REZENSION: Gypsy, Savoy Theatre ✭✭✭✭✭✭

Lara Pulver und Imelda Staunton in Gypsy. Foto: Johan Persson

Savoy Theatre

15. April 2015

6 Sterne

Das Besondere an Gypsy ist, dass jede*r eine Meinung dazu hat, wie und warum das Stück funktioniert – und was unverzichtbar ist, damit eine Inszenierung wirklich gelingt.

Es gibt diejenigen, die finden, die Show sei – so wie sie geschrieben ist – in Musik und Buch perfekt und werde ganz gleich, wer Regie führt oder wer besetzt ist, immer funktionieren. Es gibt diejenigen, die glauben, sie könne nur gelingen, wenn die Darstellerin der Rose eine schmetternde, großmäulige Power-Stimme im Stil von Ethel Merman hat – schließlich wurde die Partitur für sie geschrieben. Es gibt diejenigen, die meinen, Rose könne nur von einer echten Schauspielerin gespielt werden, und dass das Singen für die Glaubwürdigkeit des Zusammenbruchs in Rose’s Turn weniger wichtig sei. Es gibt diejenigen, die Rose für weniger wichtig halten als Gypsy Rose Lee. Es gibt diejenigen, die für Tulsas wunderbare Tanznummer All I Need Is The Girl leben. Und es gibt diejenigen, die Gypsy für altmodischen Kram halten, der für ein heutiges Publikum weder Relevanz noch Reiz hat.

Welche Denkschule zu Gypsy auch immer Ihren eigenen Geschmack am stärksten trifft: Die Wiederaufnahme, die gestern Abend im Savoy Theatre eröffnet hat – eine Übernahme der erfolgreichen Produktion des Chichester Festival Theatre vom letzten Jahr – wird Ihre Sicht auf Gypsy vermutlich für immer verändern. Denn so beeindruckend jene Produktion auch war (Lesen Sie die Chichester-Kritik) – diese Version ist ihr in ausnahmslos jeder Hinsicht überlegen.

Sehr wahrscheinlich ist das die definitive Gypsy-Inszenierung für eine ganze Generation.

Das Savoy Theatre ist die perfekte Heimat für diese Gypsy. Die Häuser, in denen Rose ihre Truppe auftreten lassen möchte, könnten genauso ausgesehen haben wie das Savoy – und als Inbegriff herrlich großer Theaterpracht hat es enorm viel zu bieten. Rose allein auf der riesigen, abgedunkelten Bühne zu sehen, ist wirklich überwältigend.

Nach zwei Wochen mit perfekt einstudierten, perfekt besetzten, rundum wunderbaren Musicalaufführungen – alten wie neuen – am Broadway, mit unfassbar talentierten Ensembles, gestehe ich, dass ich ernsthaft befürchtete, diese Company würde diesem Standard nicht gerecht werden können. Aber sie tut es – makellos.

Und übertrifft sie alle.

Jede*r in diesem Ensemble ist großartig in der jeweiligen Rolle; alle können wirklich singen, wirklich tanzen und liefern zugleich in dramatischer wie komischer Hinsicht auf höchstem Niveau. Das ist dieses seltene Wesen: ein exquisit besetztes Musical, bei dem die Anforderungen der Rollen im Casting mehr zählen als potenzieller Kassenwert oder Twitter-Popularität.

Das Kreativteam ist in Bestform und arbeitet als Einheit daran, diesem großartigen Musical Leben einzuhauchen: mit einer herrlich eingängigen Partitur von Jule Styne, einem Buch von Arthur Laurents und Liedtexten von Stephen Sondheim. Jeder Aspekt der Produktion – Bühne, Kostüme, Licht, Ton – wirkt auf der Savoy-Bühne frisch und lebendig und zeigt, wie natürlich dieses Haus für klug inszenierte, perfekt besetzte Musicals ist. Jonathan Kent hat hier ein echtes Meisterwerk geschaffen.

