レビュー：キャンディード、ベルリン・コーミッシェ・オーパー ✭✭✭✭

ジュリアン・イーヴスが、コーミッシェ・オーパー・ベルリンで上演されたレナード・バーンスタイン『キャンディード』をレビュー。

『キャンディード』。写真：モニカ・リッターシャウス キャンディードコーミッシェ・オーパー・ベルリン 2019年8月22日 4つ星 チケット予約 レナード・バーンスタインは、多くのベルリン市民にとって心に近い存在の音楽家だ。とりわけそれを強く印象づけたのが、1989年のベルリンの壁崩壊から間もなく、彼がこの街を訪れ、当時の西ベルリン上院の所在地だったラートハウス・シェーネベルク前での野外コンサートでベートーヴェンの交響曲第9番を指揮した時だろう。そしてそこは、かつて別の人気あるアメリカ人、ジョン・F・ケネディがベルリン訪問の際に「Ich bin ein Berliner（私はベルリン市民だ）」という有名な言葉で人々の心をつかんだ、そのまさに場所でもある。  「レニー」はここで、多くの大切なものの象徴となった。とりわけ、過去という重荷を受け入れ乗り越え、新たな友情と相互理解の橋を架ける力——いまの米独関係には残念ながらあまり見られない二つの資質だ。そうした背景もあり、冷戦終結30周年、そしてバーンスタイン生誕100周年という節目ときれいに重なったこの週、KOB（コーミッシェ・オーパー・ベルリン）は新シーズンの幕開けに、芸術監督バリー・コスキーによる大胆でリスキーなプロダクションの再演を選んだ。バーンスタインがヨーロッパ文化へ捧げた、複雑で要求度の高いオマージュ——ヴォルテールのベストセラーであるピカレスク（無頼漢）小説をもとに、「あらゆる逆境に打ち勝つ楽観主義」を描いた、挑発的で、そして弾けるほど魅力的なコミック・オペレッタである。 （同カンパニーのレパートリーには『ウエスト・サイド物語』もあり、今シーズン後半に再登場する予定だ。）  この作品には実に数多くの版が流通しているが、ここで用いられているのは、1999年にナショナル・シアターのためにジョン・ケアードが作った、可能な限りオリジナルを復元しようとした（これもまた「記念年」だ）比較的忠実な「レストレーション」版。上演は——ふさわしくも——バーンスタイン自身がハーシー・ケイと共に拡大編成へと作り直したオーケストレーション（ブルース・コフリンの補筆つき）で行われる。  音楽面は、寄せ集めのような脚本よりもずっと統一感があり、その恩恵は大きい。脚本は、断片的な冒険譚を舞台に載せようとする勇敢な試みではあるものの、成功は決して全面的とは言いがたい。  ここでのパングロスの延々とした口出しは、物語の浮揚感に鉛の重りのようにのしかかる。別のプロダクションでは、こうした箇所を台詞全体の織り目にできるだけ馴染ませる工夫がなされてきた。リエは優れた歌い手だが、話し声の表情の幅が乏しい。  それでもなお、世界水準の実力をあらためて示す、驚くほど大規模で有能な常設アンサンブルを堪能できるのは大きい。冒頭の引き締まった、泡立つように弾む序曲の数小節から、音楽監督ジョーダン・デ・スーザの手にかかれば、この壮大で見事なスコアがスリリングで切れ味鋭い解釈として立ち上がることがわかる。  スーザは大胆な筆致を選び、木管の悲鳴のようなクラスターへ豪快に突っ込み、金管のファンファーレを叩きつける。そのエネルギーと危うさには、リヒャルト・シュトラウスの厚かましい自己陶酔や、ショスタコーヴィチの皮肉な怒りを連想させるものがある。やがて弦がゆっくりと、少しずつ音色のパレットに温かさとロマンスを加え、これから3時間にわたって探究される複雑な気分の混淆を、まさに的確に形づくっていく。  とはいえ、そのどれもが、コーラスの衝撃的な登場には備えにならない。彼らは姿ではなく声として、私たちのはるか背後——遠い過去から語りかけてくるかのように——透き通った発音で、民謡風のコラールを歌い出すのだ（合唱指導：デイヴィッド・カヴェリウス）。  まだご存じない方へ言っておくと、これは最上級のクオリティを持つミュージカル・シアターで、絶えず驚かせてくれる——もっとも、容赦なく畳みかける演出が次第に疲れを誘うこともあるのだが。レベッカ・リングストの美術は、断固として妥協のないブラックボックス。ときおりガタガタとうるさいトラックが舞台に出入りするのを除けば、ほぼ終始、目にするのはそれだけだ。  その内部はしばしば煙で満たされる——D・W・グリフィスが南北戦争（合衆国分離戦争）叙事詩『國民の創生』で隙間を埋めるかのように——そしてその煙をアレッサンドロ・カルレッティが愛情深く照らし出す。  