KRITIK: Der Tod Englands, National Theatre ✭✭✭✭✭

Paul T Davies rezensiert Death Of England, ein neues Stück von Roy Williams und Clint Dyer mit Rafe Spall am National Theatre.

Rafe Spall in Death Of England. Foto: Helen Murray Death of England.

National Theatre

6. Februar 2020

5 Sterne

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Das St.-Georgs-Kreuz ist – wie alle Flaggen – ein aufgeladenes Bild, zusammengenäht aus komplizierten Gefühlen von Patriotismus, Geschichte, Nationalismus und bisweilen auch Scham. Das hervorragende Bühnenbild von Sadeysa Greenaway-Bailey und ULTZ hat die Form des St.-Georgs-Kreuzes und schafft einen energiegeladenen, frei fließenden Steg, auf dem Michael seine Geschichte erzählt. Er nutzt jede Ecke der Dorfman-Bühne; bedeutungsvolle Requisiten, voll von totemhafter Symbolik, werden in Schlüsselmomenten enthüllt. Der Tod seines Vaters hat Michael erschüttert – aber wie versöhnt man sich mit der Tatsache, dass dein Dad ein Rassist war, dass dich keiner der Eltern wirklich ins Erwachsenenleben begleitet hat, und dass sie dir unmissverständlich zu verstehen geben, sie hielten dich für einen Versager?

Dieses atemberaubende neue Stück von Roy Williams und Clint Dyer (der zudem mit straßenschlauer Leidenschaft Regie führt) erkundet die komplizierte Beziehung zwischen Vätern und Söhnen, Männern und Land sowie Männern und Männlichkeit. Michael ist der typische weiße Cockney-„Geezer“, großgezogen mit Grundwerten, die ihn am Ende lähmen – vor allem der, dass echte Männer nicht weinen. Wir begegnen ihm zunächst in einer raschen Abfolge: Boulevard-Schlagzeilen, Koks ziehen, herumalbern, trinken – und im Verborgenen weinen, kurz vor der Beerdigung seines Vaters. Doch nach und nach lernen wir den Menschen darunter kennen, während auch er eine Seite seines Vaters entdeckt, die der Familie verborgen blieb. Er verteilt Kekse und Bananen, neckt das Publikum und stellt sich der rassistischen Haltung seines Dads.

Rafe Spall. Foto: Helen Murray

Das ist eine Wucht von einer Leistung von Rafe Spall: durchweg fesselnd und hypnotisch. Er spielt einen gebrochenen Mann, der verzweifelt versucht, die Teile wieder zusammenzukleben – stets auf der Suche nach der Anerkennung seines Vaters, die er nie bekommt, und dennoch beharrt er auf einem idealisierten Vaterbild. Er versucht dessen Rassismus zu rechtfertigen, indem er darauf verweist, sein Dad habe immer gesagt, dafür gebe es „eine Zeit und einen Ort“. Doch das EU-Referendum verleiht diesem Rassismus eine lautere Stimme, und Spall ist großartig darin, sämtliche Figuren aus Michaels Umfeld zu verkörpern. Seine Freundschaft mit Del Roy, einem schwarzen Jungen, den er seit der Schule kennt, gibt ihm den Anstoß, die Heuchelei seines Vaters zu durchleuchten – und das Stück nutzt die Vater-Sohn-Beziehung, um zugleich unsere Beziehung zu unserem Land zu zeigen.

Während Michael uns durch eine turbulente Reise bis zum Tod seines Vaters führt – parallel dazu sehen wir England im WM-Halbfinale verlieren –, entfaltet sich ein ganzes Land. Und als wäre das nicht unterhaltsam genug, folgt Michaels betrunkene Rede bei der Beerdigung: ein theatraler Höhepunkt des Jahres! Dann tritt ein überraschender Freund seines Vaters an ihn heran, und Michael entdeckt, dass auch sein Vater eine Zeit und einen Ort hatte, an dem er sein „wahres“ Selbst sein konnte. Die Autoren drohen kurz, das Ganze in ein allzu kompaktes, wohliges Ende zu lenken – um das dann klug auseinanderzureißen und den Rassismus wieder ins Zentrum des Stücks zu rücken.

Mit einer hervorragenden Klanglandschaft von Pete Malkin und Benjamin Grant sowie einem Lichtdesign, das mit Michael selbstbewusst mitmarschiert, ist das dringliches Erzählen über 100 packende Minuten: viszeral, roh, emotional, komisch, komplex, kaputt und wunderschön – ganz wie England selbst.