리뷰: 온 유어 피트, 런던 콜로세움 ✭✭✭

줄리언 이브스가 런던 콜리세움에서 영국 투어의 일환으로 공연 중인, 글로리아와 에밀리오 에스테판의 이야기를 그린 <온 유어 피트>를 리뷰한다.

<온 유어 피트>

런던 콜리세움

2019년 6월 26일

별 3개

영국 투어 일정

이 작품은 분명 즐거워야 한다. 글로리아 에스테판의 멋진 음악으로 꽉 차 있기 때문이다. 80년대 라틴 팝 스타인 그녀의 목소리는, 정확한 음정의 마돈나에 카렌 카펜터를 섞어 놓은 듯하면서도, 히트곡을 써내는 엄청난 재능까지 갖췄다.  스스로를 ‘새로운 뮤지컬’이라 내세우지만, 형식은 실상 ‘그리고 나서 내가 썼지…’ 같은 흐름의 무대 위 토크쇼 인터뷰에 가깝다.  알렉산더 디넬라리스의 대본은 글로리아가 어떻게 에밀리오 에스테판의 밴드 마이애미 사운드 머신의 프런트(그리고 아내)가 되었는지, 그리고 두 사람의 끈기와 자기 확신, 열정이 어떻게 라틴 팝 시장을 넘어 전 세계 대중음악의 주류로 ‘크로스오버’하게 했는지에 관심을 가져 달라고 한다.  하지만 솔직히 말해, 연출 제리 미첼과 라틴계 안무가 세르히오 트루히요가 가진 것을 모두 쏟아붓는다 해도, 이 공연은 좀처럼 강연 이상의 무엇이 되지 못한다. 에스테판 부부가 제작 전 과정에 긴밀히 관여했음에도(혹은 그 때문에), 이 놀라운 여정의 중심에 있는 지배적인 인물들의 실체는 끝내 잡히지 않는다. 열성 팬들이 아무리 그들을 아끼고 싶어 해도 말이다.  결국 이들의 쇼는 어딘가 멀게 느껴지고, 관객을 끌어들이지 못한다.

왜 그럴까?  이 스펙터클은 브로드웨이에서는 제법 성공적으로 돌아갔지만, 대서양 건너편에서의 성공이 반드시 그대로 이어지는 것은 아니다.  하지만 나는 이 작품에서 ‘마법’이 부족한 이유가 더 단순하다고 본다.   이 대본의 약점들을 감안하더라도, 만약 이 공연이 콜리의 아주 일부 규모에 불과한 극장에서 올려졌다면 관객과 연결될 가능성이 훨씬 컸을 것이다.  음악은 훌륭하다(음악감독 클레이 오스트월드가 무대 위 10인 밴드를 이끄는데, 여기엔 에스테판 그룹의 오리지널 멤버들도 포함된다). 안무는 경쾌하게 튀고, 미첼의 연출은 종소리처럼 또렷하며 유려함의 모범이다.  예컨대 ‘서니 애프터눈’ 같은 작품을 떠올려 보라. 줄거리라 할 만한 것은 아주 얇고 히트곡의 연속으로 버티는 쇼였지만, 만약 2200석이 넘는 콜리세움의 거대한 빈 공간에서 제작됐다면 끝장이었을 것이다.  그대로 말이다.  하지만 햄프스테드 극장, 그리고 약 800석의 해럴드 핀터 극장에서 선보였을 때는 웨스트엔드에서 2년 동안 공연했고, 이후 투어도 성공적으로 이어 갔다. 관객과 강렬하고 생생한 유대감을 만들어 냈기 때문이다.

바로 그런 미래를 이 작품에도 충분히 그려볼 수 있다.  투쟁의 요소를 더 강조하는 방향으로 신중히 재집필하고, 덜 핵심적인 전기적 에피소드를 정리하며, 코러스와 밴드를 최소한으로 줄인다면, 영국에서도 꽤 성공적인 오락물이 될 수 있다.  콜리에 올린 것은 오판이었다.  그 실수는 예상했던 공연 기간을 단축시킬지도 모른다(프레스 나이트에는 발코니 전체 500석이 폐쇄됐고, 어퍼 서클도 빈자리가 많아 한산했다. 어느 정도 ‘페이퍼링’—초대권 살포—이 있었는데도 말이다. 이렇게 큰 비용이 드는 상업 공연이 이 극장에서 이런 수치로는 버티기 어렵다). 그렇다고 해서 작품의 완전한 종말을 의미할 필요는 없다.

