REZENSION: Groan Ups, Vaudeville Theatre London ✭✭

Julian Eaves rezensiert Mischief Theatres erste Produktion Groan Ups, mit der das Ensemble seine Residency im Vaudeville Theatre in London beginnt.

Jonathan Sayer (Simon), Henry Shields (Archie), Charlie Russell (Katie), Henry Lewis (Spencer) und Nancy Zamit (Moon). Foto: Robert Day Groan Ups Vaudeville Theatre

10. Oktober 2019

2 Sterne

Tickets buchen Wenn von Mischief Theatre eine neue Show angekündigt wird – den Leuten, die uns „The Play That Goes Wrong“ usw. beschert haben –, sind die Erwartungen hoch.  Dennoch sollte man sich bewusst machen, dass diese Durchbruchskomödie in ihren Anfängen eine eher ruppige, improvisiert wirkende Angelegenheit war, die die Lacher noch nicht zuverlässig traf.  Erst durch viel Ausprobieren und Verwerfen, vor vielen kleinen und abgelegenen Publika, wurde sie zu dem monumentalen Erfolg geschliffen, der sie später wurde.

Henry Lewis (Spencer), Henry Shields (Archie) und Charlie Russell (Katie). Foto: Robert Day

Derselbe Entwicklungsprozess wurde diesem neuesten Stück, würde ich sagen, vermutlich nicht in gleichem Mass gegönnt.  Stattdessen wirkt diese Unterhaltung, als sei sie lange bevor sie annähernd „bereit“ ist, hastig ins West End geschoben worden, wo sie sich in einem grossen kommerziellen Haus zuhause fühlen soll.  Schade.  Die Autoren Henry Lewis, Jonathan Sayer und Henry Shields haben eine interessante Anlage – drei Szenen aus dem Leben derselben fünf Personen, als Momentaufnahmen im Alter von 6, 13 und Anfang zwanzig – mit einigen hübschen gestalterischen Einfällen von Fly Davis (Bühne) und Roberto Surace (Kostüme), die Regisseurin Kirsty Patrick Ward recht geschmeidig zusammenfügt.  Und es gibt Momente – helle, kurze Aufblitzer – inspirierten Humors.  Insgesamt leidet das Ganze jedoch unter dem brüchigen Eindruck eines Werks, an dem viele Hände mitgewirkt haben und dessen endgültige Richtung noch nicht gefunden ist: Umschreibungen, so hört man, laufen ständig, und das dürfte sich während der West-End-Spielzeit fortsetzen – was durchaus eine sehr gute Sache sein und der Show enorm helfen könnte.

Henry Lewis (Spencer), Henry Shields (Archie). Foto: Robert Day

Das Ensemble arbeitet stellenweise sehr lebendig.  Neben der Präsenz der drei Autoren sind Bryony Corrigan, Dave Hearn, Charlie Russell und Nancy Zamit dabei, um die Figuren zum Leben zu erwecken – und auch sie haben zum bislang noch nicht abgeschlossenen Schreibprozess beigetragen.  Vielleicht, befeuert durch die zahlenden Zuschauerinnen und Zuschauer im Saal, finden sie die Inspiration, das Stück in eine irgendwie sinnvolle Form zu bringen.  Im Moment besteht es aus einer Reihe eher lose zusammenhängender Nummern, die auf uns wie ein massiv überdehntes Sketch-Format wirken.  Die ohrenbetäubende Zwischenmus ik (Sound: Alexandra Faye-Braithwaite) ist nur ein weiteres Symptom einer Produktion, die spürt, dass sie in Schwierigkeiten steckt, und versucht, von ihren Problemen abzulenken.

Jonathan Sayer (Simon), Nancy Zamit (Moon) und Henry Shields (Archie). Foto: Robert Day

Das Hauptproblem ist, dass den gewählten Figuren die Genauigkeit und jeder Eindruck von Originalität fehlen.  Dadurch erreichen ihre Äusserungen und Handlungen selten, wenn überhaupt, ein Gefühl von Frische oder Eigenständigkeit.  Man lacht ein bisschen, ist hier und da amüsiert, merkt aber zugleich, dass man all das schon einmal gehört und gesehen hat – irgendwo, nur wahrscheinlich ein wenig besser gemacht.  Vor allem der erste Akt kommt selten über das völlig Oberflächliche und Überflüssige hinaus; der zweite Akt verbessert sich etwas, mit flotterer Individualität im Spiel, wenn auch nicht im Text.  Ein wirklicher Sinn des Ganzen scheint jedoch erst zögerlich im dritten Akt, nach der Pause, aufzutauchen, wenn die Kids „erwachsen“ sind (ich habe bislang nicht begriffen, wozu das Wortspiel im Titel nötig ist – es sei denn, man versucht absichtlich eine müde, klischeehafte Geschichte zu schreiben?).  Hier hat das Wiedersehen der einst Jungen, die ihre gemeinsame Vergangenheit durchforsten, eindeutig etwas Ayckbournsches.  Allerdings ist es nicht unbedingt das ultimative Ziel eines neuen Stücks, das Publikum an einen anderen Autor zu erinnern – und daran, wie gut er so etwas kann, oder?

Also zeigt uns das Team mutig, was es bislang erarbeitet hat...  Es bleibt abzuwarten, ob das Publikum bereit ist, die vollen West-End-Preise für etwas zu zahlen, das im Kern eine aufwändige Work-in-Progress-Arbeit ist.