CRÍTICA: On Your Feet, London Coliseum ✭✭✭

Julian Eaves faz a crítica de On Your Feet, a história de Gloria e Emilio Estefan, agora em cena no London Coliseum, como parte de uma digressão pelo Reino Unido.

On Your Feet

London Coliseum

26 de junho de 2019

3 estrelas

Calendário da digressão pelo Reino Unido

Era suposto ser um espetáculo divertido, recheado com a maravilhosa música de Gloria Estefan – a estrela latina-pop dos anos 80 com uma voz que lembra uma Madonna afinada misturada com Karen Carpenter, e dotada de uma capacidade impressionante para compor canções de sucesso.  Apresenta-se como “um novo musical”, mas o formato, na verdade, não é muito mais do que uma entrevista encenada ao estilo de um talk-show, na linha do “e depois eu escrevi…”.  O libreto de Alexander Dinelaris pede-nos que nos interessemos por como Gloria se tornou a vocalista (e esposa) da banda de Emilio Estefan, Miami Sound Machine, e como a sua tenacidade, autoconfiança e paixão combinadas lhes permitiram “passar” do mercado latino-pop para o consumo global dominante.  Mas, para ser perfeitamente honesto, mesmo que o encenador Jerry Mitchell e o coreógrafo de herança latina Sergio Trujillo atirem para aqui tudo o que têm, o espetáculo raramente passa de uma aula: apesar — ou talvez por causa — do envolvimento próximo, em todas as fases, das mentes orientadoras dos Estefan, as personalidades dominantes no centro desta viagem incrível mantêm-se evasivas, por mais que até os fãs mais ferrenhos queiram importar-se.  No fim, o espetáculo parece distante e pouco envolvente.

Porquê?  O espetáculo teve um percurso bastante respeitável na Broadway, mas o sucesso de um lado do Atlântico não sobrevive necessariamente à travessia.  No entanto, acho que a explicação para a falta de magia do espetáculo é mais simples.   Mesmo com as fragilidades do texto tal como estão, se este musical fosse apresentado num teatro com uma fração do tamanho do Coli, talvez tivesse mais hipóteses de criar ligação com o público.  Afinal, a música é magnífica (direção musical de Clay Ostwald, a liderar uma banda em palco de 10 elementos, incluindo alguns membros originais do grupo de Estefan), a coreografia é vibrante, e a encenação de Mitchell é cristalina e um modelo de fluidez.  Pense-se, por exemplo, em Sunny Afternoon, outro espetáculo com um “enredo” finíssimo e apenas uma sequência de êxitos a segurá-lo: se tivesse sido produzido no vazio cavernoso do Coliseum, com mais de 2200 lugares, teria morrido.  Assim mesmo.  Mas, apresentado no Hampstead Theatre e depois no Harold Pinter (com cerca de 800 lugares), esteve dois anos no West End e desde então tem feito digressões com sucesso, capitalizando uma ligação forte e vívida com o público.

E esse é precisamente o tipo de futuro que se pode imaginar facilmente para este espetáculo.  Com algumas reescritas judiciosas — para sublinhar, talvez, o elemento da luta —, eliminando algumas das digressões biográficas menos pertinentes e reduzindo o coro e a banda ao essencial, isto ainda podia tornar-se um entretenimento realmente bem-sucedido por cá.  Foi um erro de cálculo colocá-lo no Coli.  Embora esse erro possa muito bem encurtar a temporada prevista (na noite de imprensa, toda a varanda — 500 lugares — estava fechada, e o Upper Circle estava decididamente folgado, com muitos lugares vazios à escolha, e isto com algum “papering” a acontecer — um espetáculo grande, caro e comercialmente gerido nesta sala não vai sobreviver com números destes), isso não tem de significar o fim total do espetáculo.