Auf eine Guckkastenbühne konzentriert – statt auf die riesige Weite des Chichester Festival Theatre – und mit einem eigenen, künstlichen Proszeniumbogen, der das Theater-im-Theater-Gefühl des Musicals verstärkt, gewinnt die Inszenierung eine echte Intimität. Bühne und Kostüme funktionieren wunderbar und geben je nach Szene Glanz und Glamour hinzu oder nehmen ihn weg. Die Verwandlungen gelingen nahtlos, das Licht ist tadellos – Schatten haben Gewicht und spiegeln die verschiedenen Ebenen, auf denen die Handlung spielt. Die Szene, in der Louise zu Gypsy Rose Lee wird, während Gratulant*innen in den Kulissen gedrängt stehen, ist atemberaubend: Alle Designelemente greifen ineinander und erzeugen einen bannenden, ungemein schönen Übergang.

Es gibt so viele berauschende Details: Billy Hartmans spleeniger, ätzender Uncle Jocko; die alpinen Triller von Isla Huggins-Barrs szenenstehlender Baby June; der trockene Horror von Holly Hazeltons Baby Louise, die entsetzt ist über den grauen Bart, den sie als Onkel Sam tragen muss; das großartige Kuhkostüm; Imelda Stauntons mühelose Mrs-Worthington-Nummer, während ihre Töchter auftreten – sie rettet mitten in der Chorus Line einen heruntergefallenen Hut oder kündigt einen Zug an; Julie Legrands todblasse, schmallippige und mit Pin Curls frisierten Miss Cratchitt, eine echte Gegenspielerin für Rose; der wirklich traurige Abschied von den Jungs durch Peter Davisons liebenswerten Herbie; Louise Golds spektakulärer Auftritt als Mazeppa; der Moment echter Wärme zwischen Anita Louise Combes punktgenauer Tessie und Natalie Woods’ tränenreicher Agnes; Legrands herrlich verpeilte, dipsomane Electra. Augenblicke der Ekstase in einem Meer der Perfektion.

Peter Davison glänzt als Herbie und ist eine ausgesprochen willkommene Ergänzung der Besetzung. Sein freundlicher, melancholischer Verkäufer/Agent mit großem Herzen ist wunderschön anzusehen. Er und Lara Pulver zaubern aus der unausgesprochenen Beziehung zwischen Herbie und Louise Wunder; es ist reine Magie, dieser Entwicklung zuzuschauen – von Missverständnis und Unbehagen bis zu dem Punkt, an dem er sie seine Tochter nennen kann und sie vor Freude errötet.

Davison ist komisch und strahlt Aufrichtigkeit aus. Er ist das perfekte Gegenstück zu Stauntons Rose – in der Werbephase, der Phase harter Arbeit, der glücklichen Phase und schließlich der verheerenden Trennung. Er ist der einzige Herbie, den ich je gesehen habe, der glaubhaft macht, dass Roses Entscheidung, Louise sich ausziehen zu lassen, ihn regelrecht krank gemacht hat. Ebenso sicher bewegt er sich dort, wo es zählt, beim Singen und Tanzen – Together Wherever We Go ist pures Vergnügen.

Als die drei alten Hasen mit den großartigen Pointen in Gimmicks sind das Stripperinnen-Trio Anita Louise Combe, Louise Gold und Julie Legrand phänomenal. Sie überzeugen vollkommen als widerwillige Freundinnen, alle verdammt zum selben schmuddeligen Burlesque-Leben – und doch voller Freude daran, Wege zu finden, einander glücklich zu machen und zugleich zu piesacken. Es ist eine großartige Teamleistung dreier kluger Schauspielerinnen, die so gut schmettern, shimmyen und grindern können wie die Besten. Sie konkurrieren nicht, sondern arbeiten in Gotta Have A Gimmick nahtlos zusammen – eine ausgelassene, derbe Schau von Brüsten und Hintern, die völlig zu Recht das Haus zum Toben bringt.

