CRITIQUE : Candide, Komische Oper Berlin ✭✭✭✭

Candide. Photo : Monika Rittershaus

Komische Oper Berlin 22 août 2019 4 Étoiles Réserver des billets

Leonard Bernstein est un musicien qui occupe une place spéciale dans le cœur de nombreux Berlinois : cela s’est notamment confirmé lorsque, peu après la chute du Mur de Berlin en 1989, il est arrivé en ville pour diriger la 9ème symphonie de Beethoven lors d’un concert en plein air devant le Rathaus Schöneberg, alors siège du Sénat de Berlin-Ouest, et le même endroit où, des années auparavant, un autre Américain populaire, John F. Kennedy, avait conquis la population avec sa célèbre phrase, 'Ich bin ein Berliner'.  Lenny est venu symboliser de nombreuses valeurs importantes pour les gens ici, en particulier la capacité à accepter et surmonter le poids du passé et à construire de nouveaux ponts d’amitié et de compréhension mutuelle - deux qualités qui ne sont malheureusement pas toujours présentes dans les relations américano-allemandes actuelles.

Ainsi, coïncidant avec le 30ème anniversaire de la fin de la guerre froide et également avec le centenaire de la naissance de Bernstein, le KOB a été ravi cette semaine d’ouvrir sa toute nouvelle saison avec une reprise de la production audacieuse et risquée de l’hommage complexe et exigeant de Bernstein à la culture européenne, menée par le directeur artistique Barrie Kosky, son charmant et audacieux opéra-comique basé sur le célèbre conte picaresque de Voltaire où l'optimisme surmonte toutes les adversités. (La compagnie a également 'West Side Story' dans son répertoire, qui fera une nouvelle apparition plus tard dans la saison.)   Il existe des dizaines de versions différentes de ce spectacle en circulation, mais celle utilisée ici est la 'restauration' plus ou moins fidèle de John Caird, restituant autant que possible l’original pour le National Theatre en 1999 (une autre année anniversaire !), interpretée - et c’est approprié - avec les orchestrations pleinement élaborées que Bernstein lui-même a créées avec Hershey Kay, et avec des ajouts de Bruce Coughlin.  La partition musicale bénéficie d’une bien plus grande cohérence que le script morcelé, qui est une tentative courageuse mais loin d’être totalement réussie de mettre l’histoire d’aventures épisodiques en scène. Les interruptions interminables de Pangloss agissent ici comme des poids morts contre la flottaison du récit : d'autres productions ont fait beaucoup pour les intégrer aussi complètement que possible dans la trame du reste des dialogues : Lie est un chanteur exceptionnel, mais sa voix parlée manque de variété.  Néanmoins, nous bénéficions également de l’ensemble extraordinairement large et capable de résidents qui prouve, une fois de plus, ses références de classe mondiale.

Dès les premières mesures de l’ouverture tonifiante et pétillante, nous savons que, sous la direction musicale de Jordan de Souza, nous allons vivre une interprétation palpitante et incisive de la partition immense et splendide.  Souza opte pour des traits audacieux, fracassant dans les grappes de cris des bois, et martelant les fanfares des cuivres avec l'énergie et le danger qu'on associe à l'égomanie tapageuse de Richard Strauss ou à la fureur sardonique de Chostakovitch; puis, les cordes prêtent lentement et progressivement chaleur et romance à la palette des couleurs musicales, créant exactement le mélange complexe d'humeurs que les trois prochaines heures exploreront.  Cependant, rien ne nous prépare à l'entrée saisissante du chœur, qui est entendu plutôt que vu, loin derrière nous - nous parlant comme depuis le passé lointain - dans une articulation limpide d'un genre de chorale folklorique (cheffe de chœur David Cavelius). Pour ceux d'entre vous qui ne le connaissent pas encore, c'est du théâtre musical de la plus haute qualité et il surprend constamment - même si la mise en scène incessante peut devenir usante.