Espero sinceramente que não.  No papel principal feminino, há uma interpretação de grande magnetismo pessoal e ternura, energia e sensibilidade, da entusiasmante atriz Christie Prades: ela é, em tudo, a jovem Gloria, a cantar e a dançar com energia explosiva nos números mais acelerados; mas é nas deliciosas baladas, algumas das melhores do cânone pop — “Anything For You”, “When Someone Comes Into Your Life” — que o talento extraordinário desta compositora de topo realmente brilha.  O texto transforma outro grande solo do catálogo de Estefan, “Here We Are”, num dueto, o que funciona menos bem.  O seu parceiro, George Ioannides, tem um ar mediterrânico, escuro e galante, mas é um jovem ator com relativamente pouca experiência em palco e parece algo rígido e desconfortável: há pouca sensação de um grande romance entre ambos e poucos indícios do seu considerável faro para os negócios — ainda não parece ter adquirido a capacidade de projetar a caracterização para o espaço imenso de uma sala como esta.

Muito mais segura é a bela prestação de Madalena Alberta como a mãe de Gloria, Señora Fajardo: na verdade, a força da sua presença em palco lembra-nos de forma poderosa aquele outro musical com uma relação mãe-filha tensa e complicada no centro, Gypsy.  Mas, no caso dela, o papel, embora mais breve, é escrito de forma muito mais ampla e livre, permitindo à atriz criar não só luz como também bastante sombra na sua persona.  Ainda melhor é a pérola de personagem da avó, Consuelo, em que Karen Mann rouba todas as cenas em que aparece e — crucialmente — anima o conjunto com o humor tão necessário.  Quando ela não está em palco, o texto tende a tornar-se bastante solene e até sisudo.

Dos outros intérpretes em destaque, Elia Lo Tauro, como o pai de Gloria, Jose, tem a tarefa quase impossível de construir uma prestação coerente a partir de um punhado de cenas totalmente desconexas e com pouca identificação, missão tornada ainda mais desafiante quando a sua personagem perde a fala.  Ainda assim, mesmo no fim, acaba por cantar uma das melhores canções do espetáculo e mostra ter uma voz à altura do propósito e do espaço, embora também ele esbarre com o problema difícil de como “cantar” pop num teatro grande.  Não é, de todo, uma tarefa fácil.  A música pop não foi desenhada para ser cantada nestas condições, e isso coloca ao intérprete uma miríade de dificuldades que a amplificação eletrónica só resolve parcialmente.   Carl Patrick sai-se bem tecnicamente nos seus dois papéis pouco desenvolvidos, Phil e Dr Neuwirth.  O resto do espetáculo é preenchido com um ensemble atarefado de 18 elementos, que fazem de tudo, desde lavadeiras cubanas a soldados americanos no Vietname.  Embora tudo o que fazem — cantam ou dançam — seja executado de forma admirável, com toda a sua atividade frenética ou pose estudada, infelizmente nada nos aproxima do coração do que este espetáculo realmente pretende dizer.  E há duas crianças — uma rapariga e um rapaz — escolhidas de equipas de três para aparecerem aqui e ali, dando ao conjunto uma certa graça intermitente.

Sim, está montado com requinte, com projeções habilmente entrelaçadas (de Darrel Maloney) no cenário funcional e flexível de David Rockwell (com a grande orquestra de dança a ser deslocada para trás e para a frente a partir do fundo do palco por um potente camião), e é tudo iluminado com uma azáfama importante e um julgamento afiado por Kenneth Posner, que se esforça tanto para colmatar esse fosso escancarado entre o palco e o público.  E, diga-se, o desenho de som estrondoso da SCK Sound Design e de Andrew Keister também tenta fazê-lo.  Mas tudo isto é em vão.  Quanto mais este espetáculo se esforça por nos alcançar, menos nos convence de que tem realmente algo de substancial a dizer.  Talvez, se aliviasse um pouco o pé no acelerador e deixasse a música falar mais por si, gostássemos muito mais.  Assim como está, acho que tem uma batalha pela frente para encontrar o seu público.