Combe ist besonders stark in der Schlüsselszene mit Lara Pulvers Louise, wenn sie die Saat dafür legt, wozu Louise fähig sein könnte – eine Szene, die genau sitzen muss, damit die Dynamik der Geschichte wirklich aufgeht. Ihre künstlichen Affektiertheiten ballettischer Grandezza sind erstaunlich überzeugend, und das Licht, das in Pulvers Augen aufflackert, wenn Combe beiläufig anbietet, ihr Leben zu verändern, ist elektrisierend. Gold ist als Mazeppa eine unaufhaltsame Naturgewalt purer sexueller Ausstrahlung (der Mann neben mir schien beim „Bump and Grind“ fast zu sterben), und Legrands vernebelte, urkomische und herrlich nackte Electra ist der unwiderstehliche dritte Gipfel in einem spektakulären Talente-Dreieck.

Dan Burton ist als Tulsa absolut perfekt. Der Inbegriff des männlichen Matinee-Idols, ein hervorragender Tänzer und Sänger – sein All I Need Is The Girl war berauschend, eine Studie in konsequentem Geschichtenerzählen durch Song und Tanz. Der Moment, in dem er Louise ermutigt, sich ihm anzuschließen, war zugleich aufregend und herzzerreißend. Auch Gemma Suttons June war genau richtig – eindeutig die ältere Version von Baby June und zugleich, unheimlich, eine jüngere Version von Rose. Ihre Szenen mit Pulver waren außergewöhnlich, und If Momma Was Married war ein echtes Zusammentreffen schwesterlicher Seelen.

Pulver wiederum sorgt dafür, dass ihre Louise die ältere Version von Baby Louise ist, und die burschikosen Anfangsszenen bilden einen wunderbaren Kontrast zu der eleganten, femininen Sirene, zu der Gypsy Rose Lee wird. Pulver ist umwerfend und zeichnet die Entwicklung der Figur vom Nachtfalter zum perfekten Schmetterling mit vollendeter Leichtigkeit nach. Ihre Interpretation von Little Lamb war berührend und notwendig und legt den Grundstein für die Güte, die sie Rose später bewusst entgegenbringen wird. Ihre wortlose Demütigung, als Tulsa June heiratet, war erschütternd klar vermittelt.

Der Übergang von der schüchternen Mauerblume zur Grande Dame des Striptease gelingt auf prachtvolle Weise; Pulver gestaltet jeden Schritt sorgfältig und plausibel. Man sieht ganz klar den Moment, in dem sie Louise hinter sich lässt und zu Gypsy wird – und dann ihre geschmeidige Souveränität bei Kostümwechseln und der fein dosierten, mondänen Anmache des Publikums. Ihre letzten Szenen, wenn Luxus und Vogue ganz ihr gehören, ergeben vollkommen Sinn – so geschickt hat Pulver diese Reise geführt.

Die zentrale Beziehung zwischen Staunton und Pulver ist makellos; jedes Hoch, jedes Tief, jeder Fehler, jedes Fehlurteil, jede Wahrheit – alles ist durch das feinfühlige, sichere Spiel beider Schauspielerinnen präzise markiert. Wenn sie sich nach Rose’s Turn fest umarmen, ist es unmöglich, keine Träne zu vergießen. Mit Davison im Dreieck entsteht ein Cocktail zitternder, wahrhaftiger Beziehungen – geschüttelt, nicht gerührt.

Staunton ist als Rose schlichtweg großartig. In jeder Hinsicht.

Der Schlüssel zu Stauntons Leistung ist ihre erschreckende Authentizität. Sie sät Roses angetriebene, obsessive Persönlichkeit vom ersten Auftritt an: Sie begegnet Uncle Jocko mit derselben Härte und undurchdringlichen Entschlossenheit, mit der sie Junes Verrat und Louises letztendliche Berufsentscheidung konfrontiert. Zugleich setzt sie durchgehend schamlos weibliche Reize ein – ebenso wie Beschwörungen „der Heiligen Schrift“, das Vertrauen in Träume und eine sparsame Lebensführung, bei der sie ihre Mädchen stets an erste Stelle setzt. Das hohle, grauenerregende Bild von Rose, die Hundefutter direkt aus der Dose isst, nimmt ihren Zerfall in Rose’s Turn präzise vorweg.

