RESEÑA: Cándido, Komische Oper Berlín ✭✭✭✭

Julian Eaves reseña Candide de Leonard Bernstein en la Komische Oper de Berlín.

Candide. Foto: Monika Rittershaus CandideKomische Oper Berlin 22 de agosto de 2019 4 estrellas Comprar entradas Leonard Bernstein es un músico muy querido por muchos berlineses: baste decir que lo confirmó cuando, poco después de la caída del Muro de Berlín en 1989, llegó a la ciudad para dirigir la Novena de Beethoven en un concierto al aire libre frente al Rathaus Schöneberg, entonces sede del Senado de Berlín Occidental, y el mismo lugar donde, años antes, durante su visita a la ciudad, otro popular estadounidense, John F. Kennedy, se ganó al público con la célebre frase «Ich bin ein Berliner».  Lenny pasó a representar aquí muchas cosas importantes, en particular la capacidad de aceptar y superar el peso del pasado y de tender nuevos puentes de amistad y entendimiento mutuo, dos cualidades que no abundan precisamente en las relaciones actuales entre Estados Unidos y Alemania. Así que, coincidiendo de forma ordenada con el 30.º aniversario del fin de la Guerra Fría y también con el 100.º aniversario del nacimiento de Bernstein, la KOB se mostró encantada esta semana de inaugurar su flamante temporada con la reposición de la audaz y arriesgada producción del director artístico Barrie Kosky: el complejo y exigente homenaje de Bernstein a la cultura europea, su atrevida y exuberantemente encantadora opereta cómica basada en el exitoso relato picaresco de Voltaire sobre un optimismo capaz de imponerse a toda adversidad.  (La compañía también tiene «West Side Story» en repertorio, y volverá a aparecer más adelante en la temporada.)   Circulan muchísimas versiones de este título, pero la que se utiliza aquí es la «restauración» de John Caird, más o menos fiel, de todo lo original que fue prácticamente posible, preparada para el National Theatre en 1999 (¡otro aniversario!), y que se ofrece —muy oportunamente— con las orquestaciones completas ampliadas que el propio Bernstein realizó con Hershey Kay, con añadidos de Bruce Coughlin.  La partitura se beneficia de una coherencia mucho mayor que el libreto deslavazado, un intento valiente pero lejos de ser plenamente logrado de llevar a escena la historia de aventuras episódica.  Las interminables interrupciones de Pangloss aquí actúan como lastres contra la ligereza del relato: otras producciones han hecho mucho por integrarlas todo lo posible en la urdimbre y trama del resto del diálogo. Lie es un buen cantante, pero su voz hablada carece de variedad.  Con todo, también contamos con el resto del extraordinariamente amplio y competente conjunto estable, que demuestra, una vez más, credenciales de primera categoría mundial. Desde los compases iniciales de la vigorosa y chispeante obertura, sabemos que, en manos del director musical Jordan de Souza, nos espera una lectura emocionante y incisiva de esta partitura inmensa y espléndida.  De Souza apuesta por grandes brochazos, arremetiendo contra los racimos de chillidos de las maderas y golpeando las fanfarrias de metal con una energía y un peligro que uno asocia con el descarado egoísmo de Richard Strauss o la furia sardónica de Shostakóvich; después, las cuerdas, lenta y gradualmente, aportan calidez y romanticismo a la paleta de colores musicales, creando exactamente la mezcla complicada de estados de ánimo que las tres horas siguientes explorarán.  Nada de esto, sin embargo, nos prepara para la sorprendente entrada del coro, que se escucha más que se ve, muy por detrás de nosotros —hablándonos como desde un pasado lejano— con una articulación cristalina de una especie de coral popular (director del coro David Cavelius).  Para quienes todavía no lo conozcan, esto es teatro musical de la mejor calidad, y sorprende constantemente, aunque la puesta en escena implacable puede llegar a hacerse cansina. El diseño de Rebecca Ringst es una caja negra rotunda e inflexible que, salvo por unos cuantos camiones ruidosos que entran y salen del escenario de vez en cuando, es prácticamente lo único que tenemos ante los ojos durante todo el espectáculo.  La llena a menudo de humo —algo así como D. W. Griffith rellenando los huecos en su epopeya de la Guerra de Secesión, «El nacimiento de una nación»—, y ese humo está iluminado con cariño por Alessandro Carletti.  Los intérpretes visten un auténtico batiburrillo de estilos y épocas de la mano de Klaus Bruns.  