CRÍTICA: Candide, Komische Oper Berlin ✭✭✭✭

Julian Eaves critica o Candide, de Leonard Bernstein, na Komische Oper Berlin.

Candide. Foto: Monika Rittershaus CandideKomische Oper Berlin 22 de agosto de 2019 4 estrelas Comprar bilhetes Leonard Bernstein é um músico que está no coração de muitos berlinenses: e confirmou-o, sobretudo, quando, pouco depois da queda do Muro de Berlim, em 1989, chegou à cidade para dirigir a 9.ª de Beethoven num concerto ao ar livre em frente ao Rathaus Schöneberg, então sede do Senado de Berlim Ocidental, e precisamente o local onde, anos antes, durante a sua visita à cidade, outro americano popular, John F. Kennedy, conquistara a multidão com a célebre frase “Ich bin ein Berliner”.  Lenny passou a representar muitas coisas importantes para as pessoas aqui, em particular a capacidade de aceitar e superar o peso do passado e de construir novas pontes de amizade e entendimento mútuo — duas qualidades que não são propriamente evidentes nas actuais relações entre os EUA e a Alemanha. Assim, coincidindo de forma bem arrumada com o 30.º aniversário do fim da Guerra Fria e também com o 100.º aniversário do nascimento de Bernstein, a KOB teve, esta semana, o prazer de abrir a sua novíssima temporada com a reposição da produção arrojada e arriscada do director artístico Barrie Kosky: a homenagem complexa e exigente de Bernstein à cultura europeia, a sua opereta cómica ousada e exuberantemente encantadora baseada no best-seller picaresco de Voltaire, sobre um optimismo que supera todas as adversidades.  (A companhia também tem West Side Story no repertório, e voltará a apresentá-lo mais adiante na temporada.)   Existem imensas versões deste espectáculo em circulação, mas a que aqui se usa é a “restauração”, mais ou menos fiel, de John Caird — recuperando tanto do original quanto é praticamente possível — preparada para o National Theatre em 1999 (mais um aniversário!), apresentada — de forma apropriada — com as orquestrações integralmente ampliadas que o próprio Bernstein fez com Hershey Kay, com adições de Bruce Coughlin.  A partitura musical beneficia de muito mais coerência do que o libreto algo atabalhoado, que é uma tentativa corajosa, mas longe de totalmente conseguida, de levar ao palco esta história de aventuras episódicas.  As intermináveis interrupções de Pangloss funcionam aqui como pesos de chumbo contra a leveza da narrativa: noutras produções fez-se muito para as integrar o mais possível na trama do restante diálogo; Lie é um excelente cantor, mas a sua voz falada carece de variedade.  Ainda assim, temos também o resto do extraordinariamente grande e capaz elenco residente, que prova, uma vez mais, credenciais de classe mundial. Desde os primeiros compassos da revigorante e efervescente abertura, sabemos que, nas mãos do director musical Jordan de Souza, nos espera uma leitura empolgante e incisiva desta partitura imensa e esplêndida.  Souza aposta em gestos audazes, a arremeter contra os aglomerados de guinchos das madeiras, e a despejar as fanfarras dos metais com a energia e o perigo que se associam à ego-mania espalhafatosa de Richard Strauss ou à fúria sardónica de Shostakovitch; depois, as cordas, lenta e gradualmente, trazem calor e romance à paleta de cores musicais, criando exactamente o complexo cocktail de estados de espírito que as três horas seguintes irão explorar.  Nada disto, contudo, nos prepara para a entrada surpreendente do coro, ouvido em vez de visto, bem atrás de nós — falando-nos como se viesse de um passado distante — numa articulação límpida de uma espécie de coral popular (mestre de coro David Cavelius).  Para quem ainda não o conhece, isto é teatro musical da melhor qualidade e surpreende constantemente — mesmo que a encenação incessante possa tornar-se cansativa. O desenho de Rebecca Ringst é uma “caixa preta” enfática e sem concessões, que, com excepção de alguns camiões barulhentos que entram e saem ocasionalmente do palco, é praticamente tudo o que temos para ver durante todo o espectáculo.  Ela enche-o muitas vezes de fumo — um pouco como D. W. Griffith a preencher lacunas no seu épico da Guerra de Secessão, The Birth of a Nation — e esse fumo é iluminado com carinho por Alessandro Carletti.  Os actores vestem um verdadeiro saco de trapos de estilos e épocas, por Klaus Bruns.  