sprechenden, die sie selbst niemals auf sich haben können. Ihr exklusives „Besitzrecht“ am Medium wird durch unsere größere Bandbreite über ihr Leben gespiegelt.

Die Konturen dieser selbstbezogenen, einseitigen Person werden jedoch durch die reichen Texturen von Quicks Spiel nachhaltig belebt. Mit geschickt gesetzten Veränderungen bei Make-up, Haaren und Kostüm schafft sie in den eigenen vier Wänden unterschiedliche Situationen und Stimmungen, die einer Inszenierung visuelle Frische geben, die sonst allzu leicht zu statisch geraten könnte. Zudem entfaltet sie ein breites Spektrum an Emotionen – von anfänglicher häuslicher Selbstzufriedenheit bis hin zu echter, düsterer Verzweiflung und aufgestauter Wut, mit der wir uns im druckkesselartigen, klaustrophobischen Gefühl der Gegenwart alle identifizieren können. Ob lallendes Flehen, gequältes Bitten oder der Versuch, gegenüber der abwesenden Tochter süßlich vernünftig zu wirken: Klar vermittelt wird das Bild einer komplexen Frau, die spürt, wie ihr eigenes Leben und ihre Identität ihr entgleiten, und zugleich einer Mutter, die Verbindung aufnehmen möchte, aber nicht die Einsicht besitzt, wie. Kenner*innen von Quicks Arbeit seit Brideshead Revisited werden dieselben Qualitäten wiedererkennen: eine kontrollierte, kühle, schwer fassbare Anmut, durchbrochen von emotionalen Ausschlägen unerwarteter Heftigkeit. Die Vignetten hier lassen einen wünschen, sie hätte einmal Medea gespielt oder einige der großen Rollen bei Albee übernommen.

Innerhalb der Grenzen von Zeit und Bildausschnitt sind die Produktionswerte stark. Quick und Longhurst bemessen die notwendige Verkleinerung von Gestik und Bewegung für diesen winzigsten aller Bildschirme sehr gut; Kamerawinkel und Lichteffekte werden fantasievoll eingesetzt, ohne die Illusion zu brechen, dass hier tatsächlich Judys Laptop-Kamera arbeitet. Wie bei Bennetts Monologen findet sich eine gute Balance zwischen realistischer Erzählung und Zeitsprüngen, die genug Schichten der Vorgeschichte erahnen lässt.

Das könnte leicht ein selbstgefälliges Stück privilegierter Islingtoniana sein – eingerahmt von Dinnerpartys, guten Zwecken, gönnerhafter Wohltätigkeit und selbstzufriedenem Tugendsignalisieren. Doch dank Quicks tiefer Empathie bekommen wir deutlich mehr. Obwohl wir die Tochter nie kennenlernen, bleibt am Ende ein nuanciertes, zeitloses Porträt frustrierter gegenseitiger Missverständnisse – und ein beklemmendes Gefühl dafür, wie sehr die beteiligten Persönlichkeiten wohl schon immer aneinandergeraten sind und es auch bleiben werden. Etwas Vorherbestimmtes, im Zyklischen der Themen angedeutet und vorausgeworfen, hebt diese Darstellung auf eine wirklich tragische Tonlage.