Indem sie die Musik als weiteren Bestandteil ihres dramatischen Arsenals nutzt, meistert Staunton die Partitur fehlerlos. Sie ist – völlig zu Recht – nicht daran interessiert, Styne stimmlich zu übertrumpfen. Stattdessen nimmt sie ihren Antrieb aus Sondheims Lyrics, setzt die großen Töne als Akzente und Satzzeichen und nutzt jede Gelegenheit, den Melodien Leben einzuhauchen. Some People ist getrieben, ambitioniert; Small World kokett und sinnlich; Have An Eggroll erst schockiert, dann verzweifelt; You'll Never Get Away From Me verführerisch und leicht; Everything's Coming Up Roses wild, kalkulierend, aus Hysterie geboren; Together Wherever We Go freudig, hoffnungsvoll.

Und dann schließlich Rose’s Turn: eine Tour de Force, die die Summe all dessen ist, was zuvor war – und die zum ersten Mal die unbezwingbare Oberfläche wegreißt und den verlorenen, enttäuschten, einsamen Geist darunter freilegt. Staunton ist stimmlich phänomenal und findet frische, einzigartige Wege, Roses Geschichte durch Song zu erzählen. Sie glauben vielleicht, Sie kennen diese Songs – aber ganz gleich, wie gut Sie sie kennen: Staunton überrascht mit ihrer eigenen Perspektive. Sie haben diese Lieder buchstäblich noch nie so gehört, wie Staunton sie darbietet.

Mit ihrer kraftvollen und emotional auszehrenden Interpretation von Rose’s Turn brachte sie das Haus kreischend auf die Beine – und nutzte dann den Applaus als Teil der Textur ihrer Darstellung, indem sie einen Blick auf die Gedanken andeutete, die Rose sich ausmalte. Plötzlich war das jubelnde Publikum Teil dessen, was bejubelt wurde. Ein außerordentlich intensiver Moment theatralischer Glut.

Stauntons Schauspiel ist makellos, unerreicht, einzigartig. Ob es die Wut über Verrat ist, die Hoffnung auf einen neuen Traum, das zerschmetternde Schweigen nach Junes heimlicher Hochzeit, das Einwickeln eines Mannes, um ihren Willen zu bekommen, die Hand um Louises Hals, um zu zeigen, wie fest sie zuzudrücken bereit ist, damit Ziele erreicht werden, oder das stechende Brennen schlichten Schmerzes – Staunton vermittelt jedes Gefühl, jeden Gedanken mit einer Schärfe, die zugleich präzise und vollkommen glaubhaft ist.

Es ist schwer zu glauben, dass es jemals eine bessere Rose gegeben hat als die, die Staunton hier erschafft.

Stephen Mears’ Choreografie ist magisch und fesselnd. Mal schlicht, mal verschmitzt – der Tanz ist durchgehend wirklich überraschend und stets vollkommen passend. Er ist so gut, dass man die meiste Zeit kaum bemerkt, dass überhaupt getanzt wird. Eine nahtlose Verbindung von Bewegung und Text. Nicholas Skilbecks musikalische Leitung ist ebenso hervorragend – das Orchester ist kühn, schmetternd und üppig, und der Gesang durchweg sauber, im Tempo und voller aufblühender, strahlender, perfekt phrasierter Linien.

Dame Angela Lansbury saß heute Abend im Publikum. Die erste Rose auf einer West-End-Bühne sieht ihre Nachfolgerin. In jeder Hinsicht war das eine denkwürdige Nacht fürs West End.

Wenn Sie sich auch nur im Entferntesten für Musicaltheater interessieren, ist diese Gypsy das Ereignis des Jahrzehnts.

Schauen Sie es sich an.

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