Terão de tirar as vossas próprias conclusões, mas, pessoalmente, numa paisagem tão implacável e brutalista, perucas empoadas e casacas são a última coisa que apetece ver.  Aqui existem em abundância, e simplesmente não parecem adequadas.  Muito mais apropriados, a meu ver, são os vários modos de guarda-roupa contemporâneo adoptados de vez em quando (por exemplo, anos 50, ou roupa de rua actual): estes conseguem lembrar-nos de que todos os temas da história — esnobismo, bullying, migração humana perante a guerra, a peste e a pobreza, avareza, escravatura, abuso e manipulação sexual, prostituição, roubo e homicídio, desenraizamento e viagem, para citar apenas alguns — estão muito vivos no aqui e agora.  A decisão de Bruns de apresentar a linha de bailarinos do coro na cena do auto-da-fé com homens em drag como coristas de Las Vegas é um dos seus grandes golpes de génio.  No entanto, os soldados que entram a bater tambores de forma ensurdecedora, numa evocação do canto machista dos exércitos americanos modernos, também arrancaram grande aplauso ao público, e esta foi uma ocasião em que a mistura de figurinos de época e comportamento contemporâneo resultou brilhantemente. Foto: Monika Rittershaus A abordagem de Kosky à direcção do espectáculo é — inicialmente — pôr a máquina a andar o mais depressa possível, acrescentando a cada cena o máximo de ritmo que seja tolerável.  Ainda assim, nunca deixa de ser totalmente fiel às exigências da partitura; e quando Bernstein abranda, ele também abranda.  Porém, é nos episódios finais, mais moralmente confusos, que ele se permite tirar completamente o pé do acelerador e deixa a obra respirar.  A coreografia de Otto Pichler faz o mesmo, e há elementos de notável modernidade naquilo que, juntos, alcançam ao contar esta história.  Por vezes, parece que entramos no mundo de Roland Petit no seu registo mais aventureiro, ou até de Pina Bausch. A versão alemã do libreto, de Martin Berger, é relativamente recente e canta-se com agrado, mas grande parte do humor perde-se (seja na interpretação, seja na tradução, ou simplesmente na mentalidade muito sóbria do público… é difícil dizer).  Pelo lado positivo, os elementos mais sombrios desta encenação sombriamente séria têm um peso enorme e não serão esquecidos tão cedo.  O elenco parece plenamente sintonizado com isso e sabe o que está a fazer. E isto é mais verdadeiro do que nunca no protagonista desta reposição: Johannes Dunz, com o seu ar de galã de matiné, figura atlética (valorizada em lederhosen) e um tenor magnífico, é uma afirmação humanista e confiante contra as privações austeras da encenação.  A puxar os cordelinhos da história à sua volta, o Dr. Pangloss, Voltaire e Martin de Tom Erik Lie são menos conseguidos, mais inclinados à caricatura.  A mesma rudeza afecta a manifestação inicial de Kunigunde (Cunegonde), mas Meechot Marrero compensa quando cai da sua graça privilegiada e interpreta “Glitter and be gay” como dançarina de varão num clube duvidoso.  Ao seu lado, Frederika Brillembourg, como a Velha, é uma deliciosa caricatura burlesca, e o dueto que abre o segundo acto é genuinamente engraçado, mesmo num cenário desconfortavelmente austero.  Outro par feliz é o Maximilian de Dominik Köninger e a Paquette de Maria Fiselier: também eles tiram grande partido dos seus vários outros papéis. Trata-se de uma narrativa imensa e tentacular, que retrata um mundo em tumulto (a comparação com Griffith não foi acidental).  Outros intérpretes de destaque que povoam estes episódios errantes incluem o impressionante Ivan Tursic (que, várias vezes, quase consegue roubar o espectáculo debaixo do nariz de toda a gente), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, o excelente recém-chegado Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch e Sascha Borris.  Para além de tudo isto, há ainda dezenas de bailarinos e membros do coro; e quando todos entram em acção em conjunto, cria-se um espectáculo verdadeiramente magnífico.  A cena em Eldorado é hipnotizante, com o ar escuro cheio de fragmentos de ouro cintilante a cair lentamente.  E o coral final, luxuriante, tem uma escala francamente sinfónica e desfere um impacto tremendo. Assim, no conjunto, um arranque estelar para um ano interessante desta companhia e uma contribuição valiosa para a memória de uma das figuras mais notáveis do mundo da música.  Em repertório.