CRÍTICA: Can-Can, Union Theatre ✭✭

Julian Eaves faz a crítica de Can-Can, atualmente em cena no Union Theatre.

Foto: Scott Rylander Can-Can!   Union Theatre 2 Estrelas Reservar bilhetes Para todos os que esperavam ver o magnífico musical de Cole Porter sobre a vida boémia e desenfreada na Paris fin-de-siècle, este espetáculo será uma desilusão.  Não há aqui uma nota da sua música maravilhosa, nem uma sílaba das suas letras espirituosas e elegantes.  Em vez disso, temos um pequeno subtítulo a informar-nos de que isto será "O Novo Musical de Offenbach".  Assim, vai-se ao teatro à espera de uma espécie de espetáculo de repertório, reaproveitando a música do lendário compositor francês de opereta (provavelmente mais conhecido pelo número homónimo do seu espetáculo mais popular, "Orfeu no Inferno").  Mas também não é isso.  Não; em vez disso, quando se pega no programa, descobre-se finalmente que isto é, na verdade, um pasticcio, juntando uma coleção de canções de uma seleção muito vasta de compositores de opereta, a maioria americanos, austríacos, britânicos ou checos: apenas um quarto dos números é de Offenbach.  E a falta de ligação francesa não fica por aí: o "texto" está a léguas desse meio, sendo retirado do velho cavalo de batalha de Pinero, "Trelawny of the Wells", uma história que explora o esnobismo social britânico de um modo com que a opereta francesa pouco se importaria.  O adaptador, o incansável Phil Willmott, está convencido da sua viabilidade e limita-se a pegar no enredo e nas personagens e a transplantá-los para a França da Terceira República dos anos 1890.  Bem, não; não faz apenas isso.  No processo, também remove grande parte da comédia leve da peça britânica e substitui-a por uma atmosfera sombria e bastante melancólica, transformando-a numa parábola amarga de ambição falhada e preconceitos metropolitanos, algo ainda mais acentuado pela encenação rígida de Phil Setren e pela iluminação muitas vezes carregada e sombria de Matthew Swithinbank. Grace Manley e James Alexander Chew em Can-Can! Foto: Scott Rylander\ É uma grande pena, porque a abertura promete imenso.  Mas aí, na verdade, está nas mãos de uma inteligência criativa totalmente diferente.  O trabalho do coreógrafo, Adam Haigh, é a única razão pela qual deve ir ver esta produção — e eu acho mesmo que deve, apesar de todas as outras falhas.  As suas composições musicais em cena são um deleite absoluto, e o número de abertura é prova disso.  Fazendo um uso hábil do cenário flexível de proscénio-sobre-um-camião de Justin Williams e Johnny Rust (um dos melhores até à data), Haigh catapulta-nos para um verdadeiro "furacão" de atividade teatral que evoca os melhores planos-sequência de um Fellini no seu registo mais jubiloso e despreocupado.  É maravilhoso ver o palco a fervilhar com um elenco relativamente grande de 17, todos a fazer coisas meticulosamente detalhadas e aparentemente completamente à vontade.  Com uma companhia maioritariamente jovem, muitos deles no início das suas carreiras, é exatamente disto que precisam quando trabalham em empreitadas deste tipo.  Desde o início, conquistam-nos e vamos aquecendo às suas muitas graças juvenis — utilmente advertidos pela presença dos mais experientes Richard Harfst, PK Taylor, Mark Garfield e Corinna Marlowe.  Se ao menos o resto da produção mantivesse este tom. James Alexander Chew, Emily Barnett Salter, Kathy Peacock e Kasey Claybourn em Can-Can! Foto: Scott Rylander Em vez disso, é realmente às sequências de dança que cabe levantar os ânimos.  E levantam-nos, de facto: Haigh sabe mesmo, mesmo, como mobilizar as suas forças e criar efeitos luxuriantes — num momento faz-nos pensar na "Gaîté Parisienne" de Massine, no seguinte recorda os movimentos intrincados de Balanchine dentro de grupos, ou até "An American in Paris" de Gene Kelly — algo muito difícil de conseguir, e que Haigh aqui alcança com um controlo quase pictórico.  Esta é coreografia do mais alto nível, e o seu final — que vale a espera — é um autêntico fogo-de-artifício de energia e efeitos explosivos.  Sim, ele tem o hábito de passar de 0 a 60 num segundo: há alturas em que se anseia por uma velocidade mais lenta, por uma frase mais legato, ou simplesmente por uma pausa e quietude — por exemplo, as acrobacias vistosas do pas-de-deux dos amantes no segundo ato poderiam envolver mais se fossem construídas de forma um pouco mais sedutora.  Ainda assim, o elenco tem todas as oportunidades para exibir a sua bravura técnica — dezenas e dezenas de saltos para os rapazes (James Alexander-Chew tira-nos o fôlego), surpresas constantes geradas por ângulos de entrada continuamente mutáveis, e alguns efeitos realmente chamativos para as raparigas.  