Le design de Rebecca Ringst est une boîte noire emphatique et intransigeante, qui, à l’exception de quelques camions bruyants qui roulent sur et hors de la scène occasionnellement, est à peu près tout ce que nous avons à regarder durant toute la représentation.  Elle la remplit souvent de fumée - un peu comme D.W. Griffith qui comblait les lacunes dans son épopée de la guerre civile, 'Naissance d'une nation' - et cette fumée est éclairée amoureusement par Alessandro Carletti.  Les acteurs sont vêtus d'un véritable fourre-tout de styles et d'époques par Klaus Bruns.  Vous devrez vous faire votre propre opinion à ce sujet, mais personnellement, dans un paysage aussi impitoyable et brutaliste, les perruques et redingotes sont les dernières choses que nous voulons voir.  Elles abondent ici, et elles semblent hors de propos.  Beaucoup plus cohérents, à mon avis, sont les nombreux modes en tenue moderne adoptés de temps en temps (ex. : années 50, ou vêtements de rue contemporains) : celles-ci réussissent à nous rappeler que tous les thèmes de l'histoire - snobisme, harcèlement, migration humaine face à la guerre, à la peste et à la pauvreté, avidité, esclavage, abus sexuel et manipulation, prostitution, vol et meurtre, déracinement et voyages, pour n'en nommer que quelques-uns - sont bien vivants et présents ici et maintenant.  La décision de Bruns de présenter la ligne de chœur des danseuses durant la scène de l'auto-da-fé avec des hommes en drag en tant que showgirls de Vegas est l’un de ses coups de génie.  Cependant, les soldats qui entrent en frappant bruyamment des tambours, évoquant les chants machistes des armées modernes américaines, ont également remporté un gros succès auprès de la foule, et c’était une occasion où le mélange de costumes d’époque et de comportements modernes fonctionnait brillamment bien.

Photo : Monika Rittershaus

L'approche de Kosky pour la mise en scène du spectacle est - initialement - de mettre les choses en mouvement aussi rapidement que possible, ajoutant autant de rythme que tolérable à chaque scène.  Il n'est jamais moins que totalement fidèle aux exigences de la partition, cependant, et quand Bernstein ralentit, il en fait autant.  Cependant, c’est dans les épisodes ultérieurs, plus moralement confus de l’histoire, qu’il se permet de lever totalement le pied de l’accélérateur et permet à l’œuvre de respirer.  La chorégraphie d’Otto Pichler fait de même, et il y a des éléments de modernité remarquable dans ce qu'ils accomplissent ensemble avec la narration de l’histoire.  Nous semblons par moments entrer dans le monde de Roland Petit à son plus aventureux, ou même de Pina Bausch.

La version de livret en langue allemande de Martin Berger est relativement nouvelle et un chant gratitude, mais beaucoup de l’humour est perdu (soit dans la performance, soit dans la traduction, soit tout simplement dans la mentalité très sobre du public… difficile de dire lequel).  D’un autre côté, les éléments plus sombres de cette mise en scène sombrement sérieuse ont un poids énorme et ne seront pas oubliés de sitôt.  Le casting semble pleinement harmonisé à cela et sait ce qu’il fait.

C’est particulièrement vrai pour le rôle-titre de cette reprise, Johannes Dunz, dont la beauté digne d’un idole de matinée, la silhouette athlétique (mise en valeur dans un costume traditionnel) et son magnifique ténor sont une déclaration humaniste confiante face aux privations sévères de la mise en scène.  Manipulant les ficelles de l'histoire autour de lui, le Dr Pangloss, Voltaire et Martin de Tom Erik Lie sont moins réussis, étant plus enclins à la caricature.  La même ampleur rugueuse afflige la première manifestation de Kunigonde (Cunégonde), mais Meechot Marrero corrige tout lorsqu'elle tombe de sa grâce titrée et interprète 'Glitter and be gay' en tant que danseuse de pole dans un bouge.  À ses côtés, Frederika Brillembourg en Vieille Femme est une merveilleuse parodie d'un personnage, et leur duo d’ouverture du second acte est véritablement hilarant, même dans un cadre fortement inconfortable.  Un autre duo heureux est celui de Maximilian de Dominik Köninger et Paquette de Maria Fiselier : ils tirent également profit de bon nombre de leurs autres rôles.

C’est un enchevêtrement immense narratif dépeignant un monde en tumulte (la comparaison avec Griffith n’était pas accidentelle).  D'autres interprètes remarquables peuplant ses événements itinérants sont l’impressionnant Ivan Tursic (qui, à plusieurs reprises, réussit presque à voler la vedette sous le nez de tous les autres), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, le merveilleux nouveau venu Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch et Sascha Borris.  En plus de tous ceux-ci, vous avez aussi des scores de danseurs et de membres du chœur, et quand tous ces derniers se mettent en action ensemble, cela crée le spectacle le plus magnifique.  La scène à Eldorado est envoûtante, avec l'air sombre rempli de fragments d'or étincelants tombant lentement.  Et le final, un chœur somptueux, est positivement symphonique dans son ampleur et a un punch redoutable.

Ainsi, tout bien considéré, un début extraordinaire pour une année intéressante pour cette compagnie et une contribution précieuse à la mémoire de l'une des figures les plus remarquables du monde musical.  Joué en répertoire.