Cada cual tendrá que sacar sus propias conclusiones, pero, personalmente, en un paisaje tan implacable y brutalista, las pelucas empolvadas y las levitas son lo último que apetece ver.  Aquí abundan, y sencillamente no parecen encajar.  Mucho más adecuados, a mi juicio, son los numerosos guiños al vestuario moderno que aparecen de tanto en tanto (por ejemplo, el estilo de los cincuenta o la ropa urbana contemporánea): estos aciertan al recordarnos que todos los temas del relato —esnobismo, acoso, migraciones humanas ante la guerra, la peste y la pobreza, avaricia, esclavitud, abuso y manipulación sexual, prostitución, robo y asesinato, desarraigo y viaje, por nombrar solo algunos— están muy vivos y presentes aquí y ahora.  La decisión de Bruns de presentar la línea del coro de bailarines en la escena del auto de fe con hombres en drag como coristas de Las Vegas es uno de sus golpes maestros.  Sin embargo, los soldados que entran aporreando tambores de manera ensordecedora, evocando los cantos machistas de los ejércitos estadounidenses modernos, también se ganaron un gran aplauso del público, y fue una de esas ocasiones en las que el engranaje entre el vestuario de época y el comportamiento contemporáneo funcionó de maravilla. Foto: Monika Rittershaus El enfoque de Kosky en la dirección del espectáculo es —al principio— hacer que todo avance lo más rápido posible, añadiendo todo el ritmo que resulte tolerable a cada escena.  No obstante, nunca deja de ser totalmente fiel a las exigencias de la partitura, y cuando Bernstein baja el tempo, él también lo hace.  Sin embargo, es en los episodios posteriores, moralmente más confusos, donde permite que el pie se le vaya por completo del acelerador y deja que la obra respire.  La coreografía de Otto Pichler hace lo mismo, y hay elementos de una modernidad sorprendente en lo que ambos logran al contar la historia.  A ratos parece que entramos en el mundo de Roland Petit en su faceta más aventurera, o incluso en el de Pina Bausch. La versión en alemán del libreto de Martin Berger es relativamente nueva y se canta con agradecimiento, pero gran parte del humor se pierde (ya sea en la interpretación o en la traducción, o simplemente en la mentalidad tan sobria del público… cuesta decir qué).  En el lado positivo, los elementos más oscuros de esta puesta en escena, tan sombríamente seria, tienen un peso enorme y no se olvidarán pronto.  El reparto parece plenamente sintonizado con ello y sabe lo que hace. En nadie es más cierto que en el protagonista de esta reposición, Johannes Dunz: su atractivo de galán de matiné, su figura atlética (lucida con gran efecto en pantalones bávaros de cuero) y su espléndido tenor son una afirmación humanista segura frente a las duras privaciones de la puesta en escena.  Moviendo los hilos de la historia a su alrededor, el Dr. Pangloss, Voltaire y Martin de Tom Erik Lie resultan menos logrados, más propensos a la caricatura.  La misma tosquedad afecta a la primera aparición de Kunigunde (Cunegonde), pero Meechot Marrero lo compensa cuando cae de su gracia privilegiada e interpreta «Glitter and be gay» como bailarina de barra en un tugurio.  A su lado, Frederika Brillembourg, como la Vieja, ofrece un maravilloso burlesque del personaje, y el dúo que abre el segundo acto es auténticamente divertido, incluso en un entorno tan incómodamente austero.  Otra pareja afortunada es la formada por el Maximilian de Dominik Köninger y la Paquette de Maria Fiselier: también sacan mucho partido de sus varios papeles adicionales. Se trata de un relato inmenso y desbordante que retrata un mundo en tumulto (la comparación con Griffith no era casual).  Otros intérpretes destacables que pueblan sus peripecias itinerantes son el deslumbrante Ivan Tursic (que, en varias ocasiones, casi logra robarse el espectáculo delante de las narices de todos), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, el estupendo recién llegado Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch y Sascha Borris.  Además de todos ellos, hay decenas de bailarines y miembros del coro, y cuando todos entran en acción a la vez se crea el espectáculo más magnífico.  La escena en El Dorado es hipnótica, con el aire oscuro lleno de fragmentos de oro brillante que caen lentamente.  Y el coral final, exuberante, es casi sinfónico en escala y asesta un golpe imponente. En suma, un arranque estelar de un año interesante para esta compañía y una valiosa contribución al recuerdo de una de las figuras más notables del mundo musical.  En repertorio.