衣裳（クラウス・ブルンス）は、時代も様式もごった煮の寄せ集めだ。  ここは好みが分かれるところだろうが、個人的には、これほど容赦なく荒涼としたブルータリズム的空間で、白粉のかつらやフロックコートほど見たくないものはない。  それが大量に出てきて、どうにも似つかわしく感じられないのだ。  それよりずっと腑に落ちるのは、随所で採用される現代的な服装（例：50年代風、あるいは現代のストリートウェア）である。こうした選択は、物語の主題——俗物根性、いじめ、戦争・疫病・貧困からの移住、強欲、奴隷制、性的虐待と搾取、売春、窃盗と殺人、根無し草の漂泊と旅、などなど——が、まさに「いま、ここ」にも生きているのだと気づかせてくれる。  オート・ダ・フェの場面で、男性がドラァグのラスベガスのショーガールとして踊るコーラスラインを出すというブルンスの判断は、文句なしの名手筋の一手だ。  一方、現代アメリカ軍のマッチョなチャントを想起させるように、兵士たちが非常に騒々しく太鼓を叩きながら登場する場面も観客に大ウケで、時代衣裳と現代的な振る舞いの噛み合わせが見事に決まった瞬間だった。 写真：モニカ・リッターシャウス コスキーの演出アプローチは——当初——とにかく可能な限り素早く進め、各場面に許容される範囲で最大限のスピードを与えることだ。  ただし彼は、スコアの要求に対して終始きわめて誠実で、バーンスタインがテンポを落とすところでは、彼もまた同様に落とす。  そして物語が後半に入り、道徳的にも混迷を深めるエピソードになると、彼はアクセルから完全に足を離し、作品が息をする余地を与える。  オットー・ピヒラーの振付も同様で、二人が物語の語り口で達成するものには、驚くほど現代的な要素がある。  ときに、最も冒険的なロラン・プティの世界、あるいはピナ・バウシュの領域に足を踏み入れたかのように感じられることさえある。マルティン・ベルガーによるドイツ語版リブレットは比較的新しく、歌いやすいのはありがたいが、ユーモアの多くは失われている（演技のせいなのか翻訳のせいなのか、あるいは観客のきわめて生真面目な気質のせいなのか……どれとも言い切りがたい）。  その一方で、この暗くシリアスな演出が抱え込む「暗さ」の部分は圧倒的な重みを持ち、そう簡単には忘れられない。  キャストは皆その点を十分に理解し、自分たちのやるべきことを把握しているように見える。なかでも今回の再演でタイトルロールを務めるヨハネス・ドゥンツほど、それが当てはまる人物はいない。マチネ・アイドル然としたルックス、鍛えられた体躯（レーダーホーゼン姿で存分に披露される）、そして艶やかなテノールは、舞台の陰鬱な欠乏感に対抗する、確信に満ちた人間主義の宣言のようだ。  その周囲で物語の糸を操るトム・エリク・リエのパンゴロス／ヴォルテール／マルタンは、より戯画化に傾き、やや成功度が下がる。  同じ粗さは、序盤のクニグンデ（キュネゴンド）の描かれ方にも見られるが、ミーチョット・マレロは、特権的な立場から転落した後、いかがわしいクラブでポールダンサーとして「Glitter and be gay（きらめいて、陽気に）」を披露し、見事に挽回する。  彼女に並ぶ形で、老女を演じるフレデリカ・ブリレンブールは見事なバーレスク調の造形で、第二幕冒頭の二重唱は、ひどく居心地の悪い舞台設定の中でも本当に笑える。  もう一組の好ペアは、ドミニク・ケーニンガーのマクシミリアンとマリア・フィゼリエのパケットで、二人は複数の兼役も含めて存在感を発揮する。これは、激動する世界を描いた巨大で、枝分かれし、広がり続ける物語だ（グリフィスとの比較は偶然ではない）。  その流浪の出来事を彩る注目すべき出演者として、見事なイヴァン・トゥルシッチ（何度も、あわや他の誰からも主役をさらいそうになる）、ティモシー・オリヴァー、フランク・ベア、ザスキア・クリスピン、素晴らしい新顔ダニエル・フォキ、ティム・ディートリヒ、マティアス・シュペンケ、カルステン・ラウ、タイセン・ルシュ、ザスチャ・ボリスらが挙げられる。  さらに、ダンサーと合唱団員が多数加わり、全員が一斉に動き出すと、実に壮麗なスペクタクルが立ち上がる。  エルドラドの場面は呪文のように魅惑的で、暗い空気の中に、きらめく金のかけらがゆっくりと降り注ぐ。  そして最後の、官能的なコラールは、規模感もほとんど交響的で、とてつもない一撃を食らわせてくる。総じて、このカンパニーにとって興味深い一年の素晴らしいスタートであり、音楽界屈指の重要人物の一人を記憶に刻むうえでも価値ある一作だ。  レパートリー上演。