É uma delícia. Damjan Mrackovich com Kathy Peacock em Can-Can!. Foto: Scott Rylander A companhia foi claramente escolhida pela sua capacidade de estar à altura das exigências que o coreógrafo lhes coloca.  Mas isto é uma opereta e também lhes é pedido que cantem, e a música que têm de interpretar não é coisa fácil.  Melódica, sim, mas faz muitas exigências à voz.  A simples verdade é que este material precisa de vozes mais fortes e mais desenvolvidas.  Só nos números corais, onde podem combinar vozes, é que soam verdadeiramente em casa.  Noutros pontos, nos números a solo, por vezes é alarmante perceber o quão sobrecarregados estão pela linha musical, pelas exigências de apoio, pelos perigos de uma afinação correta e de uma dicção inteligível.  Mesmo neste espaço pequeno, alguns têm dificuldade em projetar a voz acima do acompanhamento de um único instrumento (a MD Rosa Lennox, que muitas vezes também se atrapalha com o pequeno piano encostado a um lado do palco: parece mais à vontade com o clarinete que também toca).  Os arranjos musicais são de Richard Baker e ele fez o que pôde para fundir os elementos díspares do paladar musical do espetáculo numa "partitura" (incluindo várias secções dependentes de playback de sons orquestrais pré-gravados), mas continua a ser apenas um desfile de "grandes êxitos": sem grande coisa em termos de recitativo, ensemble, scena, e com uma dependência excessiva da simples repetição de refrães, inevitavelmente, a falta de variedade de forma cria uma uniformidade de efeito que se torna previsível e, gradualmente, vai drenando a energia do espetáculo. Foto: Scott Rylander Isto, mais uma vez, não ajuda o elenco a tirar o melhor partido da ocasião.  Recentemente, em Berlim, uma reimaginação inovadora de "The White Horse Inn" mostrou quão possível é pegar numa grande opereta clássica e remodelá-la num registo de entretenimento mais contemporâneo e — acima de tudo — de modo a adequá-la às vozes e estilos de hoje.  Com um elenco como este, essa poderia ter sido uma abordagem mais sensata — e construtiva.  Em vez disso, Damjan Mrakovich, como o protagonista romântico Christian Bontoux, tem de forçar a voz a fazer coisas para as quais ela claramente não está talhada; em cena com ele, Jane, de Kathy Peacock, apresenta muita técnica sólida, mas que crueldade fazê-la estrear-se com a melodia ascendente e ampla de Hanna Glawari da "Valsa da Viúva Alegre", um número escrito para uma mulher claramente muito mais madura fisicamente.  E assim por diante.  Emily Barnett-Salter oferece-nos uma interpretação desenfreada da vulgar Yvette, mas a música faz com que ela empurre a voz de uma forma que não pode ser confortável.  O número drag algo rasca de Taylor, Goulue, é um deleite — num tipo de "La Cage aux Folles" de baixo orçamento — mas a sua música precisa de ser repensada.  Eu podia continuar, mas acho que a ideia ficou clara. O elenco de Can-Can! Foto: Scott Rylander Ficamos animados sempre que chega um número de dança, mas as esperas pelo meio podem ser longas.  Entretanto, é preciso ouvir bastante diálogo algo empolado.  Parte do elenco faz o que pode para enriquecer as caracterizações, mas o texto não lhes facilita muito.  "Trelawny" estreou com críticas mornas e, quando foi reposta desde então, os produtores tiveram o cuidado de lhe dar elencos realmente fortes, com intérpretes com a experiência e a capacidade de contornar as suas muitas fragilidades.  Em vez de servir de montra a este elenco trabalhador, porém, um texto assim não é generoso para com eles.  É maravilhoso ver tanta gente a dançar os grandes números espetaculares, e se ao menos o espetáculo tivesse tomado essa força como deixa e se tivesse construído mais em torno deles.  Os figurinos de Penn O'Gara são elegantes e podiam ter saído de qualquer galeria de arte impressionista, mas o encenador parece menos à vontade com esta mistura de alta burguesia e demi-monde: demasiadas vezes ficam simplesmente ali, parados, à deriva, sem qualquer sentido de direção, sem habitarem as personagens.  Os números dançados são executados com mestria, mas a representação, por contraste, fica bruta e inacabada.  No fim de contas, o teatro é sobre a relação entre quem está em palco e quem está na plateia; felizmente, alguém na equipa criativa parece ter compreendido isso — a sua realização, porém, serve apenas para sublinhar as deficiências noutras áreas. Até 9 de março de 2019

RESERVAR BILHETES PARA CAN-CAN