CRITIQUE : Candide, Komische Oper Berlin ✭✭✭✭

Julian Eaves critique Candide de Leonard Bernstein à la Komische Oper Berlin.

Candide. Photo : Monika Rittershaus CandideKomische Oper Berlin 22 août 2019 4 Étoiles Réserver des billets Leonard Bernstein est un musicien particulièrement cher au cœur de nombreux Berlinois : il l'a confirmé notamment lorsque, peu après la Chute du Mur de Berlin en 1989, il est arrivé en ville pour interpréter la 9e de Beethoven lors d'un concert en plein air devant le Rathaus Schöneberg, alors siège du Sénat de Berlin-Ouest, et exactement à l'endroit où, des années auparavant, un autre Américain très populaire, John F. Kennedy, s'est rendu célèbre avec la fameuse phrase, 'Ich bin ein Berliner'.  Lenny est venu représenter de nombreuses choses importantes pour les gens ici, notamment la capacité d'accepter et de surmonter le poids du passé et de construire de nouveaux ponts d'amitié et de compréhension mutuelle - deux qualités non ostensiblement présentes dans les relations germano-américaines actuelles. Et ainsi, coïncidant à point nommé avec le 30e anniversaire de la fin de la Guerre froide et également avec le 100e anniversaire de la naissance de Bernstein, la KOB a été ravie cette semaine d'ouvrir sa toute nouvelle saison avec une reprise de la production audacieuse et risquée du directeur artistique Barrie Kosky de l'hommage complexe et exigeant de Bernstein à la culture européenne, sa comédie musicale audacieuse et exubéramment charmante basée sur le conte picaresque best-seller de Voltaire sur l'optimisme triomphant de toutes les adversités.  (La compagnie a également 'West Side Story' dans son répertoire et cela fera une nouvelle apparition plus tard dans la saison.)   Il existe une multitude de versions différentes de ce spectacle en circulation, mais celle utilisée ici est la 'restauration' plus ou moins fidèle de John Caird de l'original autant que possible préparée pour le National Theatre en 1999 (une autre commémoration !) qui est donnée - de manière tout à fait appropriée - avec les orchestrations entièrement agrandies que Bernstein lui-même a réalisées avec Hershey Kay, avec des ajouts de Bruce Coughlin.  La partition musicale bénéficie de beaucoup plus de cohérence que le texte décousu, qui est une tentative courageuse mais loin d'être totalement réussie de porter sur scène l'histoire d'aventure épisodique.  Les interruptions interminables de Pangloss ici agissent comme des poids de plomb contre la légèreté du récit : d'autres productions ont beaucoup fait pour les intégrer autant que possible dans la trame du dialogue : Lie est un excellent chanteur, mais sa voix parlée manque de variété.  Néanmoins, nous avons également droit au reste de l'ensemble résident extraordinairement large et compétent qui prouve, une fois de plus, ses prestigieuses qualifications de classe mondiale. Dès les premières mesures de l'ouverture pétillante et vivifiante, nous savons que, sous la direction musicale de Jordan de Souza, nous sommes partis pour une interprétation passionnante et incisive de la partition immense et splendide.  Souza opte pour des traits audacieux, heurtant les grappes de cris des bois et martelant les fanfares de cuivres avec le genre d'énergie et de danger que l'on associe à la mégalomanie effrontée de Richard Strauss ou à la fureur sarcastique de Chostakovitch ; puis, les cordes prêtent lentement et progressivement chaleur et romantisme à la palette de couleurs musicales, créant exactement le mélange compliqué de humeurs que les trois prochaines heures exploreront.  Rien de tout cela, cependant, ne nous prépare à l'entrée saisissante du chœur, qui se fait entendre plutôt que voir, loin derrière nous - nous parlant comme si du passé lointain - dans une articulation limpide d'une sorte de choral populaire (maître de chœur David Cavelius).  Pour ceux d'entre vous qui ne le connaissent pas encore, c'est du théâtre musical de la plus haute qualité et il ne cesse de surprendre - même si la mise en scène implacable peut devenir lassante. Le design de Rebecca Ringst est une boîte noire emphatique et sans compromis qui, à l'exception de quelques camions bruyants qui roulent sur la scène de temps en temps, est à peu près tout ce que nous pouvons regarder pendant la totalité de l'événement.  Elle la remplit souvent de fumée - un peu comme D W Griffith comblant les lacunes de son épopée sur la Guerre de Sécession, 'Naissance d'une Nation' - et cette fumée est éclairée avec amour par Alessandro Carletti.  Les acteurs sont vêtus d'une véritable hotchpotch de styles et d'époques par Klaus Bruns.  Vous devrez vous faire votre propre opinion à ce sujet, mais personnellement, dans un paysage aussi impitoyable et brutalisme, perruques et redingotes sont les dernières choses que nous voulons voir.  