나는 정말 그렇지 않기를 바란다.  여성 주인공으로는 매력과 따뜻함, 에너지와 섬세함이 두드러지는 크리스티 프레이디스의 흥미로운 연기가 있다. 그녀는 빠른 템포의 넘버들을 폭발적인 에너지로 노래하고 춤추며 젊은 글로리아 그 자체처럼 보인다. 하지만 진짜로 이 뛰어난 작곡가의 비범한 재능이 빛나는 곳은, 팝 레퍼토리 중에서도 특히 훌륭한 발라드들—‘Anything For You’, ‘When Someone Comes Into Your Life’—이다.  대본은 또 하나의 대표 솔로곡 ‘Here We Are’를 듀엣으로 바꾸는데, 이는 덜 성공적이다.  프레이디스의 상대역 조지 이오아니데스는 짙은 지중해풍의 준수한 외모를 지녔지만, 무대 경험이 비교적 적은 젊은 배우라 다소 뻣뻣하고 불편해 보인다. 둘 사이의 위대한 로맨스는 잘 느껴지지 않고, 그의 상당한 사업 수완도 충분히 드러나지 않는다. 이처럼 거대한 객석 공간에 인물을 ‘투사’해 내는 능력을 아직 완전히 갖추지 못한 듯하다.

훨씬 안정적인 것은 글로리아의 엄마 세뇨라 파하르도로 등장하는 마달레나 알베르타의 아름다운 연기다. 사실 무대에서의 강렬한 존재감은, 긴장되고 복잡한 모녀 관계를 중심에 둔 또 다른 뮤지컬 ‘집시’를 강하게 떠올리게 한다.  다만 그녀의 역할은 더 짧지만, 훨씬 넓고 자유롭게 쓰여 있어 배우가 인물 안에 빛뿐 아니라 충분한 그늘도 만들어 낼 수 있다.  더 좋은 것은 할머니 콘수엘로라는 ‘진짜 맛있는’ 역할인데, 카렌 만은 등장하는 장면마다 시선을 독차지하며—무엇보다 중요한—절실히 필요한 유머로 진행을 살린다.  그녀가 무대를 떠나면 대본은 종종 지나치게 진지해지고, 심지어는 근엄해지기 쉽다.

다른 주요 배역들 가운데, 글로리아의 아버지 호세 역의 엘리아 로 타우로는 서로 전혀 이어지지 않고 공감도 어려운 몇 개의 장면들만으로 일관된 연기를 구성해야 하는 거의 불가능한 과제를 안고 있다. 게다가 그의 캐릭터가 말을 잃으면서 그 임무는 더 어려워진다.  하지만 막판에 그는 쇼의 최고 곡 중 하나를 부를 기회를 얻고, 이 공간과 용도에 어울리는 목소리를 가졌음을 보여준다. 다만 그 역시 큰 극장에서 팝 음악을 ‘노래한다’는 난감한 문제에 부딪힌다.  결코 쉬운 일이 아니다.  팝 음악은 애초에 이런 환경에서 불리도록 설계되지 않았고, 전자 증폭도 그 수많은 난점을 부분적으로만 해결해 줄 뿐이다.   칼 패트릭은 필과 닥터 노이어비르트라는 다소 간략하게 쓰인 두 역할에서 기술적으로는 무난히 제 몫을 해낸다.  나머지는 18명으로 이뤄진 분주한 앙상블이 쿠바 세탁부부터 베트남의 미군까지 온갖 인물을 연기하며 빈틈을 채운다.  그들이 노래하고 춤추는 모든 것이 훌륭하게 수행되지만, 그들의 광란의 활동이나 세련된 균형감에도 불구하고, 안타깝게도 무엇 하나 이 쇼가 진짜로 말하려는 핵심에 우리를 더 가까이 데려다주지 못한다.  그리고 아이 둘—여자아이와 남자아이—이 있는데, 세 명씩의 팀에서 번갈아 여기저기 등장하며 패키지에 간헐적인 귀여움을 더한다.

그렇다. 무대는 보기 좋게 꾸며졌다. 대럴 말로니의 프로젝션이 데이비드 록웰의 기능적이고 유연한 세트와 영리하게 교차되고(거대한 트럭이 무대 뒤에서 대형 댄스 오케스트라를 앞뒤로 실어 나른다), 케네스 포즈너는 분주한 중요함과 면도날 같은 판단력으로 조명을 비추며 무대와 관객 사이의 커다란 간극을 어떻게든 잇기 위해 애쓴다.  SCK 사운드 디자인과 앤드루 키스터의 우렁찬 음향 디자인 역시 마찬가지다.  하지만 이 모든 것은 헛수고다.  이 쇼가 우리에게 닿으려 애쓸수록, 정작 전하고 싶은 말이 그다지 없어 보인다는 인상만 강해진다.  어쩌면 잠시 속도를 늦추고, 음악이 더 스스로 말하게 놔뒀다면, 우리는 훨씬 더 좋아했을지도 모른다.  지금으로서는, 관객을 찾기까지 꽤 험난한 싸움이 기다리고 있다고 본다.