Elles sont ici en abondance, et elles ne semblent tout simplement pas à leur place.  Bien plus adéquates, à mon sens, sont les nombreuses modes modernes adoptées de temps à autre (par exemple, des années cinquante ou streetwear contemporain) : cela réussit à nous rappeler que tous les thèmes de l'histoire - le snobisme, l'intimidation, la migration humaine face à la guerre, la peste et la pauvreté, l'avidité, l'esclavage, l'abus sexuel et la manipulation, la prostitution, le vol et le meurtre, la déracinement et le voyage, pour n'en nommer que quelques-uns - sont bel et bien vivants et avec nous ici et maintenant.  La décision de Bruns de présenter la ligne de danseurs du chœur lors de la scène de l'Auto-da-fé avec des hommes travestis en showgirls de Vegas est l'un de ses coups de génie.  Cependant, les soldats qui arrivent en frappant des tambours extrêmement bruyamment dans une évocation du chant macho des armées américaines modernes ont également marqué un grand succès auprès de la foule, et cela a été l'une des occasions où le jumelage de costumes d'époque et de comportement moderne a fonctionné brillamment. Photo : Monika Rittershaus L'approche de Kosky pour la mise en scène du spectacle est - initialement - de faire bouger les choses aussi vite que possible, ajoutant autant de rythme que tolérable à chaque scène.  Il n'est jamais moins que totalement fidèle aux exigences de la partition, cependant, et quand Bernstein ralentit, lui aussi.  Cependant, c'est dans les épisodes ultérieurs, plus moralement confus de l'histoire qu'il se permet de retirer complètement le pied de l'accélérateur et permet à l'œuvre de respirer.  La chorégraphie d'Otto Pichler fait de même, et il y a des éléments de modernité remarquable dans ce qu'ils réalisent ensemble avec le récit de l'histoire.  Nous semblons parfois entrer dans le monde de Roland Petit à son plus aventureux, ou même Pina Bausch. La version en allemand de Martin Berger du livret est relativement nouvelle et chanter est un plaisir, mais une grande partie de l'humour est perdue (soit dans la performance, soit dans la traduction, soit simplement dans la mentalité très sobre du public... il est difficile de savoir laquelle).  D'un autre côté, les éléments plus sombres de cette mise en scène graveleusement sérieuse portent un poids énorme et ne seront pas oubliés de sitôt.  Le casting semble tous être pleinement accordés à cela et savent ce qu'ils font. Cela est vrai pour nul autre que dans le rôle-titre de cette reprise, Johannes Dunz, ses allures de idole à bonne mine, sa silhouette athlétique (vue à bon compte dans un lederhosen) et son superbe ténor sont une déclaration humaniste confiante contre les privations sinistres de la mise en scène.  Tirant les ficelles de l'histoire autour de lui, Tom Erik Lie dans le rôle de Dr Pangloss et Voltaire et Martin sont moins réussis, étant plus enclins à la caricature.  La même rudesse grossière afflige la première manifestation de Kunigunde (Cunegonde), mais Meechot Marrero arrange tout lorsqu'elle chute de sa grâce autorisée et interprète 'Glitter and be gay' comme une danseuse de pole dans un club.  À ses côtés, Frederika Brillembourg dans le rôle de la Vieille Dame est une merveilleuse parodie de personnage, et leur duo ouvrant le deuxième acte est véritablement drôle, même dans un cadre sévèrement inconfortable.  Un autre heureux duo est Maximilian incarné par Dominik Köninger et Paquette jouée par Maria Fiselier : ils tirent également beaucoup de leurs plusieurs autres rôles respectifs. Il s'agit d'un récit immense et tentaculaire qui dépeint un monde en tumulte (la comparaison avec Griffith n'était pas accidentelle).  D'autres interprètes notables peuplant ses événements itinérants sont le superbe Ivan Tursic (qui, à plusieurs reprises, manque de peu de voler le spectacle juste sous le nez de tous les autres), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, le merveilleux nouveau venu Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch et Sascha Borris.  En plus de tous ceux-ci, vous avez également droit à des dizaines de danseurs et de membres du chœur, et lorsque tout cela entre en action ensemble, cela crée le spectacle le plus magnifique.  La scène à Eldorado est envoûtante, avec l'air sombre rempli de fragments d'or scintillant tombant lentement.  Et le final, choral somptueux, est positivement symphonique dans son ampleur et inflige un coup de poing tout-puissant. Donc, en somme, un début stellaire pour une année intéressante de cette compagnie et une contribution précieuse à la mémoire d'une des figures les plus remarquables du monde de la musique.  Joué en répertoire.